Detroit Geographic Exploration Institute: El mapa, la notación sensible y el activismo para visibilizar la espacialidad de las comunidades marginalizadas

This paper addresses how marginalized communities organized themselves to raise awareness and try to resolve the issues that were ignored by local authorities, even though they harmed and conditioned their ways of life. This is done through the expeditions and maps created by the Detroit Geographic Exploration Institute, founded by geographer William Bunge and young African American activist Gwendolyn Warren after the racial uprisings of 1967. First, the concept of radical geography is analyzed as the academic branch that is sensitive to these situations, followed by an analysis of the institute’s work through a series of cartographies that meticulously describe the sensitive notation implemented in maps of uprisings, rat bites, or children being hit by cars in neighborhoods inhabited by African American populations. The paper aims to reclaim sensitive cartographic analysis, activism, and local policies as urban and architectural tools for seeking spatial justice in stigmatized territories.Este artículo aborda a partir de las expediciones y mapas realizados por Detroit Geographic Exploration Institute, fundado por el geógrafo William Bunge y la joven activista afroamericana Gwendolyn Warren tras las revueltas raciales desarrolladas en 1967, cómo las comunidades marginalizadas se organizaron para visibilizar e intentar resolver las problemáticas que, aunque perjudicaban y condicionaban sus modos de vida, eran totalmente ignoradas por las autoridades locales. Primeramente, se analizará el concepto de geografía radical como la vertiente académica sensible a estas situaciones para, a continuación, analizar la labor del instituto a partir de una serie de cartografías donde se describirá minuciosamente la notación sensible implementada en mapas de revueltas, mordeduras de ratas o atropello de niños en los barrios habitados por la población afroamericana. El articulo tiene como objetivo reivindicar el análisis cartográfico sensible, el activismo y las políticas locales como herramientas urbanas y arquitectónicas para la búsqueda de justicia espacial en territorios estigmatizados

Nuevas consideraciones sobre el muro de Arantzazu. Dos dibujos de Jorge Oteiza para su revisión (1954-1968)

The aim of this article is to add a specific analysis of the great portal of Arantzazu to the different studies carried out on this work to date. Two small drawings by Jorge Oteiza serve to review the two creative phases developed by the sculptor to arrive at the final solution we know. Two phases that are juxtaposed and integrated, forming a unit in which the different variables used by the sculptor in each of them make sense. A research process that starts with his trip to America where he begins to become aware of the importance of space in the new artistic solutions and where he encounters the primitive pre-Columbian culture, with its statues as spiritual artefacts, and ends in the Basque cromlech, empty and religiously receptive. The two drawings represent two visions or cuts along this process that provide a better understanding of Oteiza’s interests and design mechanisms. in relation to his work in Arantzazu in the discovery and definition of the religious space.Con este artículo se quiere sumar un análisis específico sobre la gran portada de Arantzazu a los diferentes estudios realizados sobre esta obra hasta la fecha. Dos pequeños dibujos de Jorge Oteiza (1908-2003) sirven para revisar las dos fases creativas desarrolladas por el escultor para llegar a la solución final que conocemos. Dos fases que se yuxtaponen e integran, formando una unidad en la que cobran sentido las diferentes variables manejadas por el escultor en cada una de ellas. Un proceso de investigación que parte de su viaje a América donde comienza a tomar conciencia de la importancia del espacio en las nuevas soluciones artísticas y donde se encuentra con la cultura primitiva precolombina, con sus estatuas como artefactos salvadores espirituales, y acaba en el crómlech vasco, vacío y receptivo religiosamente. Los dos dibujos suponen dos visiones o cortes a lo largo de este proceso que permiten entender mejor los intereses y mecanismos proyectuales de Oteiza en relación con su intervención en Arantzazu en el descubrimiento y definición del espacio religioso

El artista está presente. Extrañamiento, dificultad e instalación en Venturi y Scott Brown

The work of Robert Venturi y Denise Scott Brown is based upon delocalization and meaning displacement. In a constant migration of concepts and interpretations carried out in successive approaches to the architectural object. It should not be restricted to being understood as a work anchored to historical reflection or, alternatively, to dirty realism and Pop applied to architecture. If both the critical revision of the postmodern episode in architecture, carried out during the last decade, and the recent updating of their iconographic and urban investigations (supported by the particular reassertion of Denise Scott Brown), have reclaimed interest in these architects, a third path remains to be explored, inquiring into the artistic affiliation of V&SB and a set of working mechanisms displaced from art to architecture as possible design techniques. Faced with the apparent limitation of continuing to consider them guarantors of stable values in architecture or simple registers of popular urban realities, this text explores some underlying procedures in their work, aimed at maintaining the capacity of architecture as an inquisitive, destabilizing and ultimately artistic activity. Estrangement, difficulty, the transformation of architecture into installation or the defence of a hyper-subjective authorship, all above a disciplinary condition, are procedure that allow for an operational reading from a contemporary standpoint.El trabajo de Robert Venturi y Denise Scott Brown se basa en la deslocalización y el desplazamiento de significados. En una permanente migración de conceptos e interpretaciones efectuada sistemáticamente sobre el objeto arquitectónico. El entendimiento de su trabajo no debe restringirse como anclado a la reflexión histórica o, alternativamente, al realismo sucio y el Pop aplicados a la arquitectura. Si tanto la revisión crítica realizada durante la última década sobre el episodio postmoderno en arquitectura, como la reciente actualización de sus investigaciones iconográficas y urbanas (apoyadas en la reivindicación concreta de la figura de Denise Scott Brown), han supuesto la recuperación por el interés en estos arquitectos, permanece aún por explorar una tercera vía que indague en la filiación artística de V&SB y un conjunto de mecanismos de trabajo, desplazados del arte hacia la arquitectura, como posibles técnicas de proyecto. Frente a la aparente limitación en seguir considerándoles garantes de valores estables en la arquitectura, o simplemente registradores de realidades urbanas populares, este texto explora algunos procedimientos subyacentes en su trabajo destinados a mantener la capacidad de la arquitectura como actividad inquisitiva, desestabilizadora y en última instancia artística. El extrañamiento, la dificultad, la transformación de la arquitectura en instalación o la defensa de una autoría hiper-subjetiva por encima de una condición disciplinar, son procedimientos que permiten relecturas operativas desde la contemporaneidad

La fachada como umbral: de la organicidad y la utopía a la evocación en Torres Blancas

This article elaborates a phenomenological approach to Torres Blancas, a residential building in Madrid designed by Francisco Javier Sáenz de Oíza, between 1961 and 1964, and built between 1964 and 1968.By reviewing primary bibliographic sources and archives (including specialized periodical publications and iconography), as well as the elaboration of interviews and in situ analysis, this research reveals a process marked by continuous changes, and influenced by Oíza’s workflow, his academic experience, and above all by his readings and reflections on the field of Phenomenology.The approach starts from the reexamination of the organic references and utopian used by Oíza (from F. L. Wright and Le Corbusier, respectively) to gradually delve into the evocative character of Torres Blancas and the architectural strategies devised for this purpose by the architect, always revolving around the definition of its facade and incorporating the concept of “threshold” as a mediator (both physical and symbolic) between exterior and interior.Este artículo elabora una aproximación fenomenológica a Torres Blancas, edificio de viviendas en Madrid diseñado por Francisco Javier Sáenz de Oíza, entre 1961 y 1964, y construido entre 1964 y 1968.Mediante la revisión de fuentes bibliográficas primarias y de archivo (incluyendo revistas especializadas e iconografía), así como la elaboración de entrevistas y análisis in situ, esta investigación revela un proceso marcado por el cambio continuo e influenciado por la dinámica de trabajo de Oíza, su experiencia académica, y sobre todo por sus lecturas y reflexiones en el campo de la Fenomenología.El acercamiento parte de la reexaminación de las referencias orgánicas y utópicas utilizadas por Oíza (provenientes de F. L. Wright y Le Corbusier respectivamente) para adentrarse gradualmente en el carácter evocativo de Torres Blancas y en las estrategias arquitectónicas seguidas para tal fin por el arquitecto, siempre girando en torno a la definición de la fachada e incorporando el concepto de “umbral” como mediador —tanto físico como simbólico— entre exterior e interior

Patricio Guzmán Campos, fotógrafo: el cuerpo a cuerpo con la arquitectura. Fotografías de la obra de Suárez, Bermejo y Borchers

In the context of a publication of the Spanish magazine Hogar y Arquitectura on architecture in Chile, the photographer Patricio Guzmán Campos was hired to produce the images of the works of Borchers, Bermejo and Suárez. Guzmán’s work is approached as a melee with the buildings, in a task of corporeal intermediation, suggested by one of Borchers’ texts. The general context of the publication is addressed; then, meeting points are established between the seismic aspect of Chile, photography and architecture as precedents to situate the production of architects and, closing the introductory part, associating the brutalist syntax with the visual approaches to the architecture of the sixties. In the central part, 18 photographs of the headquarters of the Chillán Electric Cooperative and the Meneses house are examined, in a reading guided by the photographic experience of the author, the drawings and plans of the works and the written correspondence between the architects. It concludes with a reflection on the narrative construction of the photographs, necessary to establish the photographic intermediation between the texts, the drawings and the plans that inform the works of architecture.En el contexto de una publicación de la revista española Hogar y Arquitectura sobre arquitectura en Chile, el fotógrafo Patricio Guzmán Campos fue contratado para producir las imágenes de las obras de Borchers, Bermejo y Suárez. El trabajo de Guzmán es abordado como un cuerpo a cuerpo con los edificios, en una tarea de intermediación corpórea, sugerida por uno de los textos de Borchers. Se aborda el contexto general de la publicación; se establecen puntos de encuentro entre el aspecto sísmico de Chile, la fotografía y la arquitectura como precedentes para situar la producción de los arquitectos y, cerrando la parte introductoria, asociando la sintaxis brutalista con las aproximaciones visuales a la arquitectura de los años sesenta. En la parte central se examinan 18 fotografías de la sede de la Cooperativa Eléctrica de Chillán y la casa Meneses, en una lectura guiada por la experiencia fotográfica del autor, los dibujos y planos de las obras y la correspondencia escrita entre los arquitectos. Se concluye mediante una reflexión en torno a la construcción narrativa de las fotografías, necesaria para establecer la intermediación fotográfica entre los textos, los dibujos y los planos que informan las obras de arquitectura

Un juego continuo de reglas. Operar entre la ingenuidad y el pragmatismo

The beginning of many architecture practices is a group of friends in a room, five days a week, with a desire to do something. It is no different from the beginning of Operadora, a collaborative practice born in Mexico City in 2014. But what distinguishes it is a profound critique of architecture in the emerging local panorama, which finds in satire a way to manifest its reflections, more than in the materialization of forms in space. In this conversation we will discuss how they work on projects with multiple formats and media, appealing to the definition of self-imposed rules and the low resolution to which we have access in a large part of Latin American reality. They show us how it is possible to operate with one foot inside the academy, in pragmatism, in seriousness; and with one foot outside, in naivety, in error, in non-optimisation.El inicio de muchas oficinas de arquitectura es un grupo de amigos en una habitación, cinco días a la semana, con ganas de encontrar algo, con ganas de ocuparse en algo. No es diferente al inicio de Operadora, una práctica compartida nacida en Ciudad de México el año 2014. Sin embargo, su origen se diferencia en una profunda crítica hacia la arquitectura en el panorama emergente local, encontrando en la sátira una manera de manifestar sus reflexiones, más que en la materialización de formas en el espacio. En esta conversación abordamos cómo operan proyectos de múltiples formatos y medios, apelando a la definición de reglas autoimpuestas y a la baja resolución a la se tiene acceso en gran parte de las realidades latinoamericanas. Nos evidencian cómo se puede operar con un pie dentro de la academia, del pragmatismo, de la seriedad; y con un pie fuera, en la ingenuidad, en el error, en la no optimización

Chrysler-Seida, Luis Martínez Feduchi: la formación de una poética constructiva moderna

At the end of the 1920s, Luis Martínez Feduchi received one of his first commissions after obtaining the title of architect, the new shopfront for SEIDA, the exclusive distributor in Spain of the automobile firm Chrysler. Until then, Feduchi’s professional practice has developed within the prevailing historicist current. However, in the process of renewing its image according to the postulates of the new scientific advertising, the American company calls for an appropriate architecture for its sales premises, as part of its global brand communication strategy. In this way, the project for the new facade of its shop in Gran Vía represents for Feduchi a privileged opportunity to practice the new aesthetic principles of architectural modernism. A new practice that implies a new way of building, according to the technical possibilities provided by the industry, that is not only the result of the mere rearrangement of architectural elements, adapted to new materials and construction systems, but also requires the development of a new poetics, capable of providing the symbolism lost after the disappearance of the classical order, as the syntactic and semantic foundation of architecture.A finales de la década de los veinte Luis Martínez Feduchi recibe uno de sus primeros encargos tras la obtención del título de arquitecto, la nueva portada para el establecimiento de SEIDA, distribuidor en exclusiva de la firma automovilística Chrysler en España. Hasta ese momento la práctica profesional de Feduchi se ha desarrollado en el seno de la corriente historicista imperante. Sin embargo, la compañía americana, en pleno proceso de renovación de su imagen de acuerdo a los postulados de la nueva publicidad científica, reclama una arquitectura acorde para sus locales de venta, como parte de su estrategia global de comunicación de la marca. De esta manera el proyecto de la nueva portada de su local en la Gran Vía representa para Feduchi una oportunidad privilegiada para poner en práctica los nuevos principios estéticos de la modernidad arquitectónica en formación. Una forma absolutamente nueva de construir, que no solo implica una radical reformulación de los elementos arquitectónicos, adaptados a los nuevos materiales y sistemas constructivos industrializados, sino que exige a su vez el desarrollo de una nueva poética, capaz de aportar el simbolismo perdido, tras la desaparición del orden clásico como fundamento sintáctico y semántico de la arquitectura

Una noche de luna en un cerro carioca. La escenografía de Oscar Niemeyer para Orfeu da Conceição

In 1954, the poet and composer Vinicius de Moraes published Orfeu da Conceição, adapting the classical Greek myth to Brazilian culture. When it comes to taking the work on stage, de Moraes surrounds himself with friends and regular collaborators, including Oscar Niemeyer, who will be in charge of building the spatial framework in which the piece will take place, for its premiere at the Municipal Theater in Rio de Janeiro in 1956. Niemeyer, in one of his few forays into the field of scenography, will design an installation with a clear architectural character. In addition to reflecting the spatial concretion proposed by de Moraes in his text, the architect will collect some of the recurring ideas in his own work, building an architectural object full of references and symbolism, whose complexity will go beyond the small size and the ephemeral nature of the theatrical production.En 1954, el poeta y compositor Vinicius de Moraes publica la obra Orfeu da Conceição, adaptando el mito clásico griego a la cultura brasileña. A la hora de llevar la obra a escena, de Moraes se rodeará de amigos y colaboradores habituales, entre ellos, Oscar Niemeyer, que será el encargado de construir el marco espacial en el que se desarrollará la pieza, para su estreno en el Teatro Municipal de Río de Janeiro en 1956. Niemeyer, en una de sus pocas incursiones en el ámbito de la escenografía, proyectará una instalación de claro carácter arquitectónico. En ella, además de reflejar la concreción espacial planteada por de Moraes en su texto, el arquitecto recogerá algunas de las ideas recurrentes en su propia obra, construyendo un objeto arquitectónico plagado de referencias y simbolismos, cuya complejidad irá más allá del pequeño tamaño y el carácter efímero del montaje teatral

Reflexiones espaciales de Donald Judd. Del objeto caja a La Mansana de Chinati en Marfa, Texas

Among the many architectural themes addressed by the artist Donald Judd in his career, the notion of spatial limit was one of his major interests in the seventies, after the rise of the minimalist movement. That is why this study aims to shed light on this question, developed by the American author from a simultaneous work in art and architecture. A fact that highlights his interdisciplinary work with space, in a continuous transfer between areas of creation that was evident throughout his career. In the analysis of this spatial idea, his achievements in both disciplines are examined chronologically, beginning with the elemental exploration of his box objects and progressing to more ambitious projects, such as his La Mansana de Chinati complex in Marfa, Texas. A singular intervention with which he transferred to architecture the spatial principles tested with his objects, making the space contained within the limits habitable. In short, some proposals are discovered in which this limit is the mediator of a space, specifically designed to promote the interest of the spectator or inhabitant, in the integrative perceptual experience defended by Donald Judd.Entre los múltiples temas arquitectónicos abordados por el artista Donald Judd en su trayectoria, fue la noción de límite espacial uno de sus mayores intereses en la década de los setenta, tras el auge del movimiento minimalista. Es por ello que este estudio se propone arrojar luz sobre esta cuestión, desarrollada por el autor estadounidense desde un trabajo simultáneo en arte y arquitectura. Un hecho que pone de relieve su labor interdisciplinar con el espacio, en un trasvase continuado entre áreas de creación que evidenció a lo largo de toda su carrera. En el análisis de esta idea espacial, se examinan cronológicamente sus realizaciones en ambas disciplinas, que comienzan con la exploración elemental de sus objetos caja y avanzan con proyectos más ambiciosos, como lo realizado en su complejo de La Mansana de Chinati en Marfa, Texas. Una singular intervención con la que trasladaba a la arquitectura los principios espaciales testados con sus objetos, haciendo habitable el espacio contenido en los límites. En definitiva, se descubren unas propuestas en las que ese límite es el mediador de un espacio, específicamente diseñado para promover el interés de espectador o habitante, en la experiencia perceptiva integradora defendida por Donald Judd

La integración de la energía renovable en el paisaje litoral europeo. Tres casos de estudio

The great development that renewable energy has shown as a central strategy of the so-called energy transition has caused significant impacts on the territory. These range from conflicts with other economic activities to the invasion of landscapes of great cultural value. These intersections, with certain particularities, are also seen in certain coastal contexts in which new technologies are being implemented both at sea and on land to obtain energy. Attending to this specific context from its spatial dimension on the part of architecture and from a broad notion of the idea of landscape, can allow important learnings for the energy project. This paper presents an analysis of three case studies as relevant examples of the emerging processes of European coastal occupation: the Middelgrunden wind farm, the Mutriku wave plant and the tidal infrastructure of the Rance estuary. The research makes a rereading of its spatial aspects from an architectural perspective and defines strategies that allow the coastal energy infrastructure to be related to its specific landscape and sociocultural context, thus proposing transversal relationships that can be taken into account in multidisciplinary integration processes for future scenarios of energy at the coast.El gran desarrollo que ha mostrado la energía renovable como estrategia central de la denominada transición energética ha provocado importantes impactos en el territorio. Estos incluyen desde conflictos con otras actividades económicas hasta la invasión de paisajes de gran valor cultural. Estas intersecciones, con ciertas particularidades, también se aprecian en ciertos contextos litorales en los que se están implementando nuevas tecnologías tanto en mar como en tierra para la obtención de energía. Atender a este contexto específico desde su dimensión espacial por parte de la arquitectura y desde una noción amplia de la idea de paisaje puede permitir importantes aprendizajes para el proyecto de la energía. Este trabajo presenta un análisis de tres casos de estudio como ejemplos relevantes de los procesos emergentes de ocupación del litoral europeo: el parque eólico de Middelgrunden, la planta undimotriz de Mutriku y la infraestructura mareomotriz del estuario del Rance. El estudio realiza una relectura de sus aspectos espaciales desde una mirada arquitectónica y define estrategias de diseño que relacionan la infraestructura energética litoral con su contexto paisajístico y sociocultural específico, proponiendo así relaciones transversales que pueden incorporarse a los procesos de integración multidisciplinares para futuros escenarios de la energía en la costa