Acerca de la escena artística de la Calle 10. Un clúster creativo pionero en la Ciudad de Nueva York

Since the beginning of the fifties, 10th Street concentrated an artistic activity unprecedented in the history of the paradigmatic City of New York. A significant number of artists and their diverse ways of production were hosted in the buildings of this urban artery. While the Greenwich Village bohemia or the Coenties Slip’s artists pioneered a sporadic and spontaneous relationship with the city, this synergistic model of multiple and connected art spaces along this axis could be identified as a first creative cluster, inspiring later important phenomena such as the colonization of the South of Houston Street at the hands of the artistic counterculture. The 10th Street artists’ activity would range from singular spaces and projects, such as the Tenth Street Studio Building, to the first structures of artistic cooperatives, Tenth Street Co-ops. While showing the groundbreaking relationship between this city and its art, this article particularly investigates the architectural and cultural scene of 10th Street, which would ultimately influence the 1960s’ popular urban model of the artistic district. Moreover, the revelation of its history is intended to build the antecedents of certain contemporary intervention practices and theories that rely on culture as a way of city improvement.Desde el comienzo de la década de los 50, la Calle 10 concentró desde el inicio una actividad artística sin precedentes en la historia de la paradigmática ciudad de Nueva York. Un número significativo de artistas y sus diversas formas de producción encontraron acomodo en los edificios de esta arteria urbana. Mientras que la bohemia de Greenwich Village o los artistas de Coenties Slip fueron pioneros en una relación esporádica y espontánea con la ciudad, este modelo sinérgico de espacios de arte múltiples y conectados a lo largo de este eje podría identificarse como un primer cluster creativo, inspirando fenómenos posteriores de reconocido alcance como la colonización del South of Houston Street a manos de la contracultura artística. La actividad de los artistas de la Calle 10 abarcaría desde espacios y proyectos singulares, como el edificio Tenth Street Studio, hasta las primeras estructuras de cooperativas artísticas, Tenth Street Co-ops. Al mismo tiempo que se muestra la innovadora relación entre esta ciudad y su arte, este artículo investiga particularmente la escena arquitectónica y cultural de la calle 10, que en última instancia influiría en el popular modelo urbano del distrito artístico de los años sesenta. Además, la revelación de su historia pretende construir los antecedentes de ciertas prácticas y teorías de intervención contemporánea que se basan en la cultura como una forma de mejora de la ciudad

Métodos empleados para la enseñanza del cuerpo humano en los colegios de educación primaria

Este trabajo de investigación ha tenido como objetivo verificar si los modelos anatómicos y/o el uso de tecnologías digitales afectan en el aprendizaje académico del alumnado de educación primaria en relación al cuerpo humano. Para ello, se han investigado los diferentes métodos que utilizan los docentes hoy en día para la enseñanza del cuerpo humano y su efecto en el aprendizaje de dicha materia, analizando libros de texto actuales y realizando una encuesta a docentes de educación primaria. Hemos observado, la utilización de modelos de plástico y de tecnologías digitales para la enseñanza del cuerpo humano en los colegios de educación primaria no mejoran significativamente las calificaciones de los alumnos, aunque si se puede apreciar una tendencia de mejora.The aim of this research work was to verify how the use of anatomical models and/or digital technologies affects in the academic learning of primary school students about human body. In order to overcome this objective the different methods used by teachers for teaching human body and its effect on the learning were investigated analyzing textbooks and evaluating the data obtained from an inquiry performed in primary education schools. We observed that the use of anatomical models and digital technologies does not improve significantly the student calcifications in the primary school, although an improvement trend can be observed.Grado en Educación Primari

La naturaleza de Marcia Schvartz

La idea de establecer un diálogo entre Marcia Schvartz y Frida Kahlo proviene de algunos aspectos de sus trabajos. En otras palabras, la cantidad de flores que aparecen en dos retratos pintados por Schvartz, un autorretrato de Frida y un fotografía donde Kahlo está rodeada por un contexto similar al de las pinturas de Schvartz. Estas imágenes son el punto de partida de este artículo y, la pintora argentina, su eje central. Hacer conexiones entre la obra de Schvartz y la de otros artistas, como Frida Kahlo y Henri Matisse, nos has permitido encontrar muchas coincidencias en la manera de representar motivos afines. Por ejemplo, la obra de Matisse, una figura representativa del modernismo europeo, nos ha dejado poner a foco diferentes perspectivas sobre la visión femenina y la mirada masculina en relación con la mujer como modelo artístico.The idea of establishing a dialogue between Marcia Schvartz and Frida Kahlo came from some aspects of their works. In other words, the amount of flowers that appears in two portraits painted by Schvartz, a self-portrait of Frida and a photograph where Kahlo is surrounded by a similar context to the Schvartz's paintings. These pictures are the starting point of this paper and, the argentinian painter, his central issue. Making connections between Schvartz's work and other artists' ones, as Frida Kahlo and Henri Matisse, has allowed us to find a lot of coincidences in the way of representing similar motifs. For example, the work of Matisse, a representative figure of the European modernism, has led us focusing different perspectives on the femme vision and the male look with regard to woman as artistic model

City and art, cross-dialogues on space. New York in the 1970s

Falta palabras clavesThe brochure for the artistic event from which the Institute for Art and Urban Resources was born read, “By allowing its artistic community involvement in urban landscape, disused and abandoned areas can be meaningful space.” 2 At the turn of the 1960s, certain art organizations stood out as providers of “urban resources” for the practice of art throughout the emblematic city of New York, promoting singular connections with the obsolete urban environment. “Urban curatorship,” “public art,” “creative time,” and “artistic playscape” were some of the concepts relating to the city context derived from the activity of such associations. The involvement with the city of the 1960 generation of artists was to culminate in the formation of unique structures aiming to research, enquire, record, and recycle neglected urban space, all of which are the object of study of this dissertation. How could they take advantage of the obsolete urban landscape? What was the search and decision-making process as regards urban contexts like for these art organizations? What was the architecture of this art –the alternative spatial form beyond conventional cultural confinements– like? And, even more relevant to this field of discipline: what can be inferred from their procedures and practices to improve an obsolete cityscape? This thesis focuses on the formal relationship between New York City and 1970s art. During this period, including its diffuse beginnings in the 1960s and its long-drawn-out conclusion in the 1980s, artists participated in an expansion of its field of action which was to reach the soil, subsoil and sky of this city. The wide variety of art forms and creative procedures emerging in this decade were related to the “place”. Certainly, the setting for numerous artistic practices was the entirety of the urban landscape. The high porosity of this urban stage, together with the artists’ need for workspace and living space at the time, was to boost the specific dialogue addressed here between city and art. In this regard, the thesis first argues the particularity of the New York cityscape in the 1970s, symbolically obsolescent due to the creative-destructive nature of the city and economically obsolescent due to two consecutive fiscal crises. The previous suburbanization trend and the intense urban renewal processes affecting entire neighborhoods and districts, together with deindustrialization, outlined the decadence of this urban scenario. Specific analyses are carried out on the context and the geographical boundaries of art are also studied. In addition to assessing procedures, this work expounds on how the artists and art organizations of this period, acting almost as researchers of urban obsolescence, provided the first creative responses to the urban situation. While the case of the “art district” and the individual incursions into the urban fabric had been largely addressed (by Lucy R. Lippard, Rosalind Krauss, Lawrence Alloway and Julie Ault, as well as by Pilar Parcerisas and Iria Candela), this research put together and analyzed the specific case of lesser known organizations which took on the specific role of detecting and managing neglected and vacant space in the city. The history of the origins of the Institute for Art and Urban Resources (IAUR), the Public Art Fund, Creative Time, and the Athena Foundation has revealed how artists created specific strategies, plans and projects to connect with the cityscape of this period. This study focuses on their symbolic procedures and urban tactics used for a temporal “artistification” of obsolete urban spaces which, in a reverse reading, are also presented as strategies of urban improvement through art. According to the above, “space” is the unit measure to trace the activity of such organizations in this research. In view of this and in order to conduct the research on the achievements of these art structures, a collection of urban resources, “workspaces”, “public spaces”, “collective”, and “waste spaces” is used here to present their artistic life –the art as life of that period.El folleto para el evento artístico del cual nació el Institute for Art and Urban Resources decía: “Al permitir la participación de su comunidad artística en el paisaje urbano, las áreas sin uso y abandonadas pueden llegar a ser espacios significativos.”2 En el cambio de década hacia los años setenta, ciertas organizaciones artísticas comenzaron a destacar por toda la emblemática ciudad de Nueva York como proveedores de “recursos urbanos” para la práctica del arte, propiciando singulares conexiones con su entorno urbano obsoleto. “Comisariado urbano”, “arte público”, “tiempo creativo” y “paisaje de juego artístico,” eran algunos de los conceptos relacionados con el contexto de la ciudad que derivaban de la actividad de dichas asociaciones. La implicación de la generación de artistas de 1960 con la ciudad culminaría en la formación de estructuras únicas cuyo fin era investigar, interrogar, registrar y reciclar espacios urbanos excluidos, y que son objeto de estudio de esta tesis. ¿Cómo se beneficiaron del paisaje urbano obsoleto? ¿Cuál fue el proceso de investigación y de toma de decisiones llevado a cabo por estas organizaciones en relación a sus contextos urbanos? ¿Cómo era la arquitectura propia del arte de 1970 –esa forma espacial alternativa que superaba los límites convencionales de la cultura? Y, lo que es incluso más relevante para este campo: ¿qué puede extraerse de sus procedimientos y prácticas para mejorar el paisaje obsolescente de la ciudad contemporánea? Esta tesis se centra en la relación formal entre Nueva York y el arte de la década de los 70. Durante este período, que incluye desde los difusos comienzos de los 60 hasta su prolongado final en los ochenta, los artistas participaron en una expansión de su campo de acción que alcanzaría el subsuelo, el suelo y el cielo de esta ciudad. La amplia variedad de formas artísticas y de procedimientos creativos que emergieron en esta década estaban casi todos relacionados con el “lugar,” siendo, efectivamente, la extensión del paisaje urbano el nuevo marco de numerosas de sus prácticas. La alta porosidad del escenario urbano unida a la necesidad de los artistas de espacios en los que trabajar y vivir a la vez, estimularía este diálogo específico entre ciudad y arte. De acuerdo a esto, la tesis primero argumenta la particularidad del paisaje de la ciudad de Nueva York en los setenta, obsolescente de forma simbólica debido a su naturaleza creativo-destructiva, y también de forma económica debido a dos crisis financieras consecutivas. La previa tendencia a la suburbanización y el intenso proceso de renovación urbana que afectaba a barrios y distritos completos, junto a la desindustrialización, remarcaban la decadencia de este escenario urbano. Analizando este contexto de manera específica y, posteriormente, estudiando los límites geográficos del arte, así como los procedimientos existentes tras sus prácticas, este trabajo explica cómo los artistas y organizaciones de arte del período, casi actuando como “investigadores de obsolescencia urbana,” proporcionaron las primeras respuesta creativas a dichas circunstancias de la ciudad. Mientras el caso del “distrito artístico” y las incursiones individuales en el tejido urbano han sido ampliamente estudiadas, esta investigación analiza el caso específico de organizaciones menos conocidas que tomaron el papel de detectar y gestionar espacios abandonados, desechados y vacíos en toda la ciudad. La historia del origen del Institute for Art and Urban Resources (IAUR), del Public Art Fund, de Creative Time, y de la Athena Foundation revela la manera en la que los artistas crearon estrategias, planes y proyectos específicos para conectar con el paisaje de la ciudad de este período. Este estudio se focaliza en los procedimientos simbólicos y tácticas urbanas utilizados para una “artistificación” temporal de espacios urbanos obsoletos, los cuales, en una lectura inversa, son también presentados como estrategias de mejora urbana a través del arte. En coherencia con lo anterior, el “espacio” se convierte en la unidad de medida para rastrear la actividad de estas organizaciones en la presente tesis. Así, con el objeto de descubrir los logros de estas nuevas estructuras de arte – el arte como vida de la década de 1970–, se presenta una colección de recursos urbanos “espacios de trabajo”, “espacios públicos”, “colectivos” y “espacios residuales” donde acontecieron sus proyectos.Premio Extraordinario de Doctorado U

The shared use of the cityscape. Revisiting the extraordinary case of SoHo

Este artículo examina el fenómeno cultural y urbano que aconteció en SoHo como el principal incitador de una relación sin precedentes y de beneficio mutuo entre arte y ciudad. Esta fue la primera experiencia deliberada de este tipo que resultaría en un modelo innovador de vida urbana basado en la cooperación de una comunidad de artistas a través de la interacción con el espacio obsoleto existente en la Ciudad de Nueva York. Este artículo explora el desarrollo de las prácticas espaciales de los artistas de SoHo sobre este territorio principalmente durante los primero años de la década de 1970. El tejido industrial olvidado de SoHo convergió con fuerzas artísticas revolucionarias y generó un producto urbano pionero, el “distrito artístico”. No obstante, la notable cantidad de incursiones artísticas, apropiaciones urbanas y actos de colaboración se concretarían también en otros aprendizajes de menor escala, procedimientos singulares y estratégicos que inspirarían el trabajo en la ciudad de artistas en décadas posteriores. SoHo sería el preludio, el punto de partida, de un arte con responsabilidad urbana y social que se ha revelado hoy de gran interés para aquellos pensadores urbanos que buscan maneras de construir una ciudad más creativa e incluyente.This article reviews SoHo’s cultural and urban phenomenon as the main promoter of an unprecedented mutually beneficial relationship between art and city. This was the first deliberated experience of its kind, resulting in an innovative model of urban life based on the cooperation of a community of artists through the interaction with existing obsolete space in New York City. This article explores the development of the spatial practices by the artists of SoHo throughout this area primarily during the early 1970s. SoHo’s forgotten industrial fabric converged with revolutionary artistic forces and generated a groundbreaking urban product, the “art district”. Nonetheless, the number of art incursions, urban appropriations and collective acts would also conclude in other small scale learning, unique and strategic procedures that inspired the artists’ works in the city over the following decades. SoHo would be the prelude, the starting point for an art with urban and social responsibility, which is revealed today of great interest for those city thinkers who seek ways to build a more creative and inclusive city

Arte y Regeneración Urbana en Nueva York. El Proyecto Público de Doris C. Freedman

[EN] Given its positive economic, social and urban impact, even with low-cost or low-tech materialization, the urban creativity encouraged by the arts is of great interest today. This narrative reviews one of the most prolific careers in this regard addressing the pioneering work by Doris C. Freedman. The late 1960s and the 1970s, in the context of two financial crises, saw a groundbreaking effort to formalize innovative artistic programs that recycled the obsolete city and integrated local communities in the processes. Doris C. Freedman was the first director of NYC Department of Cultural Affairs, the Public Arts Council, and leader of the organization City Walls. These institutions promoted an unprecedented improvement of the public urban life through the cultural action. Such experiences led Freedman to the conception of her last project, the relevant and, still, ongoing Public Art Fund of New York City. This article focuses on her early professional years, when she began and consolidated herself in the task of legitimizing art as an urban instrument for shaping the city. This research provides a contextualized critical analysis on Freedman’s less-known experimental projects before the foundation of the Public Art Fund, enabling an extraordinary source of inspiration for a current creative city-making.[ES] Debido a su positiva repercusión económica, social y urbana, incluso con una materialización de bajo coste y escaso desarrollo tecnológico, la creatividad urbana fomentada por las artes es de gran interés en la actualidad. Este texto revisa una de las trayectorias más prolíficas en este sentido, abordando el trabajo pionero de Doris C. Freedman. A finales de la década de 1960 y en la de 1970, en el contexto de dos crisis financieras, se produjo un notable esfuerzo por formalizar programas artísticos innovadores que reciclaran la ciudad obsoleta e integraran a las comunidades locales en sus procesos. Doris C. Freedman fue la primera directora del NYC Department of Cultural Affairs, Public Arts Council, y una de las líderes de la organización City Walls. Estas instituciones promovieron una mejora sin precedentes de la vida pública urbana a través de la acción cultural. Tales experiencias llevaron a Freedman a la concepción de su último proyecto, el relevante y todavía vigente Public Art Fund en la Ciudad de Nueva York. Este artículo se centra en sus primeros años profesionales, en los que se inició y consolidó en la tarea de legitimar el arte como instrumento urbano para conformar la ciudad. La investigación proporciona un análisis crítico contextualizado sobre los proyectos experimentales menos conocidos de Freedman antes de la fundación del Public Art Fund, facilitando una singular fuente de referencias para una regeneración creativa de la ciudad actual. Carrascal Pérez, MF. (2021). Art and Urban Regeneration in New York City. Doris C. Freedman’s Public Project. VLC arquitectura. Research Journal. 8(1):97-118. https://doi.org/10.4995/vlc.2021.12709OJS9711881Ault, Julie. Alternative Art, New York, 1965-1985: A Cultural Politics Book for the Social Text Collective. Minneapolis: University of Minnesota Press, 2002. First ed. New York: The Drawing Center, 1996.Ballon, Hilary. The Greatest Grid: The Master Plan of Manhattan, 1811-2011. New York: Columbia University Press, 2012.Berman, Marshall. All That Is Solid Melts Into Air: The Experience of Modernity. New York: Simon Schuster, Inc, 1982.Bogart, Michele H. Sculpture in Gotham. Art and Urban renewal in New York City. 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Accessed July 4, 2013. https://www.youtube.com/watch?v=SUnncNVbaR

Oinarrizko estatistika: R praktikak

228 p.Zalantza barik, arlo anitzetan agertzen den interes handiko irakasgaia da Estatistika. Are gehiago, jakintza-arlo guztietan hartzen da aintzat: Zientziak, Osasun Zientziak, Ingeniaritza eta Arkitektura, Gizarte eta Lege Zientziak, eta Giza Zientziak, hain zuzen ere. Gaur egun, gauza jakina da ezinbestekoa dela softwarea erabiltzea heziketa-prozesuan. Ikasmaterial honetan, Estatistika lantzeko hamazazpi praktika adierazten dira R programaren bidez. R da analisi estatistiko eta grafikoetara bideraturiko programa eta programazio-hizkuntza. Proiektua irekia eta doan banatzen dena da (GNU General Public Licence deritzon litzentziak ezarritako irizpideen arabera), eta Linux, Windows eta Macintosh sistemetarako aurki daiteke. Aucland Unibertsitateko Ross Ihaka eta Robert Gentleman irakasleek sortu zuten 1992. urtean; egun, R-ren Garapenerako Talde Nuklear (“R Development Core Team” ingelesez) izenarekin ezagutzen diren estatistikan aditu batzuk, “developers” deritzenak, arduratzen dira programaren banaketaz eta garapenaz. Gero eta maizago erabiltzen ari den programa da, bai irakaskuntza-mailan (ASA saria jaso du), bai ikerkuntzarako, eta bai enpresa-arloan ere. Izan ere, R edozein erabiltzailek heda dezake haiek sortutako pakete edo eraskinen bidez. Ikasmaterial hau idazteko momentuan, eskuragai dauden pakete kopurua ia ia 10.000koa da, bere hazkundea esponentziala izanik. Programaren inguruko hasierako ikaskuntza/ezagutza fasea gainditu ostean, R-ren erabilera erraza da. Gainera, Rcmdr paketea instalatuz, interfaze grafiko bat erabiltzeko aukera dugu, programa komertzialen itxura lortuz. EHUko Medikuntza Fakultateko José Ramón Ruedari eta Borja Santosi esker eskuragarri dugu, egun, Rcmdr paketearen euskarazko bertsio bat, eta, ikasmaterial honetan, bertsio hori erabiliko dugu

Caracterización acústica de elementos constructivos habituales en la edificación residencial española, mediante ensayos en obra y en laboratorio

El aislamiento acústico de elementos constructivos obtenido en obra difiere del aislamiento acústico obtenido en laboratorio, tanto para ruido aéreo como para ruido de impactos. Esto se produce porque el aislamiento acústico de cualquier elemento constructivo, como por ejemplo una pared, está influido por los elementos constructivos conectados a ella, como son tabiques, forjados o fachadas, ya que los elementos constructivos, en presencia del campo acústico vibran y transmiten sus vibraciones al elemento de separación produciendo la transmisión indirecta estructural o también denominada transmisión por flancos. El objeto de esta comunicación es cuantificar la pérdida de aislamiento acústico a ruido aéreo, que se produce en la edificación y que es atribuible a las transmisiones indirectas. En el caso de los edificios estudiados, la pérdida de aislamiento acústico puede variar de 4 a 10 dB

La fábula como instrumento didáctico y su trabajo a partir de la dramatización

En este trabajo, presento la importancia de la literatura infantil dentro de un aula de Educación Primaria. Concretamente me centro en las fábulas, las cuales han sido un gran recurso didáctico a lo largo del tiempo que actualmente ha ido perdiendo valor. Mi Trabajo de Fin de Grado tiene una parte teórica en la que hablo sobre los grandes autores de las fábulas y su valor didáctico; y una parte más práctica en la que compruebo si los niños son capaces de entender estas fábulas y trabajarlas a partir de la dramatización.Grado en Educación Primari

Evolución reciente de las diferencias económicas internacionales

Hoy en día, siguen existiendo diferencias económicas entre los países. Estos países que se engloban bajo el término subdesarrollados, pertenecen principalmente al continente africano. Son regiones donde la esperanza de vida y el PIB per cápita son muy bajos. Además, cuentan con una elevada desnutrición y una falta de infraestructuras básicas. El problema del subdesarrollo se está achacando en la actualidad a las denominadas “trampas de la pobreza”, es decir, factores que influyen negativamente en el desarrollo de estas regiones y que se reproducen sistemáticamente. Son países que han sufrido y sufren numerosos conflictos bélicos, lo que supone un gasto militar enorme. Al mismo tiempo, cuentan con recursos naturales, sin embargo, no son capaces de aprovecharlos para obtener su máximo beneficio. Otro factor que influye negativamente al desarrollo es la inexistencia de salida al mar de muchos de estos países, y, por último, la forma de gobierno que poseen estas regiones, no siempre es la más adecuada para promover el desarrollo.Nowadays, economic differences between countries still exist. These countries that are called “underdeveloped”, belong principally to the African continent. They are regions where the life expectancy and the GDP are very low. In addition, they possess high malnutrition and a great lack of basic infrastructures. The problem of the underdevelopment is currently tied to the “traps of the poverty”, that is to say, factors that have a negative impact on the development of these regions and that are reproduced systematicly. They are countries that have suffered and continue to suffer numerous armed conflicts, which supposes a military enormous expense. At the same time, they have natural resources, nevertheless, they are unable to take advantage of them to obtain their maximum benefit. Another factor is the lack of access to the sea from many of these countries, and, finally, the form of governance that they have, not always it is most adapted to promote the development.Departamento de Fundamentos del Análisis Económico e Historia e Instituciones EconómicasGrado en Economí