El artista a la intemperie

La Operazione Difesa della Natura fue uno de los proyectos en los que Joseph Beuys trabajaría durante los últimos años de su vida. Si bien los planteamientos de esta propuesta inconclusa siguen insistiendo en las ideas de «escultura social» y «concepto ampliado de arte» con las que el artista habría dado forma a sus más conocidas intervenciones, es en este proyecto desarrollado en el sur de Italia donde se puede apreciar nítidamente su concepto de naturaleza: una realidad dual que condicionaría la relación tensa que el artista pudo mantener con el sujeto, con la sociedad y con la misma naturaleza

La pintura que no se dice

Partiendo del proyecto titulado Ni decir que presenté en el Crucero del Hospital Real de Granada durante los meses de febrero y marzo de 2018, en este artículo propongo una serie de reflexiones sobre el proceso de elaboración de una obra pictórica. En este caso, me referiré a los límites del control racional sobre el hacer y a las condiciones que surgen del contacto íntimo con la materia. En una sociedad sobresaturada de un tipo de imagen que viene asociada a un determi-nado e interesado sentido, frente a un acelerado contexto en el que no es fácil filtrar los contenidos opacos que tantas veces recibimos de forma involuntaria a través de las redes sociales y los medios de comunicación, es necesario reflexionar sobre la función del arte y sobre la responsabilidad del artista respecto de la saturación de ese tipo de imagen y los efectos que sus códigos están ejerciendo sobre las posibilidades del ver. Por ello, en este texto propongo la posibilidad de la práctica pictórica como una ética basada en la distancia y el silencio, conceptos complejos y poliédricos que se abordarán en este trabajo. Con el fin de concretar esta propuesta, utilizaré como ejemplos la obra de los pintores contemporáneos Qiu Shishua (China, 1940) y Fu Xiaotong (China, 1976), cuyos traba-jos ilustran las ideas que aquí se exponen.Universidad de Málaga. Campus de Excelencia Internacional Andalucía Tech

Que no cabe en la cabeza o de los límites del decir y de la imposibilidad del ver

Partiendo del proyecto expositivo que lleva por título “Que no cabe en la cabeza” su autor plantea en este texto una reflexión sobre las condiciones que dichas obras imponen en el ver y, por lo tanto, en la recepción de las intenciones poéticas por parte del espectador. Se trata así de plantear un posible acercamiento a la pintura contemporánea desde unas claves de lectura íntimamente relacionadas con el saber del proceso, con la materia, con el tiempo y con la demora.Universidad de Málaga. Campus de Excelencia Internacional Andalucía Tech

Senior Recital: Jean Garcera, Voice; Somlee Lee, Piano; November 13, 2022

Kemp Recital HallNovember 13, 2022Sunday AfternoonNoo

Sampled-Data and Harmonic Balance Analyses of Average Current-Mode Controlled Buck Converter

Dynamics and stability of average current-mode control of buck converters are analyzed by sampled-data and harmonic balance analyses. An exact sampled-data model is derived. A new continuous-time model "lifted" from the sampled-data model is also derived, and has frequency response matched with experimental data reported previously. Orbital stability is studied and it is found unrelated to the ripple size of the current-loop compensator output. An unstable window of the current-loop compensator pole is found by simulations, and it can be accurately predicted by sampled-data and harmonic balance analyses. A new S plot accurately predicting the subharmonic oscillation is proposed. The S plot assists pole assignment and shows the required ramp slope to avoid instability.Comment: Submitted to International Journal of Circuit Theory and Applications on August 9, 2011; Manuscript ID: CTA-11-016

The limits of seeing: an approach to contemporary painting

La ponencia que presentamos plantea una reflexión sobre las posibilidades expresivas del lenguaje pictórico y sus consecuencias en el proceso del ver. Para abordar esta cuestión, analizaremos el trabajo de Javier Garcerá (coautor de este artículo) que, frente a la proliferación de la información visual de naturaleza exhibicionista que nos afecta día a día, utiliza una serie de estrategias formales basadas en una cierta negación de la imagen y obstaculización de la mirada. En concreto, partiremos del proyecto expositivo titulado “Ni decir” (2018), el cual pretende estimular una apertura de la percepción que permita ver más allá de la representación pictórica, e incluso de cualquier imagen. Hecho que suscita una reflexión necesaria en el contexto imagen [n] visible que la presente edición del congreso ANIAV propone.Universidad de Málaga. Campus de Excelencia Internacional Andalucía Tech

Reflections on the exhibition fact: The case of Málaga

In this paper we think on the act of exposing. From the first cabinets of curiosities to artistic practices who challenge or camouflage themselves as exhibition events; imaginary museums to relational practices; of large and small museums to personal and domestic initiatives. This new century, more than ever, requires a reflection on the political and tourism management and the creation and dissemination of culture. Great museums have their worth in the millions of visitors attracted by the desire to check and document the iconic image that adorns its walls. Its success lies in being part of routes of cruisers and tour operators. The crisis reduced government subsidies and endangers the maintenance of these large institutions, while museums arising on any subject almost spontaneously, as the only solution to some bumpkin councils, while consuming the very small funds to support culture. At the bottom of all this is the questioning of the images and of the process to file. About those images that tell stories and objects that are part of what we decided we want to remember, and how we tell that story. The increasing burden of memories of history, has become a general problem in society for the relentless growth of data volumes that must be known. The information society, longed until recently, has integrated all vital manifestations in a global network, turning the dream into a nightmare. In conclusion, the process of democratization and access to technology has enabled the creation of images is no longer the domain of a few specialists. And that change is coming to the storage and dissemination of images, which were historical make by the museum. A few years ago became the amateur artist, and that changed the ways of doing, from photography to video. Currently the amateur becomes curator and director of his great little museum ... what changes will bring this situation to the consolidated institutions? How exposures will arise in the near future? We will try to investigate these and other issues throughout this paper. And we are going to focus in Malaga and the changes in its cultural network during the last decade.Reflexionamos en esta ponencia sobre la acción de exponer. Desde los primeros gabinetes de curiosidades a las prácticas artísticas que cuestionan o se camuflan como eventos expositivos; de los museos imaginarios a las prácticas relacionales; de los grandes y pequeños museos a las iniciativas personales y domésticas. Este principio de siglo, más que nunca, exige una reflexión entre la gestión político-turística y la creación y difusión de cultura. Los grandes museos cuentan su valía en cifras millonarias de visitantes, atraídos por el deseo de verificación y documentación de la imagen icónica que adorna sus paredes. Su éxito reside en formar parte de las rutas de cruceristas y tour operadores. La crisis reduce las subvenciones públicas y pone en peligro el mantenimiento de estas grandes instituciones, al tiempo que que surgen museos sobre cualquier tema casi de forma espontánea, como única solución a la gestión algo pazguata de ayuntamientos y comunidades, al tiempo que consumen las únicas y muy reducidas subvenciones de apoyo a la cultura. En el fondo de toda esta situación está el cuestionamiento de las imágenes y del propio proceso de archivo. Sobre aquellas imágenes que nos cuentan historias y los objetos que decidimos forman parte de lo que queremos recordar, y cómo contamos esa historia. La creciente carga de recuerdos de la historia, se ha convertido en un problema general de la sociedad: El incesante crecimiento de las cantidades de datos que deben ser conocidos. La sociedad de la información, hace poco aún anhelada, integradora de todas las manifestaciones vitales en una red global, se ha hecho realidad de forma tan plena, que con su realización el sueño se ha convertido ya en pesadilla. En conclusión, el proceso de democratización y acceso a la tecnología que ha posibilitado que la creación de imágenes no sea dominio de unos pocos especialistas, está llegando a la búsqueda, almacenamiento y difusión de imágenes, las labores históricamente realizas por el museo. Si hace unos años el aficionado se convirtió en artista, y eso modificó las formas de hacer, desde la fotografía al vídeo, el presente nos sitúa en un umbral en el que el aficionado-amater se convierte en comisario de exposiciones y en director de su pequeño gran museo... ¿qué cambios traerá esta situación a las instituciones consolidadas? ¿De qué manera se plantearán las exposiciones en un futuro cercano? Intentaremos investigar estas y otras cuestiones a lo largo de la ponencia y para no divagar por territorios en exceso amplios, centraremos los ejemplos en Málaga y en los cambios en su tejido cultural durante la última década.Universidad de Málaga. Campus de Excelencia Internacional Andalucía Tech

Intervenciones artísticas-gráficas sobre objeto de diseño y espacio. Op Art; la obra de Felice Varini y Georges Rousse y su posible aplicación al diseño de producto

[EN] ABSTRACT The development of this thesis supposes an opportunity of learning and a tool in the area of Industrial Design teaching. The experience of having been teaching for fourteen years in the Escuela Técnica Superior de Ingeniería del Diseño of the Universitat Politècnica de Valencia and particularly in the subject of Artistic Expression, belonging to the first course of the degree in Product Design, inspired me to investigate areas which may be able to promote creativity and foster the perception as a resource when designing. We value as the two main bases in the vocational development of the student of Design, the perception and the creativity, observing in the novice students a lack of these skills, which makes difficult an organised improvement in their formation and their acquisition of abilities. Therefore we consider imperative the education in both of these areas. We are giving value to Jules Goncourt's thought: "The longest apprenticeship of all the arts is learning how to see". We reckon the important role that perception plays: "Things are not seen as they are; they are seen as we are" (H. Ascasubi). We analyse the perception among the students of the first course of ETSID. Given that we know the society is overloaded with visual stimuli, we consider the Op Art and its current reference in Felice Varini and Georges Rousse's work, a proper mean to connect with the students, so that it can work as a resource to reflect and discover the perception, the shape, the space and the creativity; elements which are all interrelated in a very interesting way in the work of the artists object of study. We intend to deeply analyse the perception (sense and knowledge) and the perspective as its representation, appreciating the technique of the anamorphosis as a creative and intriguing rupture, which may provoke a new way of looking on the students of Design, providing them with new resources, different points of view, new interpretations of the object, needs. In this thesis, more than arguing the pedagogical component of art for the students of Design, singled out in the Op Art, we intend to show the positive link that exists between art, and product design, from basic aspects; the creativity, the formal and graphic resources, the subject-object connection relating to perception and in the formal aspect, the link between two and three dimensions.[ES] RESUMEN La realización de esta tesis se presenta como una oportunidad de aprendizaje y herramienta en el ámbito de la enseñanza del diseño industrial, la experiencia docente de catorce años en la Escuela Técnica Superior de Ingeniería de Diseño de la Universidad Politécnica de Valencia y en especial en la asignatura Expresión Artística de primer curso del Grado en Diseño de Producto, me ha impulsado a investigar áreas que puedan motivar la creatividad y potenciar la percepción como recurso de diseño. Hemos valorado como dos pilares fundamentales en el desarrollo vocacional del estudiante de diseño la percepción y la creatividad, observando en los alumnos nóveles carencias en estas áreas que dificultan un ordenado crecimiento en la formación y adquisición de capacidades, por lo que vemos prioritario educar en estas dos áreas. Poniendo en valor el pensamiento de Jules Gouncourt: "El más largo aprendizaje de todas las artes es aprender a ver." Nos planteamos la influencia de la percepción; "Las cosas no se ven como son, las vemos como somos" (H. Ascasubi). Analizamos la percepción del alumnado de primer curso de ETSID. Conociendo que la sociedad está sobrecargada de estímulos visuales nos parece el Op Art y su referente actual en la obra de Felice Varini y Georges Rousse un medio para conectar con el alumnado de manera que sea un recurso para la reflexión y el descubrimiento de la percepción, la forma, el espacio y la creatividad, elementos que se interrelacionan de muy interesante manera en la obra de los artistas objeto de estudio. Buscamos analizar en profundidad la percepción (sentido y conocimiento) y la perspectiva como su representación, valorando la técnica de la anamorfosis como ruptura creativa y sugerente, que puede provocar una nueva mirada en el alumno de diseño capacitándolo con nuevos recursos, distintos puntos de vista, nuevas lecturas del objeto, necesidades. En esta tesis más allá de argumentar el componente pedagógico del arte para el estudiante de diseño, singularizado en el Op Art, buscamos demostrar la positiva vinculación del arte con el diseño de producto desde aspectos básicos; la creatividad, los recursos formal y gráfico, la relación perceptual sujeto-objeto y en el aspecto formal la relación entre dos y tres dimensiones.[CA] RESUM La realització d'aquesta tesi es presenta com a una oportunitat d'aprenentatge i com a eina a l'àmbit de l'ensenyament del disseny industrial. L'experiència docent de catorze anys a l'Escola Tècnica Superior d'Enginyeria de Disseny de la Universitat Politècnica de València i, en especial, en l'assignatura d'Expressió Artística de primer curs del Grau en Disseny de Producte, m'ha impulsat a investigar àrees que poden motivar la creativitat i potenciar la percepció com a recurs per al disseny. Hem valorat dos fites fonamentals en el desenvolupament vocacional de l'estudiant de disseny: la percepció i la creativitat. Tanmateix, observem en els alumnes novells carències en aquestes àrees que dificulten un ordenat creixement en la formació i adquisició de capacitats. Veiem, doncs, prioritari educar en aquestes dos àrees, posant en valor el pensament de Jules Gouncourt: "El més llarg aprenentatge de totes les arts és aprendre a veure." Ens plantegem la influència de la percepció: "Les coses no es veuen com són, les veiem com som" (H. Ascasubi) i analitzem la percepció de l'alumnat de primer curs d'ETSID. Assumint que la societat està saturada d'estímuls visuals, ens sembla l'Op Art i el seu referent actual en l'obra de Felice Varini i Georges Rousse un mitjà per a connectar amb l'alumnat de manera que siga un recurs per a la reflexió i el descobriment de la percepció, la forma, l'espai i la creativitat, elements que s'interrelacionen de manera molt interessant en l'obra dels artistes que són objecte d'estudi. Cerquem analitzar en profunditat la percepció (sentit i coneixement) i la perspectiva com a la seua representació, valorant la tècnica de l'anamorfosi com a ruptura creativa i suggeridora, que pot provocar una nova mirada en l'alumne de disseny. D'aquesta manera el capacita amb nous recursos, distints punts de vista, noves lectures de l'objecte, necessitats. En aquesta tesi, més enllà d'argumentar el component pedagògic de l'art per a l'estudiant de disseny, singularitzat en l'Op Art, busquem demostrar la positiva vinculació de l'art amb el disseny de producte des d'aspectes bàsics: la creativitat, els recursos formal i gràfic, la relació perceptual subjecte-objecte i en l'aspecte formal, la relació entre dos i tres dimensions.Alaman Garcera, J. (2016). Intervenciones artísticas-gráficas sobre objeto de diseño y espacio. Op Art; la obra de Felice Varini y Georges Rousse y su posible aplicación al diseño de producto [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/61303TESI