La escala es un problema divertido: la polución de la escala de las obras como uno de los síntomas del complejo artearquitectura

Desde los primeros años del siglo XXI los principales centros internacionales de difusión artística competían por contar con las más amplias salas de exposición diseñadas por los arquitectos más audaces. Los artistas debieron concebir sus proyectos adaptándolos a formatos cada vez mayores, esta ampliación les exigió reflexionar sobre qué relaciones de escala se podían establecer entre los espectadores y las obras dentro de las salas. La expansión global de estos centros de arte contemporáneo ha sido un fenómeno imparable, en el que el diseño arquitectónico de los edificios, y de todos los elementos que componen la experiencia del museo, ha tenido un papel fundamental. Se requiere una reflexión sobre el tipo de experiencia que ofrecen las obras en estos espectaculares espacios en los que se corre el peligro de que las piezas se conviertan en un elemento más del diseño. En la actualidad se están buscando otros espacios especializados en obras de gran escala.; Since the early years of the 21st century, the main international centers of artistic diffusion competed for having the largest exhibition rooms designed by the most audacious architects. The artists had to conceive their projects adapting them to ever-larger formats. This expansion required them to reflect on what scale relationships could be established between the spectators and the works within the rooms. The global expansion of these contemporary art centers has been an unstoppable phenomenon, in which the architectural design of the buildings, and of all the elements that make up the museum experience, have played a fundamental role. A reflection is required on the type of experience offered by the works in these spectacular spaces in which they are in danger of becoming another element of design. At present other specialized spaces for large-scale works are being sought

¿Qué puede aportar la pintura a las tecnologías de la imagen?

Actas del Segundo Congreso Internacional sobre Imagen, Cultura y Tecnología celebrado del 20 al 22 de octubre de 2010 en la Universidad Carlos III de MadridLa relación entre la pintura y las tecnologías de la imagen ha sido constante desde la fundación de la tradición artística moderna. La mayor parte de los pintores de los siglos XV a XIX han aprovechado en sus obras los avances de las tecnologías de la imagen. Algunos de los principales cambios de paradigma en el arte occidental han sido provocados por el empleo de nuevos artefactos ópticos. Por ejemplo, el uso de la cámara oscura fue clave en el desarrollo de la pintura barroca. El siglo XX ha sido un periodo polémico respecto a la utilización artística de las tecnologías de la imagen. Diferentes corrientes del arte moderno defendieron la producción manual de las obras frente a la reproducción industrial propia de la cultura de masas. A comienzos del siglo XXI numerosos creadores plásticos desarrollan sus proyectos a través de las tecnologías de la imagen pero ejecutan finalmente las obras de manera tradicional.Publicad

Fire´s Laugh: An Anthropological Study on Fire´s Role in the Artistical Creation

El fuego juega un papel fundamental en numerosas manifestaciones artísticas, así como en diversos procedimientos pictóricos, escultóricos y gráficos. El elemento ígneo acompaña al artista en la “cocina de la pintura”, en las fraguas de los escultores y es un elemento esencial para diversas técnicas de dibujo y grabado convirtiéndose en el más activo agente catalizador de las trasformaciones sustanciales propias de la expresión plástica. Además de este papel instrumental, el significado del fuego -sus implicaciones simbólicas y culturales- cobran aún más relevancia cuando nos aproximamos al fuego desde su dimensión antropológica. La mitología grecolatina, las múltiples culturas primitivas y la tradición cristiana acuden al fuego para describir trasformaciones míticas, metamorfosis elementales, purificaciones de la naturaleza y desastres del hombre. Es un elemento espiritual y tecnológico, cuyas máximas manifestaciones actuales perviven en las fiestas populares como las Fallas o las celebraciones de Carnaval. Podemos considerar el fuego como metáfora de la creación artística en la actualidad.Fire plays a foundational role in several artistic fields, as well as in different pictorial, sculptural and graphic techniques. The igneous element accompanies the artist at the “painting kitchen”, in the carvers’ forges and it is also an essential element for a number of drawing and engraving techniques. It is the most active catalyst agent for the substantial transformations characteristic of plastic expression. In addition to this instrumental role, the meaning of fire -its symbolic and cultural implications- becomes even more relevant as we approach fire from its anthropological dimension. Greco Latin mythology, several primitive cultures, as well as the Christian tradition, use the fire to describe substantial transformations, elemental metamorphosis, nature purifications and human disasters. Fire is a spiritual and technological element, whose biggest present manifestations still remain in popular celebrations as the Fallas or Carnival celebrations. We can take fire as a metaphor of present art creation

Jean Cocteau frente al espejo de Orfeo

This article will identify the symbolic elements present in The blood of a poet with the myth of Orpheus, anticipating how this avant-garde film prefigured the poetic universe that Jean Cocteau would develop throughout his career. The formation of the imaginary of Cocteau was marked from his childhood by the traumatic death of his father that his mother wanted to compensate overprotecting him. Through the symbology present in his first film we will establish analogies and relationships between the author’s own biography, references to the myth of Orpheus and the interpretation that other artists close to surrealism made of these elements.El presente artículo identificará los elementos simbólicos presentes en La sangre de un poeta con el mito de Orfeo, adelantando cómo esta película vanguardista prefiguró el universo poético que Jean Cocteau desarrollaría a lo largo de su carrera. La formación del imaginario de Cocteau estuvo marcada desde su infancia por la traumática muerte de su padre que su madre quiso compensar sobreprotegiéndole. A través de la simbología presente en su primera película se establecerán una serie de analogías y relaciones entre la propia biografía del autor, las referencias al mito de Orfeo y la interpretación que otros artistas cercanos al surrealismo hicieron de estos elementos.

Hacia un atlas de la expresión gráfica a partir de las obras de Chris Ware: Desde sus primeros cómics hasta las propuestas para la difusión del patrimonio gráfico y arquitectónico histórico

Chris Ware's production covers the entire field of Graphic Expression. His innovations to expand the narrative resources of his cartoons have motivated him to be one of the first comic artists to receive literary awards. Some of his creations have been exhibited in art galleries and museums. His passion for the American graphic heritage of the early 20th century has led him to study posters, magazines and other printed materials. This activity and his fondness for collecting have fueled his artistic production over the last three decades. This interest in graphic archeology in the Chicago area has led him to participate in various initiatives to protect and disseminate the historical heritage of this city. In recent years he has designed two exhibitions dedicated to the figure of Louis Sullivan and has published three books on the work of this architect.; La producción de Chris Ware recorre todo el ámbito de la Expresión Gráfica. Sus innovaciones para ampliar los recursos narrativos de sus viñetas han motivado que sea uno de los primeros dibujantes de cómics en recibir premios literarios. Algunas de sus creaciones se han expuesto en galerías de arte y museos. Su pasión por el patrimonio gráfico norteamericano de comienzos de Siglo XX le ha llevado a estudiar carteles, revistas y otros materiales impresos. Esta actividad y su afición por el coleccionismo han alimentado su producción artística a lo largo de las tres últimas décadas. Este interés por la arqueología gráfica del área de Chicago ha propiciado que participe en diversas iniciativas para proteger y difundir el patrimonio histórico de esta ciudad. En los últimos años ha diseñado dos exposiciones dedicadas a la figura de Louis Sullivan y ha editado tres libros sobre la obra de este arquitecto

La risa de fuego: Un análisis antropológico sobre el papel trasgresor del fuego en la creación artística

El fuego juega un papel fundamental en numerosas manifestaciones artísticas, así como en diversos procedimientos pictóricos, escultóricos y gráficos. El elemento ígneo acompaña al artista en la “cocina de la pintura”, en las fraguas de los escultores y es un elemento esencial para diversas técnicas de dibujo y grabado convirtiéndose en el más activo agente catalizador de las trasformaciones sustanciales propias de la expresión plástica. Además de este papel instrumental, el significado del fuego -sus implicaciones simbólicas y culturales- cobran aún más relevancia cuando nos aproximamos al fuego desde su dimensión antropológica. La mitología grecolatina, las múltiples culturas primitivas y la tradición cristiana acuden al fuego para describir trasformaciones míticas, metamorfosis elementales, purificaciones de la naturaleza y desastres del hombre. Es un elemento espiritual y tecnológico, cuyas máximas manifestaciones actuales perviven en las fiestas populares como las Fallas o las celebraciones de Carnaval. Podemos considerar el fuego como metáfora de la creación artística en la actualidad

La materialización de los estilos de vida ecoresponsables

With the rise and evolution of mass media during the last decades of the s. XX and early s. XXI, a default image imposition has been carried out by the fashion industry for different social roles through these media. It has thus imposed a subtraction of the individual identity of fashion consumers to create multiple series of identities. Identity discourses are predefined by the fashion industry despite its wide variety and different configuration. Thanks to the multiple fashion trends, the consumer can compose his own aesthetic identity using clothing from different design trends, thus composing his own image, but always under the yoke of the trends created and predetermined by the fashion industry. Conscious and responsible consumption, defended by slow fashion phenomena, seems to be a consumer response to the precepts of the fashion industry.Con el auge y la evolución de los medios de comunicación de masas durante las últimas décadas del s. XX y principios del s. XXI, se ha llevado a cabo por parte de la industria de la moda una imposición imágenes predeterminadas para distintos roles sociales a través de estos medios. Ha impuesto así una sustracción de la identidad individual de los consumidores de moda para crear múltiples series de identidades. Los discursos identitarios están predefinidos por la industria de la moda a pesar de su amplia variedad y diferente configuración. Gracias a las múltiples tendencias de moda, el consumidor puede componer su propia identidad estética utilizando vestimenta de diferentes corrientes de diseño, componiendo así su propia imagen, pero siempre bajo el yugo de las tendencias creadas y predeterminadas por la industria de la moda. Un consumo consciente y responsable, defendido por los fenómenos slow fashion, parece ser una respuesta del consumidor frente a los preceptos de la industria de la moda.Com a ascensão e evolução dos meios de comunicação de massa durante as últimas décadas do s. XX e início de s. XXI, vem sendo realizada pela indústria da moda uma imposição de imagens predeterminadas para diferentes papéis sociais por meio desses meios. Impôs, assim, uma subtração da identidade individual dos consumidores de moda para criar múltiplas séries de identidades. Os discursos identitários são predefinidos pela indústria da moda, apesar de sua grande variedade e configuração diferente. Graças às múltiplas tendências da moda, o consumidor pode compor sua própria identidade estética usando roupas de diferentes tendências de design, compondo assim sua própria imagem, mas sempre sob o jugo das tendências criadas e predeterminadas pela indústria da moda. O consumo consciente e responsável, defendido pelos fenômenos slow fashion, parece ser uma resposta do consumidor aos preceitos da indústria da moda

Nuevas Imágenes. Resúmenes y abstracts de comunicaciones. VI Congreso Internacional CONFOCO.

Se presentan los resúmenes de las comunicaciones del VI Congreso Internacional CONFOCO

De la linterna mágica a las videoinstalaciones. Relevancia de las pantallas de proyección en las obras de Bill Viola, David Hockney y Tim Walker = From the magic lantern to video installations. Relevance of projection screens in the Works of Bill Viola, David Hockney and Tim Walker

Podemos considerar los espectáculos de las linternas mágicas como el antecedente histórico de las tecnologías de proyección de imágenes que comúnmente empleamos en la producción artística. Desde las primeras descripciones de estos dispositivos se ha desarrollado una evolución que también ha afectado a las pantallas en las que se proyectan las imágenes. Esta transformación progresiva no sólo ha implicado al mundo de lo visual (la fotografía, el video o la creación digital de imágenes) sino también al ámbito de las Bellas Artes. Las diferencias entre la producción dentro de las tecnologías de la imagen y la creación plástica desarrollada desde la pintura, el dibujo, el grabado y la escultura son cada vez más difusas. Los profesionales de las tecnologías visuales comparten con los productores artísticos el mismo interés en reflexionar sobre lascaracterísticas físicas de las pantallas de la representación. Actualmente los creadores visual es cada vez tienen más posibilidades, y una mayor exigencia, en la elección de los dispositivos y soportes donde proyectan sus imágenes. Los profesionales dedicados a la práctica de la pintura también deben cuestionarse qué aportan con su ejecución efectiva, es decir su realización material, a las imágenes que se elaboran en sus talleres. En el caso de producir obras con tecnologías digitales han de considerar detenidamente la relación de las imágenes con las características físicas de los soportes de impresión y pantallas de proyección. Este artículo valora críticamente desde la supuesta transparencia de las pantallas digitales hasta cómo se encarnan las proyecciones luminosas sobre los muros.AbstractWe can consider the magic lantern shows as the historical antecedent of the image projection technologies that we commonly use in artistic production. Since the first descriptions of these devices, a long evolution has taken place that has also affected the screens on which the images are projected. This progressive transformation has not only involved the world of the visual (photography, video or digital creation of images) but also the field of Fine Arts. The differences between production within the technologies of the image and the plastic creation developed from painting, drawing, engraving and sculpture are increasingly blurred. Visual technology professionals share with artistic producers an interest in reflecting on the physical characteristics of the representation screens. Currently, creators of digital images have more and more possibilities, and a greater demand, in the choice of devices and media where they project their images. Professionals dedicated to the practice of painting must also question what they contribute with their effective execution -that is, their material realization-, to the images created in their workshops. In the case of producing works with digital technologies, they must carefully consider the relationship of the images with the physical characteristics of the printing media and projection screens. This article evaluates from a critical point of view questions spanning from the so-called transparency of digital screens to the way light projections on the walls are embodied

Jean Cocteau frente al espejo de Orfeo

This article will identify the symbolic elements present in The blood of a poet with the myth of Orpheus, anticipating how this avant-garde film prefigured the poetic universe that Jean Cocteau would develop throughout his career. The formation of the imaginary of Cocteau was marked from his childhood by the traumatic death of his father that his mother wanted to compensate overprotecting him. Through the symbology present in his first film we will establish analogies and relationships between the author’s own biography, references to the myth of Orpheus and the interpretation that other artists close to surrealism made of these elements.El presente artículo identificará los elementos simbólicos presentes en La sangre de un poeta con el mito de Orfeo, adelantando cómo esta película vanguardista prefiguró el universo poético que Jean Cocteau desarrollaría a lo largo de su carrera. La formación del imaginario de Cocteau estuvo marcada desde su infancia por la traumática muerte de su padre que su madre quiso compensar sobreprotegiéndole. A través de la simbología presente en su primera película se establecerán una serie de analogías y relaciones entre la propia biografía del autor, las referencias al mito de Orfeo y la interpretación que otros artistas cercanos al surrealismo hicieron de estos elementos.