Aspectos psicológicos en árbitros de élite : ¿afecta el salario a su bienestar emocional?

Aun destacando la importante labor de los árbitros, éstos han recibido una escasa atención en cuanto a investigación en el ámbito psicológico se refiere. Los árbitros de fútbol presentan unas condiciones socio-económicas claramente diferenciadas respecto al resto de colegiados, pues están sometidos a una elevada presión, pero cuentan con salarios notablemente superiores. En el presente trabajo se ha evaluado el bienestar psicológico en 300 árbitros de élite (73,30% hombres) de las máximas categorías de fútbol (41%), natación (35.70%) y piragüismo (23.30%) en España en relación al burnout, apoyo social percibido, autovaloración profesional y afrontamiento de situaciones competitivas. Las mujeres tienden a mostrar una mayor sintomatología relacionadas con alteraciones emocionales. Existen diferencias estadísticamente significativas en burnout, apoyo social percibido, autovaloración profesional y afrontamiento de situaciones competitivas en función del deporte dirigido, siendo los colegiados de fútbol quienes presentan mejores puntuaciones en los cuatro factores evaluados. Los resultados muestran cómo, aunque el salario presenta un efecto sobre la autovaloración profesional, éste no es un factor determinante del bienestar emocional.Aspectos psicológicos en árbitros de élite: ¿afecta el salario a su bienestar emocional?Despite the important role that referees play, there has been very little research examining their role in a psychological context. Soccer referees have socioeconomic conditions that are clearly different from the rest of the referee pool, as they are exposed to a high level of social pressure; alongside this they have significantly higher wages. In this paper, the psychological well-being of 300 elite referees from the highest categories of soccer (41%), swimming (35.70%) and canoeing (23.30%), in Spain, were assessed (73.30% male) related to burnout, perceived social support, professional self-worth, and coping in a competitive context. Women are prone to show more symptoms related to emotional disorders. Statistically significant differences were found in burnout, perceived social support, professional self-worth, and coping depending on the sport, where soccer referees displayed better scores in the four factors appraised. Results show that, although wage has an effect on professional self-worth, this is not a determining factor of psychological well-being.Embora destacando o importante trabalho dos árbitros, estes têm recebido uma escassa atenção relativamente à investigação no âmbito psicológico. Os árbitros de futebol apresentam condições sócio-económicas claramente diferenciadas relativamente aos restantes colegas de profissão, uma vez que estão sujeitos a uma elevada pressão, contudo contam com salários consideravelmente superiores. No presente trabalho foi avaliado o bemestar psicológico em 300 (73,30% homens) dos escalões máximos de futebol (41%), natação (35.70%) canoagem (23.30%) em Espanha relativamente ao burnout, apoio social percebido, auto-avaliação profissional e confronto em situações competitivas. As mulheres tendem a revelar uma maior sintomatologia relacionada com alterações emocionais. Verificam-se diferenças estatisticamente significativas no burnout, apoio social percebido, autoavaliação profissional e confronto em situações competitivas em função da modalidade dirigida, sendo os árbitros de futebol os que apresentam melhores pontuações nos quatro factores avaliados. Os resultados revelam como, apesar do salário apresentar efeito sobre a auto-avaliaçao profissional, este não é um factor determinante do bem-estar emocional

Auditorium: una tipología del siglo XX

Se recoge en esta tesis doctoral la definición y clasificación de los edificios cuya finalidad es proporcionar espacios para escuchar y producir música. Se centra en aquellos construidos a lo largo del siglo XX, en el área geográfica y cultural que forman Europa occidental y Estados Unidos. Se analizan edificios construidos en el pasado, en una serie que se origina a mediados del siglo XIX y que se culmina terciado el propio siglo XX. Son edificios que contienen espacios pensados para músicas que, sin embargo, en su mayoría fueron creadas en un periodo anterior, desde mediados del siglo XVIII hasta las primeras décadas del siglo pasado. Un auditorium es un edificio cuya idea conlleva la compleja herencia de los múltiples lugares, abiertos y cerrados, que han alojado la música a lo largo del tiempo. Es un edificio que es útil a la sociedad y que ocupa un lugar significativo dentro de la ciudad, y es consecuencia del campo de fuerzas que constituyen los avances técnicos, el progreso de las sociedades urbanas y la evolución del arte, al compartir estrechamente, música y arquitectura, el interés por hallar la expresión de una nueva relación con la naturaleza. Se parte de la hipótesis de que el auditorium puede constituir un tipo arquitectónico con entidad suficiente para generar una tipología. Entendida ésta como una herramienta que dota de conocimientos útiles a quien va a proyectar un edificio para la música y también que permita abrir el campo de pensamiento sobre el espacio musical, sin necesidad de recurrir a modelos previos, aunque se hayan manifestado útiles y precisos. Se comienza con una aproximación a una definición del término «auditorium » y se analizan a qué funciones responde y en qué es distinto de otros edificios, a través de determinar las características formales propias. Para ello se articula la tesis en varios bloques de análisis. I Elementos para una tipología Se indaga en los atributos que determinan la naturaleza de los auditorios para definir cómo son estos edificios y qué características y condiciones tienen, no sólo las salas sino también los edificios que las contienen, buscando el origen de los espacios musicales y su relación con las personas que allí se han reunido para celebrar, a través de la música, acontecimientos colectivos. Relación que ha comportado desplazamientos por los distintos espacios que ha compartido, supeditada a otras actividades, hasta que finalmente, la música ha reclamado espacios propios. Pero también se establece otra relación física entre las distintas posiciones que ocupan en el espacio cuantos intervienen en la celebración del hecho musical, músicos y público. De otra parte se analiza cómo son sus espacios interiores, salas y vestíbulos, y los volúmenes y formas de los edificios en relación con la ciudad. Su conexión con la idea del paisaje abierto y con el carácter originario de la cueva. II Cinco tiempos Los edificios sobre los que se van explorar estas capacidades son en muchos casos arquitecturas divulgadas y conocidas. Sin embargo no todas han tenido desde su aparición el mismo grado de aprecio ni reconocimiento, y sólo el paso del tiempo ha confirmado su excelencia. El estudio se estructura en los periodos marcados por los acontecimientos bélicos y las grandes crisis que sacudieron Europa y Norte América desde comienzos del siglo XX. La identificación de los elementos significativos de la tipología se hace a través del análisis de distintos tiempos que agrupan casos heterogéneos, tiempos entendidos unas veces como la relación entre edificios coetáneos y otra como proyectos pensados por un mismo arquitecto y se detiene, entre otros, en cuatro excepcionales edificios que condensan la experiencia de varias décadas y demuestran su plenitud arquitectónica, por haber evolucionado de modelos precedentes o por su novedosas aportaciones. El Royal Festival Hall (1951), el Kresge Auditorium (1954), el Kulttuuritalo (1958) y la Philharmonie de Berlín (1963), sirven de base para una clasificación del auditorium. III Cronología gráfica Este apartado es fundamentalmente gráfico y consta un inventario de más de 100 archivos correspondientes a otros tantos auditorios y sus salas, en orden cronológico. Cada archivo cuenta con una imagen del exterior del edificio y otra del interior de la sala. Se han incorporado en cada uno de los archivos, dos dibujos a la misma escala. El primero muestra la planta de la sala con tres parámetros: la ocupación del público en referencia al lugar que ocupa la orquesta, la relación de tamaño entre la sala y las de los cuatro auditorios de referencia y la distancia al foco de sonido, la orquesta, mediante una escala en metros. Estos tres parámetros están superpuestos al que he considerado espacio audible, un rectángulo de 60 por 90 metros, en el que el foco está desplazado, por considerar que el sonido de una orquesta tiene una componente directional y que en esas dimensiones la energía sonora no decae. En el friso bajo el dibujo, aparecen cuatro iconos que informan de la relación formal de la sala con la del auditorium. Puede ser una sala dentro de un edificio sin correspondencia formal, un edificio en el que se manifiesta exteriormente el volumen de la sala, un edificio que tiene la forma de la sala y resuelve el resto del programa funcional sin manifestarlo exteriormente o, finalmente un edificio complejo cuya forma absorbe dos o más salas de música. El segundo dibujo es la sección longitudinal de la sala, recortada sobre un fondo negro para destacar su forma y proporción, todas están a la misma escala y en la misma dirección respecto del escenario para facilitar su lectura y comparación. En el parte inferior de la sección, aparecen cuatro esquemas de la forma y distribución en planta sobre el que destaca la de cada caso de estudio. La forma del techo de las salas de música de los auditorios, expresada a través de la sección longitudinal, es uno de los elementos que caracteriza el espacio musical. El perímetro de la sección, determina su superficie y por tanto, el volumen total interior. Es una herramienta técnica que permite dirigir el sonido reflejado en él, hasta cualquier lugar del interior de la sala, garantizando una distribución homogénea y evitando concentraciones perjudiciales o «sombras acústicas», lugares donde no llegan las primeras reflexiones. IV Geometría de las salas El análisis efectuado permite la elaboración de paralelos de tres de los elementos fundamentales de la tipología de las salas de los auditorium y que definen el espacio musical. El perímetro de la sección y su superficie que establecen el volumen total interior, que es un factor determinante en la reverberación de una sala. La forma y superficie del techo, que interviene directamente en el cálculo de la absorción del sonido, en función de la cualidad reflejante o absorbente del material con el que está construido, y por otra parte en la distribución del sonido en el espacio. Y por último, la forma del suelo de las salas también expresada a través de la sección longitudinal, es otro de los elementos que caracteriza el espacio musical. El modelado del suelo permite mediante distintas pendientes garantizar la correcta visión del escenario y por tanto permite también una buena audición, puesto que la llegada directa del sonido está asegurada. La otra limitación dimensional es el ancho de la grada. Cuando se ha buscado incrementar al máximo la capacidad de una sala, se han establecido graderíos en balcones en voladizo para no penalizar la distancia al escenario, de manera que algunas partes del graderío quedan cubiertas, en detrimento de su calidad acústica al privarlas de las primeras reflexiones que proceden del techo. V Auditórium y ciudad El auditorium es un edificio singular que establece con la ciudad una relación particular y que contiene en su interior una o varias salas especiales destinadas a oír y ejecutar música, a las que se accede a través de otros espacios de carácter social. Han ido evolucionando y modificándose de manera ininterrumpida, dando lugar a edificios de diversa complejidad en su programa y a salas cada vez mas especificas para cumplir mejor su cometido, perfeccionando su sonido y buscando la más elevada musicalidad. Estos edificios disponen de otros ámbitos de relación, son los espacios interiores, vestíbulos y escaleras, generalmente generosos en superficie y espacialidad, previos al espacio musical, corazón del auditorium donde suena la música en condiciones acústicas precisas. También el lugar donde se construyen los auditoriums en las ciudades tiene un especial significado, porque generalmente han buscado interponer espacios abiertos o ajardinados que suavicen el contacto directo con la ciudad y que implican, por otra parte, una preparación de las personas que asisten para escuchar los conciertos. Con el paso del tiempo, la aceptación generalizada de formas afianzadas en la ciudad, será uno de los vehículos que permita contaminar a otros tipos de edificios y alcanzar una libertad formal renovadora de los paisajes urbanos. Conclusiones La disolución del espacio musical convencional pregonado por el pabellón Philips del año 1958, no ha impedido que hoy siga vivo para el arquitecto el reto del proyecto y construcción del auditorium. Hoy conviven experiencias musicales totales; imagen, luz y movimiento, ocupando todo tipo de espacios públicos, cerrados o al aire libre, con la voluntad de conseguir espacios capaces de crear la intimidad y las precisas condiciones ambientales que hagan posible la recreación de las músicas del pasado en una especie de emocionante museo sonoro vivo. Como edificios urbanos, los auditoriums han conseguido un lugar destacado en la iconografía urbana después de un largo camino hasta conseguir el reconocimiento social. Se puede, así, establecer que estos edificios han introducido en la ciudad una nueva manera de expresarse la arquitectura. Que lo inesperado de sus formas y volúmenes en el espacio urbano, o la sorpresa de sus interiores altamente técnicos, justificados para satisfacer las nuevas necesidades impuestas por una audiencia cada vez más y más experta, obtienen la aceptación urbana por su utilidad social y por su capacidad de establecer una relación distinta entre las personas, la ciudad y la naturaleza. Coda Finalmente, el epílogo habla de la metamorfosis del espacio musical y de la convivencia de distintos espacios musicales en la actualidad. Desde la creación de las primeras y sencillas salas de música hasta las grandes salas filarmónicas que se construyen en las últimas décadas, la arquitectura ha proporcionado lugares adecuados para contener y disfrutar la música, espacios que se han modificado según cambiaban las formas musicales. Sin embargo el sonido parece mostrarse reticente a ser encerrado en el espacio y busca aliarse con el tiempo para conseguir un desplazamiento permanente. Seguramente es en el pabellón Philips de Bruselas en 1958 donde se presenta el último intento de la arquitectura de contener la música, que impulsada por tecnologías absolutamente nuevas, se mueve como dardos que atraviesan el espacio en todos los lugares y en todas las direcciones. Desde aquellas décadas centrales del pasado siglo, y superando los mas optimistas intentos de distribuir masivamente la música a través de incipientes tecnologías, se puede afirmar que vivimos en una inmersión sonora universal. Anexos Incluyen, una colección de mapas de la geografía de los auditorios europeos y norte-americanos, referenciados a los periodos de su construcción, y una relación de los auditorios estudiados con referencias bibliográficas. ABSTRACT This doctoral thesis does not only look at the ways in which architecture and music relate with one another; it also seeks to be an exact, scientific study of auditoriums, a building type that first appeared in the 20th century as a place in which to produce and listen to music. It studies concert halls, raised in Europe and the United Stated in the 20th century, for the purpose of recreating older music, that were the result of the evolution of various ancient building types. Auditoriums have a complex heritage of architecture of all times, openair and covered alike, and occupy important spots in cities. They incorporate the technical innovations of their times, and are reflections not only of the music played within them, but also of the societies that built them. Music and architecture share an interest in connecting with nature. Auditorium, a 20th-century Typology tries to define this building typology, and with that, be a practical tool in designing and constructing spaces for music, besides exploring the relationship between the two disciplines, architecture and music, and establishing the foundations for an entire school of thought. It is organized in five chapters, each focusing on a particular aspect of auditoriums, all towards defining a possible typology: I Typology elements. A study of the origin of auditoriums, and of how the different parts of these buildings —the actual concert hall, the foyer, the open spaces— relate with the city and with nature, which is ever present in music and in the origin of auditoriums. II Five sequences. A chronological journey through the 20th century, in periods marked by the two world wars and the consequent crises, with case studies of four exceptional buildings: the Royal Festival Hall (1951), the Kresge Auditorium (1954), the Kulttuuritalo (1958), and the Berlin Philharmonie (1963). III Graphic chronology. A methodical sequence looking at a hundred auditoriums, with each entry presenting images of the concert hall and the building as a whole, and two drawings on the same scale. Each concert hall floor plan shows how the orchestra relates with the audience, and it is compared to the floor plans of the four case-study examples named above. We also see how the hall is set into the building. The second drawing is the longitudinal section of the hall. Ceiling shape much determines the character of concert hall spaces, while technical data like air volume and the amount of absorbent and reflecting materials used have a direct bearing on the reflection of sound and on the overall musical quality of the auditorium. IV Geometry of concert halls. Graphic analysis of the key elements of a music space: the ceiling and the floor plan. The section is a necessary tool for determining the reverberation time of a concert hall, and is closely linked to the shape of the floor plan. In concert halls, there is a strong connection between the ceiling, the walls, and the floor, as there is between different musical instruments. It also includes maps showing where these European and American buildings are located geographically as well as in time. V The auditorium in the city. This chapter presents a series of maps showing the location of auditoriums in the city. They are often located in squares and gardens, open public spaces that serve to emotionally prepare the listener for an imminent musical experience. Time has shown that concert halls have changed the urban landscape and city life. Conclusions As a building type, auditoriums —though «dissolved» by the Philips Pavilion in 1958— remain valid spaces for listening to music. As intimate and unique spaces for social gathering and musical creation, they have done their part in transforming cities. Acoustics play a key role in these technical interiors, but just as important is the rapport that is struck between the musicians and the audience, and between musical works of the past, present, and future. Auditoriums are urban buildings that have been very successful throughout history. They have enriched our cities with surprising shapes and volumes, introduced new interiors in architecture, and struck new relationships between people, the city, and nature. As such, they are necessary. Coda Finally, the epilogue presents the evolution of the music space, from the early simple music halls to the highly complex philharmonic halls of recent years. Architecture has produced spaces for the enjoyment of music that have been modified for new musical creations, while remaining useful for the historical repertoire. Sound, and thus music, has as complex a relationship with space as it does with time. The coda of this thesis is the Philips Pavilion of 1958, perhaps the last attempt to propose a new kind of architecture for music with the latest technology. Annexes The thesis includes a collection of site maps of European and American auditoriums, complete with completion dates and descriptions

外国語としてのスペイン語による感情表現にワーキングメモリと感情知能が与える影響

資料・研究ノー

The dream of space produces forms

[EN] The dream of space produces forms is a study on space as the place that most surprises and excites us in architecture. Space understood as an invention of three-dimensional shapes that particularly show their ability to provide above justified needs, the possibility of revising the way they are used.By abstracting these spaces from their environment and context, we seek through this study to explore the relationship between the section and the volume of the space, and in doing so, recognize the design mechanisms, whether rational or intuitive, that we have used in establishing the spatial layout. We are aware that this thought on the actual project experience must be part of the architect´s work, and that it ultimately represents the search for the givens and constants that are present in the architecture of any time or place.[ES] El sueño del espacio produce formas es una reflexión sobre el espacio como el lugar que más nos sorprende y emociona en arquitectura. El espacio entendido como un invento de formas tridimensionales que muestran particularmente su capacidad de proporcionar más de lo que es necesario al sugerir la posibilidad de revisar la manera de cómo se usan. Abstrayendo estos espacios de su entorno y contexto, pretendemos a través de diversos modelos y análisis gráficos, explorar las relaciones entre la sección y el volumen del espacio, para reconocer los mecanismos de proyecto, racionales o intuitivos, utilizados en la organización espacial de su programa, conscientes de que esta reflexión sobre la propia experiencia de proyecto debe ser parte del trabajo del arquitecto y que en definitiva representa la búsqueda de invariantes, estructuras y permanencias presentes en la arquitectura de cualquier tiempo o lugar.García Pedrosa, I.; García De Paredes De Falla, Á. (2019). El sueño del espacio produce formas. VLC arquitectura. Research Journal. 6(1):1-27. https://doi.org/10.4995/vlc.2019.11578SWORD12761Argan, Giulio Carlo. El concepto del espacio arquitectónico desde el Barroco a nuestros días. Buenos Aires: Nueva Visión, 1973.Bucci, Federico, and Marco Mulazzani. Luigi Moretti: works and writings. New York: Princeton Architectural Press, 2002.De Carlo, Giancarlo. "La idea plástica como reto a la tecnología." Parámetro, n. 43 (1976). Original full text in De Carlo Archive, IUAV in Venice.Focillon, Henri. Vie des formes. Paris: Ernest Leroux, 1934.Moneo, Rafael. Sobre el concepto de arbitrariedad en arquitectura. Madrid: Real Academia de Bellas Artes de San Fernando, 2005.Moretti, Luigi. "Strutture e sequenze di spazi." Spazio, n. 7 (Dec. 1952 - Apr. 1953): 9-20.Schmarsow, August. "The essence of architectural creation." In Empathy, Form and Space: Problems in German Aesthetics, 1873-93, introduction and translation by Harry Francis Mallgrave and Eleftherios Ikonomou. Santa Monica, CA: Getty Research Institute, 1994.Zevi, Bruno. Saber ver la Arquitectura. Barcelona: Poseidón, 1976

Human Factor on Artificial Intelligence: The Way to Ethical and Responsible Economic Growth

Artificial intelligence (AI) is substantially changing the world of business. The growth of AI and its impact on business and society are explored in this chapter, including dilemmas and emerging challenges, highlighting the existing gap in the adoption of ethical principles. The elements of human-centered AI (HCAI), such as privacy, explainability, equity, and fairness, are presented, analyzing its relevance in business. and how they need to be addressed to guarantee profitable investments in AI technologies. The aim of this book chapter is to present the essential knowledge needed by business about how to behave more ethically in AI development and deployment. In this regard, we discuss how to increase user confidence and usage of AI devices by presenting a best-practice guide to underscore biases and ensure fairness in AI-based products, exemplified in the financial and healthcare sector. Improving people’s understanding of how AI models operate and having a clear HCAI strategy that evaluates negative potential biases of AI systems will increase user trust, spread, and usage of AI devices, thus ensuring the full acceptance of AI in society, thus promoting human, economic, and institutional growth

El uso de ítems inversos en las escalas tipo Likert: una práctica cuestionable

The use of positively worded items and reversed forms aims to reduce response bias and is a commonly used practice nowadays. The main goal of this research is to analyze the psychometric implications of the use of positive and reversed items in measurement instruments. Method: A sample of 374 participants was tested aged between 18 and 73 (M=33.98; SD=14.12), 62.60% were women. A repeated measures design was used, evaluating the participants with positive, reversed, and combined forms of a self-effi cacy test. Results: When combinations of positive and reversed items are used in the same test the reliability of the test is fl awed and the unidimensionality of the test is jeopardized by secondary sources of variance. In addition, the variance of the scores is reduced, and the means differ signifi cantly from those in tests in which all items are either positive or reversed, but not combined. Conclusions: The results of this study present a trade-off between a potential acquiescence bias when items are positively worded and a potential different understanding when combining regular and reversed items in the same test. The specialized literature recommends combining regular and reversed items for controlling for response style bias, but these results caution researchers in using them as well after accounting for the potential effect of linguistic skills and the fi ndings presented in this study.Antecedentes: el uso de ítems formulados positivamente junto con otros inversos es una práctica habitual para tratar de evitar sesgos de respuesta. El objetivo del presente trabajo es analizar las implicaciones psicométricas de utilizar ítems directos e inversos en la misma prueba. Método: se utilizó una muestra de 374 participantes con edades comprendidas entre 18 y 73 años (M=33.98; DT=14.12), con un 62,60% de mujeres. Mediante un diseño de medidas repetidas se evaluó a los participantes en una prueba de autoefi cacia con tres condiciones: todos los ítems positivos, todos negativos y un combinado de ambos. Resultados: cuando se utilizan en la misma prueba tanto ítems positivos como negativos su fi abilidad se deteriora, y la unidimensionalidad de la prueba se ve comprometida por fuentes secundarias de varianza. La varianza de las puntuaciones disminuye, y las medias difi eren signifi cativamente respecto de las pruebas en las que todos los ítems están formulados positiva o negativamente. Conclusiones: los resultados de este estudio presentan una disyuntiva entre un posible sesgo de aquiescencia cuando los ítems tienen una redacción positiva y una comprensión potencialmente diferente cuando se combinan ítems regulares e invertidos en la misma prueba. La literatura especializada recomienda combinar ítems regulares e invertidos para poder controlar el sesgo del estilo de respuesta, pero estos resultados advierten a los investigadores que los usen también después de tener en cuenta el potencial efecto de las habilidades lingüísticas y de los hallazgos presentados en este estudio.This research was funded by the Spanish Association of Methodology of Behavioral Sciences and Health (AEMCCO), member of the European Association of Methodology (EAM), and by the FPI programme from the Ministry of Economy and Competitiveness of the Government of Spain (PSI2014-56114-P, BES2012-053488, and PSI2017-85724-P)

Bifactorial structure of Locus of Control cross-culturally invariant across Spain, Chile and United Kingdom

Locus of control (LOC) is an often studied variable owing to the important role it plays in different contexts. Nonetheless, there is no unanimous agreement about how many dimensions make up the factorial structure of the locus of control. The goal of this research was to add new evidence of cross cultural validity in relation to the bifactorial invariance of the LOC. The test was given to a total of 1,781 participants from Spain (697), Chile (890) and The United Kingdom (194). The study of the factorial invariance between the groups was carried out using multigroup confirmatory factor analysis models for ordered-categorical data. The progressive evaluation of factorial invariance confirms that factor loadings, thresholds and error variances are invariant across groups. Relevant cross-cultural differences in LOC between Spain, Chile, and United Kingdom were not found (PS < .50)

Development of the Classroom Interaction Protocol: application in a program for gifted students

Dentro de los programas educativos, la interacción con los iguales ha demostrado tener una relación importante con diferentes aspectos ligados al desarrollo. A pesar de esta relevancia, son escasos los instrumentos destinados a evaluar dicha variable. Por ello, el presente estudio ha desarrollado un instrumento, el Protocolo de Observación de la Interacción del Alumnado en el Aula (PIA) que permite evaluar –con metodología observacional– la interacción del alumno con sus iguales y con el propio profesor, a través de cinco categorías (positiva, negativa, neutra, relacionada con el profesor e instrumental). En el presente estudio, se ha probado el protocolo registrando la conducta de dos participantes de 7 y 9 años a lo largo de tres trimestres del Programa Integral para Altas Capacidades, los cuales presentaban patrones de actividad-pasividad claramente diferenciados. Los resultados muestran que el instrumento es fiable y flexible empleando, únicamente, dos observadores. En este sentido, el coeficiente (G) del Protocolo muestra en todos los casos valores iguales o superiores a 0,95. La faceta ‘códigos’ es la que asume casi toda la variabilidad. Respecto a la eficacia del Programa Integral para Altas Capacidades, en ambos participantes se observa un incremento de las interacciones positivas a medida que avanza el programa; también se advierte que desaparecen las interacciones negativas, tanto a nivel individual como en el aula. El protocolo permite, entonces, realizar una evaluación exhaustiva tanto del nivel como del tipo de interacción del alumno, independientemente de su patrón conductual, de cara a una intervención individualizada. Las implicaciones prácticas del PIA en cuanto a la evaluación de la interacción en el aula son claras: se puede aplicar a cualquier colectivo y a cualquier programa educativo. === === =======ABSTRACT === ========== Peer interaction in educational programmes has been shown to play an important role in development, but the tools for assessing peer interaction are few. This study reports the development of such an instrument, the Classroom Interaction Observation Protocol (PIA). The protocol uses five categories (positive, negative, neutral, teacher-related and instrumental) to assess students’ interaction with peers and teacher, using an observational methodology. The protocol was tested by recording the behaviour of two participants (one 7 year old and one 9 year old) in the Comprehensive Programme for Gifted Students over the course of three school quarters. The participants displayed completely opposite activity/passivity profiles. The results showed the tool to be reliable and flexible, requiring only two observers. The Protocol’s G coefficient was 0.95 or above in all cases. The code facet accounted for almost all variability. Both participants showed an increase in positive interaction as they moved through the programme. Their negative interactions disappeared, individually as well as at the classroom level. So, the protocol enabled in-depth assessment of both the level and type of student interaction, independently of behavioral patterns, thus paving the way to specific, individualized attention. The practical implications of PIA for the evaluation of classroom interaction are clear: The protocol could be useful to any group in any educational programme