De qué esta hecho un cuadro? : Henri Matisse, La Verdure, 1935-1943, (245x195 cm)

The analysis is centred on countable and verifiable technical item, within the limits of the material, trying all the possible causes that drove La Verdure to be the main work to Matisse, who explained it was the true representation of his own attitude in front of his trade. The painting that is on the wall of the Musée Matisse in Nice, is nothing but how Matisse left it, that is interrupted. This study try to rebuild all the difficulties he might have had, all the answers he could find to the contretemps and obstaclesinfo:eu-repo/semantics/publishedVersio

Jugando con el arte moderno

Modern Art has directed an aesthetic look to children’s life, appropriating their experimental processes.The artistics avant-gardes camped in a pre-language territory, where all senses are preserved, ready to discover a world without names –the names cover the world; to dis-cover the word names must be set aside. Because where language exists, there is no room for art: In order to give preference to perception, art must be unlinked from that which is linguistic, from codified communication, from the established system in which one creates and one receives statements.In art, perception is an end in itself. Art is the procedure that seeks a reflective perception: it can only emerge when the communicative act is blocked and obstructed, and the perceptive act is prolonged. Where can we find this state before language and from which art can emerge?It is in the child who discovers a world full of nameless things. Modern art is a child who plays, and who proposes, who was previously sentenced to be a spectator, to participate in the game.El arte moderno es el único que ha sabido dirigir una mirada estética a la existencia infantil, apropiándose de sus procesos de experimentación.Las vanguardias artísticas acamparon en un territorio previo al lenguaje, donde todos los sentidos perceptivos se conservan atentos, a la descubierta de un mundo sin nombres –los nombres cubren al mundo; para des-cubrir al mundo hay que apartar los nombres.Porque donde hay lenguaje no cabe lugar para el arte: para poder privilegiar la percepción, el arte necesita desvincularse de lo lingüístico, de la comunicación codificada, del sistema establecido entre quien emite y quien recibe un comunicado; de quien, al mirar, simplemente reconoce.En arte la percepción es un fin en sí mismo; arte es el procedimiento que busca la percepción reflexiva, y sólo surge cuando se bloquea y obstaculiza el acto comunicativo, cuando se prolonga el acto perceptivo. ¿Dónde encontrar ese estadio previo al lenguaje, en el que puede surgir el arte?Está en el niño que descubre un mundo repleto de cosas sin nombre. El arte moderno es un niño que juega, y que propone, a quien antes estaba condenado a ser espectador, a participar en el juego

Can art be taught?

Can art be taught? Courbet’s answer was no: art cannot be taught. When it comes to art, there are no students or teachers. Each one must learn to understand and express his or her own age through art. We do not teach how to view art. It is art that teaches us how to view. For Jorge Oteiza, in the classroom artists must transmit a new vision, “because the world does not change with art, but through people that art has changed.”info:eu-repo/semantics/publishedVersio

El lugar urbano como centro de arte

Este proyecto pretende experimentar y analizar algunas de las condiciones que permiten transformar al espectador pasivo de un centro de arte en autor activo. En este caso, el niño dejaría de ser público receptor para ser sujeto creador de cultura. El material de creación artística es el traslado del centro de arte, que deja de ser edificio institucional para desplazarse hasta ocupar la calle. Un espacio está vacío, no tiene forma, no tiene arquitectura mientras en él no se dé una actividad humana. La arquitectura no es construcción: la arquitectura ocurre al habitar, no al construir. La calle es calle porque la gente la ocupa como propia. Re-encontrar e inaugurar actividades –música, arte, arquitectura, danza– que transformen los espacios, desarrollándolos sin otra intención que la de descubrir y dominar en nosotros mismos la nueva capacidad de transformación del lugar. Los espacios así ocupados por escenarios sonoros o plásticos, por intervenciones o performances son capaces de influir –en su proceso– en los sentidos y el aprendizaje de los niños y de los futuros educadores, y dotar a los espacios de unos nuevos habitantes no pasivos ni resignados. Después, el centro de arte albergará los documentos generados en los descubrimientos, con la tarea de dar cuenta y propagar este tiempo pedagógico de apropiación del lugar urbano

El arte moderno como material pedagógico

La tarea del arte no es formar artistas, sino ampliar la capacidad perceptiva de la gente. La obra de arte es un factor de educación. El arte solo admite ser percibido siempre como por primera vez. Las obras maestras, siempre inquietantes, siempre desconocidas, son las que imponen ser vistas siempre de nuevo. El objetivo de nuestra propuesta educativa no es el arte, sino la nueva percepción del mundo y de la vida que el arte ha hecho consciente. No enseñamos a mirar arte, es el arte quien nos enseña a mirar. El educador debe tratar de comprender el proceso artístico como estímulo a la creación de nuevos sistemas perceptivos y ser capaz de transmitirlo. Por ello, hemos incorporado en los Grados de Educación Infantil y de Educación Primaria el análisis de la obra de artistas que han planteado explícitamente nuevas capacidades perceptivas. A partir de estas obras los futuros maestros han propuesto ejercicios a los alumnos de primaria, siempre curiosos. A su vez, los niños han devuelto una propuesta, su descubrimiento. Serán nuevas obras, reflejo en un espejo deformado de las obras de esos autores: John Cage, Bob Wilson, Merce Cunninhham, Lazló Moholy-Nagy, Alexander Calder, Dada y Llorenç Barber

Passat, present i desig de futur del Nou Llevant – Soledat Sud: projecte artístic transdisciplinari ‘Re-habitar el barrio’

[cat] Aquest text pretén donar a conèixer el programa artístic transdisciplinari d’intervenció socioeducativa basat en la interconnexió universitat, escola i societat implementat en el barri Nou Llevant – Soledat Sud de Palma, en el marc del projecte I+D+i ‘Re-habitar el barrio’. Es presenta una aproximació a les característiques socioterritorials del Nou Llevant – Soledat Sud per conscienciar sobre el seu passat, present i futur. Finalment, es relacionen les accions artístiques-formatives dutes a terme fins al moment en el projecte i el seu abast pròxim.[spa] Este texto pretende dar a conocer el programa artístico transdisciplinar de intervención socioeducativa basado en la interconexión universidad, escuela y sociedad implementado en el barrio Nou Llevant-Soledad Sur de Palma, en el marco del proyecto I+D+i ‘Re-habitar el Barrio’. Se presenta una aproximación a las características socio-territoriales del Nou Llevant-Soledad Sur para concienciar sobre su pasado, presente y futuro. Finalmente, se relacionan las acciones artístico-formativas llevadas a cabo hasta el momento en el proyecto y su alcance próximo

estudos artísticos

Há cegueira nos pintores? A escuta e revisitação dos trabalhos que nos antecedem permite acrescentar riqueza ao presente e ao alargar as opções para as intervenções do futuro. Este é um desígnio que nos importa onde a educação artística se entrecruza com a história da arte, na perspetiva de um passado que aos criadores é uma parte do seu corpo. A arte significa-se e ressignifica-se a cada resgate de uma obra perdida, a cada descoberta de um autor menos conhecido. Há capítulos que se reabrem depois da publicação alargada de um corpus desconhecido – veja-se o caso de Claude Cahun (Doy, 2007), que possibilitou um novo entendimento dos temas de género e da autorrepresentação na arte contemporânea. Esta é uma opção de resgate, de reconhecimento, para procurar sentidos desconhecidos ou mais ou menos esquecidos. Também é uma opção que experimenta a reflexão mais demorada, recusando a política fast fashion de alguns sectores que tomam as artes como um dos apartados da secção de tendências. As obras pedem maturação, tempo para produzir efeito, latência para uma disseminação eficiente. É este o sentido dos 17 artigos selecionados para o número 7 da Revista Gama, estudos artísticos: dar a conhecer, pela voz dos próprios agentes criadores, obras e autores que é preciso visitar, reaprender, reconhecer. Reuniram-se aqui algumas possibilidades de reconhecimento, autores desconhecidos, obras agora reveladas, inéditos que são divulgados. Lança-se pontes para conhecer o percurso de autores como Villari Herrmann, Edgard da Rocha Miranda, Raymonde Carasco, Armínio Kaiser, António Alfredo, Roberto Rodrigues, entre outros autores e outras obras. Após o livro de Júlio Pomar (1986) Da cegueira dos pintores, encontramos uma justificação da Revista Gama: lançar o olhar de artistas, um olhar plástico, operativo, sobre as obras de outros artistas, para um retomar do seu conhecimento.info:eu-repo/semantics/publishedVersio

Práticas artísticas no ensino básico e secundário

O terceiro número da Revista Matéria-Prima afirma-se como mais uma plataforma de disseminação e de registo na área da educação e ensino artísticos. Ao propor-se o desafio da Matéria-Prima está a lançar-se um repto de intervenção e partilha a três tipos de intervenientes na educação pela arte: — Os professores, profissionais experimentados; — Os que se iniciam na profissão, através da frequência de mestrados e estágios formativos; — Os investigadores e professores universitários desta área. Esta chamada coloca em cima da mesa a partilha das experiências didácticas em sala de aula, a pesquisa sobre práticas profissionais. Experiências, algumas bem-sucedidas, outras menos, porventura, todas com um mérito substancial, que é a vontade de estabelecer comunidade entre os interessados pela educação artística. Este conjunto de textos poderá ajudar a cartografar práticas que se observam bastante distintas, entre as realidades dos países representados, Portugal, Espanha, Brasil, Argentina. Observa-se também que a prática dos educadores está longe de ser homogénea. É surpreendente determinar as diferenças entre contextos e regiões. Se umas são mais metódicas, e por isso consistentes, outras abrem-se à descoberta. Em todas um ponto de encontro: a revista Matéria-Prima, que assim assume cada vez mais o seu nome como um desígnio de intervenção.info:eu-repo/semantics/publishedVersio

Sobre el proceso. La Verdure, 1935-1943. Un cuadro de Henri Matisse

[spa] El objeto de estudio de esta tesis es la tela La Verdure, una pintura al óleo sobre lienzo, de 2,45 m de alto y 1,95 m de ancho, que Matisse inició como proyecto de tapiz, en agosto de 1935 y que trabajó hasta 1943, expuesta hoy en el Musée Matisse de Niza. La investigación parte de los documentos que intervinieron en el trabajo o que salieron de él, para tratar de reconstruir el proceso que fue necesario para la materialización de esta pintura. El primer acercamiento a la obra ha sido intentar comprender cómo se ha llegado a ese resultado, al lienzo de hoy, y no a otro; en la descripción se han tratado de desvelar sus detalles más significativos, no con el objetivo de desvelar la pintura, ni de resolverla como enigma, sino de verla con más claridad. El análisis se centra en cuestiones técnicas, cuantificables y verificables, dentro del límite de lo estrictamente material, pero ensayando las posibles motivaciones que llevaron a La Verdure a ser una obra clave para Matisse, definida por él mismo como la representación de su actitud frente al oficio. “El creador de un cuadro o cualquier otro artefacto histórico es un hombre que aborda un problema cuya solución concreta y terminada es ese cuadro” (Baxandall). La obra que hoy cuelga de las paredes del Musée de Niza no es más que el último estado del cuadro que Matisse dejó interrumpido. Para poder localizar cuáles fueron las dificultades, los contratiempos y obstáculos a los que respondía, la tesis reconstruye, con el evidente margen de hipótesis, los momentos en que la obra se encontraba aún sobre el caballete, con la pintura fresca. La pintura se aborda como lo haría un pintor, no como un historiador, para deducir cuáles fueron los problemas a los que se enfrentó Matisse, las pinceladas que borró, las intenciones frustradas y los inesperados descubrimientos, su sucesión en otras obras. La ausencia de los rastros de su transformación, inevitable al tratarse de técnicas pictóricas que superponen los cambios unos sobre otros, borrando estados anteriores, dificulta la reconstrucción de las transformaciones por las que pasó el lienzo. Pero otros documentos suplen esa falta de material: testimonios de quienes participaron en su creación: ayudantes, modelos, familiares, clientes, amigos; registros fotográficos de diferentes estados; dibujos o pinturas preparatorios; otras obras que estuvieron en el origen, que sirvieron de tanteo durante el proceso, para proponer y resolver la misma dificultad encontrada; obras posteriores, en las que el pintor insistió en la misma expresión o en resolver los mismos problemas pictóricos. Como ha enseñado Baxnadall, se considera la obra como una respuesta dada a las dificultades del autor, entre las cuales forman parte tanto sus ´habilidades’ como sus ‘manías’. Encontrar dentro de una obra concreta, La Verdure, la totalidad de la obra de su autor, la totalidad del arte de su época, y la totalidad de la historia del arte: como proponía Walter Benjamin.[eng] The object of study in this thesis is the painting La Verdure, oil on canvas, the measures are: 2,45 m x 1, 95 m, a tapestry project, in august 1935. The painting, which is exhibited in the Matisse’s first purpose, was as Musée Matisse in Nice was finished in 1943. The investigation comes out from all the documents that were involved in the settlement of this work. Also to try to rebuild all the process needed to realize this picture. The analysis is centred on countable and verifiable technical item, within the limits of the material, trying all the possible causes that drove La Verdure to be the main work to Matisse, who explained it was the true representation of his own attitude in front of his trade. The painting that is on the wall of the Musée Matisse in Nice, is nothing but how Matisse left it, that is interrupted. The thesis try to rebuild all the difficulties he might have had, all the answers he could find to the contretemps and obstacles. Of course with all the evident margin of hypothesis, this thesis intends to catch the process of the painting when it still was on the stall. The lacks of tracks in this process are inevitable, as far as pictorical techniques are well known to be over painting, that is making changes over the previous painting. It is obvious how difficult is to rebuild the different states that the painting came trough. Other documents tend to supply the lack of material: witnesses who shared in the development of the picture: assistants, models, relatives, clients, friends, different kinds of photographical records: drawings, sketching, other works that were in the process, in the very beginning to propose and solve any kind of problem that could appear; some posterior works in which the artist insisted in the same expression or even how to solve the same kind of pictorical troubles

Can art be taught?

Can art be taught? Courbet’s answer was no: art cannot be taught. When it comes to art, there are no students or teachers. Each one must learn to understand and express his or her own age through art. We do not teach how to view art. It is art that teaches us how to view. For Jorge Oteiza, in the classroom artists must transmit a new vision, “because the world does not change with art, but through people that art has changed.”info:eu-repo/semantics/publishedVersio