Becoming-idiot: the other aesthetics in Duchamp, Warhol and other contemporary artists.

Con la presente comunicación proponemos una interpretación alternativa sobre algunos artistas contemporáneos, a partir del concepto filosófico del idiota (por cuya figura ya mostraron interés escritores y pensadores como Nietzsche, Faulkner, Flaubert, Bergson o Dostoievski). Tomando la trilogía Esferas, del filósofo alemán Peter Sloterdijk, definiremos la figura del idiota como un doble placentario inmunizador, como calefactor autónomo inmanente, como nobjeto que ya no porta un mensaje trascendente, sino que, como máximo, regula psico-térmicamente nuestras sociedades pluralistas. Profundizaremos en algunos artistas que hicieron de lo idiótico una zona de interés fundamental, como Duchamp, Warhol, Morris, Oldenburg, Abramovic o Carneiro. Mostramos cómo el pensamiento hegemónico racional ilustrado ha sido, en ocasiones, sustituido por tránsitos post-metafísicos en lo idiótico, configurándose de muy diversos modos en espacios ajenos a la subjetividad moderna.This paper takes the idea of the “Idiot” (that has been previously studied by writers and thinkers such as Nietzsche, Faulkner, Flaubert, Bergson and Dostoievski) in order to suggest an alternative interpretation of the work of a number of contemporary artists. Taking the trilogy Spheres (developed by German philosopher Peter Sloterdijk) as a starting point, the paper aims to define the figure of the idiot as a double placental immunized, inherent self-heating, also as a nobject that no longer holds an important message. On the contrary, it regulates psycho-themically our pluralistic societies at the most. The paper also addresses how artists like Duchamp, Warhol, Morris, Oldenburg, Abramovic and Carneiro focused on the idiotic. It also suggests how the hegemonic rational thought of the Enlightenment has sometimes been replaced by post-metaphysical transits on the idiotic, and therefore it has been configured in many different ways in spaces outside the modern subjectivity

Hacia otro origen: el artista, la placenta y la pérdida de la subjetividad

El artículo profundiza en el análisis sobre las relaciones que algunos artistas del siglo XX y XXI han establecido con la naturaleza, el cuerpo o sus propias creaciones, a partir de un pensamiento de la a-subjetividad. Partiendo del concepto de «placenta», desarrollado por el filósofo alemán Peter Sloterdijk en el primer volumen de su trilogía Esferas, se lleva a cabo un recorrido desde lo ginecológico hasta lo post-ginecológico o nobjetivo, interpretándose desde esta perspectiva algunas obras de artistas como Duchamp, Morris, Kapoor, Abramovic, Metson, Mendieta o Alberto Carneiro. Mostramos, a partir de la pérdida de la subjetividad y de la consiguiente creación de espacios de intimidad o de proximidad, la disolución del gran Sujeto-artista de la Modernidad, que ya no encuentra refugio en los sistemas totalitarios madre-tierra, sino en lo otro-artístico como doble placentario, autocomplementante e inmunizador.The article deepens in the analysis of the relations that some 20 th - and 21 st -century artists established with nature, the body or their own creations, starting from a no-subjectivity thought. Taking the concept of «placenta» as the philosophical basis, a concept developed by the German philosopher Peter Sloterdijk in the first volume of his trilogy Spheres, a path from the gynecological to the post-gynecological or nonobjective is followed, interpreting from this perspective some works by artists such as Duchamp, Morris, Kapoor, Abramovic, Metson, Mendieta or Alberto Carneiro. The author will show the gradual loss of subjectivity, with the consequent creation of spaces of intimacy or proximity, and the dissolution of the big subject-artist of modernity, who no longer finds refuge in the mother-earth totalitarian systems, but in the other-artistic as placentary double, self-complementing and immunizer

Andy Warhol: ser de transparencias, espacio holográfico y utopía realizada

El artículo profundiza en la estética de Warhol estableciendo la definición de lo que compren-demos por el concepto filosófico de ser de transparencias, derivado de la noción de simulacro de Jean Baudrillard. Desde esta perspectiva analizamos cómo el incremento de luz funciona como exterminador de las diferencias, y cómo el espacio holográfico de Warhol aparece como mónada no espacial, como forma simple y plena, que satura las posibilidades hasta aniquilar toda posibilidad, incluyendo la posibilidad más inmediata y radical, la muerte. El artículo concluye con un análisis de la temporalidad en las obras, temporalidad que, sin duda, revierte directamente en todo el dispositivo icónico-mental del artista.The essay gets inside Warhol’s aesthetics establishing the definition of what we understand as the philosophical concept of transparences’ being derived Jean Baudrillard’s notion of simu-lation. From this perspective we analyse how the increase of light works as an exterminator of differences, and how Warhol’s holographic space appears as non-spatial monad, as a simple and full shape which saturates the possibilities until they are totally annihilated, including the most immediate and radical one, which is death. The essay concludes with an analysis of transient nature in the works which undoubtedly reverts directly to the artist’s iconic-mental device.peerReviewe

El concepto de tiempo en las vanguardias históricas: Futurismo, Pintura metafísica y Dadaísmo

La presente tesis, que lleva por título El concepto de tiempo en las vanguardias históricas: Futurismo, Pintura metafísica y Dadaísmo, propone esclarecer cuáles son las temporalidades que se manifiestan en algunos de los artistas y en las obras pertenecientes a dichos movimientos. Para ello articula una clara distinción entre dos temporalidades: el tiempo exo-esférico, ilimitado, positivista, mito-motorizado y eleático, con su temporalidad de la presencia, la visión, la trascendencia, la cronología y la ontoteología; y otra radicalmente distinta: la del tiempo que no se piensa como ser, un tiempo endo-esférico del límite, de la duración y el flujo, tiempo de la ceguera, del azar, la virtualidad, la inmanencia, de la repetición afirmadora y del acontecimiento diferencial y transbanal. La mencionada diferencia, basada en las conceptualizaciones del tiempo realizadas en la filosofía contemporánea por autores como Bergson, Deleuze, Nietzsche, Heidegger, Vattimo, Sloterdijk, Derrida, Virilio, Lyotard, Didi-Huberman o Benjamin, entre otros, funciona como una red lingüística que, al superponerse a las manifestaciones pictóricas, escultóricas, escénicas, literarias u objetuales futuristas, metafísicas o dadaístas, permite interpretar su correspondiente gramática estético-temporal sin obviar sus matices y singularidades.This doctoral thesis, entitled The Concept of Time in the Historical Avant-Garde: Futurism, Pittura Metafisica and Dadaism, aims to elucidate the kinds of temporality that the work of some of the authors of these movements involves. For this purposes, I make a clear distinction between two kinds of time and temporality. The first kind of time is exospheric, infinit, positivist, mytho-technological and eleatic. This is a temporality of presence, vision, transcendence, chronology and onto-theology. The other kind of time is radically different. It is the time of not being. It is an exospheric time of the limit, of duration and flux. It is the time of blindness, randomness, virtuality, inmannence, affirmative repetition and the differential and "trans-banal" event. The difference between these two kinds of time is based on the ideas of some modern philophers such as Bergson, Deleuze, Nietzsche, Heidegger, Vattimo, Sloterdijk, Derrida, Virilio, Lyotard, Didi-Huberman and Benjamin, among others. Projected onto the pictorial, sculptural, performative, literary and objectual works by Futurists, artists of the pittura metafisica and Dadaists, this difference acts as a linguistic network that enables to interpret their corresponding aesthetic and temporal grammar according to their own specificity

“Dadá / Sloterdijk” : el ruido como pre-lenguaje del ser-que-respira

El artículo profundiza en el análisis de los poemas fonéticos y del ruido llevado a cabo por algunos artistas pertenecientes al movimiento Dadá (Ball, Hausmann, Schwitters, Tzara), así como de las obras de otros artistas que se relacionan tangencialmente con dicha temática (Otto Dix, Duchamp, Juan Muñoz, John Cage), tomando como fundamento algunos de los pensamientos desarrollados por el filósofo alemán Peter Sloterdijk en algunas de sus obras. A partir de la distinción entre el lenguaje y el cuerpo, entre el lenguaje y el mundo, y centrándonos en la corporalidad como punto de inicio de nuestro análisis, presentamos una narración interpretativa del ruido tomando como puntos de reflexión los conceptos de atmoterrorismo y de fonotopo, así como otras reflexiones del filósofo relativas a la distinción del ser-en como ser respirador. De este modo, comprendemos el Cabaret Voltaire y los eventos acontecidos en él en relación con los ruidos como una manifestación del ser-que-respira, en un espacio de inseguridad explicitado desde la aparición del terrorismo ambiental. Tomando como zonas de interpretación la obra de algunos artistas, analizamos, en continuidad con lo anterior, la introducción de la temporalidad (como presente absoluto del animal respirador), así como de la espacialidad (como mero intento de asegurar que, en el medio circundante, aún es posible respirar).The article deepens into the analysis of phonetic poems and noise carried out by some artists of the Dada movement (Ball, Hausmann, Schwitters, Tzara), as well as of works by other artists who were collaterally related to this theme (Otto Dix, Duchamp, Juan Muñoz, John Cage), taking some of the principles developed by the German philosopher Peter Sloterdijk in some of his works as a foundation. From the distinction between language and body, between language and the world, and focusing on corporality as a starting point for our analysis, an interpretative narration of noise is presented, taking such concepts as atmo-terrorism and phonotope as points for reflexion, as well as other reflexions by the philosopher on the being-in as breathing being. In this way, we will be able to understand the Cabaret Voltaire and the events that took place in it in relation to noise as an expression of the breathing-being, in a space of insecurity specified since the coming of environmental terrorism. Taking the works of some artists as the area of interpretation, the introduction of temporality (as the absolute present of the breathing animal) as well as spatiality (as a mere attempt to ensure that, in the surrounding environment, it is still possible to breath) will be analysed, in agreement with what has been previously said.peerReviewe

Andy Warhol: ser de transparencias, espacio holográfico y utopía realizada

The essay gets inside Warhol�s aesthetics establishing the definition of what we understand as the philosophical concept of transparences� being derived Jean Baudrillard�s notion of simulation. From this perspective we analyse how the increase of light works as an exterminator of differences, and how Warhol�s holographic space appears as non-spatial monad, as a simple and full shape which saturates the possibilities until they are totally annihilated, including the most immediate and radical one, which is death. The essay concludes with an analysis of transient nature in the works which undoubtedly reverts directly to the artist�s iconic-mental device.El artículo profundiza en la estética de Warhol estableciendo la definición de lo que comprendemos por el concepto filosófico de ser de transparencias, derivado de la noción de simulacro de Jean Baudrillard. Desde esta perspectiva analizamos cómo el incremento de luz funciona como exterminador de las diferencias, y cómo el espacio holográfico de Warhol aparece como mónada no espacial, como forma simple y plena, que satura las posibilidades hasta aniquilar toda posibilidad, incluyendo la posibilidad más inmediata y radical, la muerte. El artículo concluye con un análisis de la temporalidad en las obras, temporalidad que, sin duda, revierte directamente en todo el dispositivo icónico-mental del artista

El concepto de tiempo en las vanguardias históricas: futurismo, pintura metafísica y dadaísmo

La presente Tesis Doctoral propone esclarecer cuáles son las temporalidades que se manifiestan en algunos de los artistas y en las obras pertenecientes a dichos movimientos. Para ello articula una clara distinción entre dos temporalidades: el tiempo exo-esférico, ilimitado, positivista, mito-motorizado y eleático, con su temporalidad de la presencia, la visión, la trascendencia, la cronología y la onto-teo-logía; y otra radicalmente distinta: la del tiempo que no se piensa como ser, un tiempo endo-esférico del límite, de la duración y el flujo, tiempo de la ceguera, del azar, la virtualidad, la inmanencia, de la repetición afirmadora y del acontecimiento diferencial y transbanal. La mencionada diferencia, basada en las conceptualizaciones del tiempo realizadas en la filosofía contemporánea por autores como Bergson, Deleuze, Nietzsche, Heidegger, Vattimo, Sloterdijk, Derrida, Virilio, Lyotard, Didi-Huberman o Benjamin, entre otros, funciona como una red lingüística que, al superponerse a las manifestaciones pictóricas, escultóricas, escénicas, literarias u objetuales futuristas, metafísicas o dadaístas, permite interpretar su correspondiente gramática estético-temporal sin obviar sus matices y singularidades

El concepto de tiempo en las vanguardias históricas: Futurismo, Pintura metafísica y Dadaísmo

La presente tesis, que lleva por título El concepto de tiempo en las vanguardias históricas: Futurismo, Pintura metafísica y Dadaísmo, propone esclarecer cuáles son las temporalidades que se manifiestan en algunos de los artistas y en las obras pertenecientes a dichos movimientos. Para ello articula una clara distinción entre dos temporalidades: el tiempo exo-esférico, ilimitado, positivista, mito-motorizado y eleático, con su temporalidad de la presencia, la visión, la trascendencia, la cronología y la ontoteología; y otra radicalmente distinta: la del tiempo que no se piensa como ser, un tiempo endo-esférico del límite, de la duración y el flujo, tiempo de la ceguera, del azar, la virtualidad, la inmanencia, de la repetición afirmadora y del acontecimiento diferencial y transbanal. La mencionada diferencia, basada en las conceptualizaciones del tiempo realizadas en la filosofía contemporánea por autores como Bergson, Deleuze, Nietzsche, Heidegger, Vattimo, Sloterdijk, Derrida, Virilio, Lyotard, Didi-Huberman o Benjamin, entre otros, funciona como una red lingüística que, al superponerse a las manifestaciones pictóricas, escultóricas, escénicas, literarias u objetuales futuristas, metafísicas o dadaístas, permite interpretar su correspondiente gramática estético-temporal sin obviar sus matices y singularidades.This doctoral thesis, entitled The Concept of Time in the Historical Avant-Garde: Futurism, Pittura Metafisica and Dadaism, aims to elucidate the kinds of temporality that the work of some of the authors of these movements involves. For this purposes, I make a clear distinction between two kinds of time and temporality. The first kind of time is exospheric, infinit, positivist, mytho-technological and eleatic. This is a temporality of presence, vision, transcendence, chronology and onto-theology. The other kind of time is radically different. It is the time of not being. It is an exospheric time of the limit, of duration and flux. It is the time of blindness, randomness, virtuality, inmannence, affirmative repetition and the differential and "trans-banal" event. The difference between these two kinds of time is based on the ideas of some modern philophers such as Bergson, Deleuze, Nietzsche, Heidegger, Vattimo, Sloterdijk, Derrida, Virilio, Lyotard, Didi-Huberman and Benjamin, among others. Projected onto the pictorial, sculptural, performative, literary and objectual works by Futurists, artists of the pittura metafisica and Dadaists, this difference acts as a linguistic network that enables to interpret their corresponding aesthetic and temporal grammar according to their own specificity