Le gore, modalité virale du cinéma hollywoodien

À partir d’une série de films post-hollywoodiens qui font de l’irruption de l’abject un motif privilégié, cet article se propose de mettre en évidence l’existence d’une modalité « virale » qui, se propageant à partir d’un film souche (The Masque of the Red Death de Roger Corman, sorti en 1964), allait infiltrer et contaminer nombre de films à venir. Afin d’éclairer l’émergence de cette modalité, l’auteur revient dans un premier temps sur la logique socioculturelle de décontamination amenée par le puritanisme et sur les thèses développées par Jean Baudrillard sur l’apparition de virus dans un milieu aseptisé. La modalité virale est ainsi présentée comme le symptôme d’une culture qui, à force d’éliminer les « souillures », génère ses propres pathologies. Dans un deuxième temps, cette modalité virale est saisie dans sa dimension métaphorique, comme reflet des soubresauts sociopolitiques qui ébranlent l’Amérique des sixties. À partir de thèses de René Girard, l’apparition du virus dans le cadre du cinéma américain est appréhendée dans sa dimension démystificatrice. Au terme de ce travail, il s’agit de voir en quoi cette modalité peut être envisagée comme une pathologie typiquement filmique. Le film d’horreur « viral » enregistrerait, en effet, la lutte entre un virus et le corps filmique dans lequel il se développe.Through an examination of a series of post-Hollywood films whose explosion of the abject is a central concern, this article sets out to demonstrate the existence of a “viral” cinema which, developing out of a founding strain (Roger Corman’s 1964 film The Masque of the Red Death), came to infiltrate and contaminate a number of films. In order to place this cinema’s emergence in a theoretical context, the author initially examines the socio-cultural logic of decontamination driven by puritanism, and Jean Baudrillard’s theses on the appearances of viruses in asepticized environments, demonstrating how the viral is a symptom of a culture which, in the course of removing “impurities,” generates its own pathologies. The viral is then examined metaphorically, as the reflection of the socio-political upheavals of the 1960s in North America. The demystifying dimension of the emergence of the viral in American cinema is then discussed using the theses of René Girard. By the end of the essay, the viral is shown to be a typically cinematic pathology : the “viral” horror film depicts the struggle between a virus and the cinematic body in which it develops

Massacres and masquerades : Edgar Poe's « Hop-Frog » (1849) and the American Horror Film (1964-1984)

Le slasher est un sous-genre du film d'horreur reposant sur une figure de tueur masqué punissant en apparence la sexualité adolescente. Très populaire auprès du public adolescent de 1978 à 1984, il serait, selon de nombreux critiques, une expression de sadisme « gratuit ». Cependant, toute production culturelle possède une légitimité qui peut lui être conférée en trouvant une clé de lecture adéquate. Cette clé est selon-nous un archétype culturel que nous nommons foolkiller, et qui figure une victime marginale sanctionnant les actes irresponsables mettant en danger les membres les plus faibles de la communauté. Cet archétype convoque l'imaginaire médiéval du charivari, un rite de justice folklorique punissant les manquements à la morale. Pour parvenir à cette référence, il est nécessaire de montrer que le slasher a masqué un genre plus large qui gravite autour d'une victime humiliée se vengeant de ses persécuteurs et qui inclue des films comme Willard (1971), Carrie (1976), ou encore Fade to Black (1980). Or, on peut trouver une formulation prototypique de cette histoire dans Hop-Frog (1849), une nouvelle d'Edgar Poe racontant la vengeance d'un bouffon difforme persécuté par un roi sadique. Nous envisageons cette nouvelle comme un artefact prototypique de l'archétype culturel du foolkiller dont le genre masqué par le slasher est une expression contemporaine. L'étude de cette nouvelle et de ses références culturelles permet de comprendre le fonctionnement de l'archétype et son apparition en réponse à une crise sacrificielle au sens où l'entend René Girard. Une crise du même genre est repérable dans la culture américaine des années 1970, ce qui explique la résurgence de l'archétype à cette période.The slasher movie is a horror film sub-genre featuring a masked killer supposedly punishing teenage sexuality. Extremely popular among teens from 1978 to 1984, it is generally discarded by serious critics as a spectacle of gratuitous violence. However, the genre can be granted some legitimacy once it is seen as a contemporary form of a cultural archetype which we call "foolkiller". This archetype revolves around a freak avenging its own humiliation at the hands of bullies and punishing irresponsible acts endangering the weakest people in a community. Culturally speaking, this archetype has roots in the medieval practice of "rough music", a masked demonstration organized to humiliate some wrongdoer and to punish moral transgressions in the community. In order to access this cultural reference, it is necessary to show that the attention given the slasher film has concealed the existence of another genre, comprising slasher films but also movies such as Willard (1971), Carrie (1976), and Fade to Black (1980), whose protagonist is a victim avenging its persecution. This plot can also be found in "Hop-Frog", a short-story written by Edgar Allan Poe in 1849. It tells the story of a jester dwarf bullied by a cruel king. We argue that this tale is a prototypical artifact of the foolkiller archetype, which also informs the genre concealed by the slasher film. The cultural frame of this short story enables us to understand how the archetype functions and its relationship to what René Girard calls a "sacrificial crisis". Such a crisis is at work within 1970's American culture, which explains why the archetype reappears during this time.The slasher movie is a horror film sub-genre featuring a masked killer supposedly punishing teenage sexuality. Extremely popular among teens from 1978 to 1984, it is generally discarded by serious critics as a spectacle of gratuitous violence. However, the genre can be granted some legitimacy once it is seen as a contemporary form of a cultural archetype which we call "foolkiller". This archetype revolves around a freak avenging its own humiliation at the hands of bullies and punishing irresponsible acts endangering the weakest people in a community. Culturally speaking, this archetype has roots in the medieval practice of “rough music”, a masked demonstration organized to humiliate some wrongdoer and to punish moral transgressions in the community. In order to access this cultural reference, it is necessary to show that the attention given the slasher film has concealed the existence of another genre, comprising slasher films but also movies such as Willard (1971), Carrie (1976), and Fade to Black (1980), whose protagonist is a victim avenging its persecution. This plot can also be found in "Hop-Frog", a short-story written by Edgar Allan Poe in 1849. It tells the story of a jester dwarf bullied by a cruel king. We argue that this tale is a prototypical artifact of the foolkiller archetype, which also informs the genre concealed by the slasher film. The cultural frame of this short story enables us to understand how the archetype functions and its relationship to what René Girard calls a "sacrificial crisis". Such a crisis is at work within 1970's American culture, which explains why the archetype reappears during this time

La lettre volée : le cas étrange de Dr. Jekyll and Mr. Hyde au cinéma

Avant de quitter la maison, le notaire s’arrêta pour échanger quelques mots avec Poole.– À propos, lui dit-il, on a apporté une lettre aujourd’hui. Quelle figure avait le messager ?Mais Poole fut catégorique : le facteur seul avait apporté quelque chose ;» et il n’a remis que des imprimés », ajouta-t-il. À cette nouvelle, le visiteur, en s’éloignant, sentit renaître ses craintes. D’évidence, la lettre était arrivée par la porte du laboratoire ; peut-être même avait-elle été écrite dans le cab..

Screening A Christmas Carol (Dickens, 1843): Adaptation as Completion

This paper investigates cinema and television’s peculiar ‘love story’ with Charles Dickens’s A Christmas Carol (1843). Indeed, the story of Scrooge’s life-changing encounter with the Christmas Spirits has been adapted, revised, condensed, retold, and modernized on screen more than any other work of English or American literature. Why is cinema so attracted to this particular piece? Although the mythic quality of the tale partly explains its persistence over the years, I believe that the interest exerted by the Carol on the film medium has a lot to do with the spectacular apparatus (a series of highly realistic images projected to Scrooge) displayed by the Christmas Spirits to redeem the old miser. For what is the Carol if not a text about a character’s personal cinematic experience? The tale contains ‘techniques’ that would only be developed in cinema, as if Dickens was writing a story to be told by a medium not yet available in the Victorian age. As a consequence, turning the Carol into a movie is to not only ‘adapt’ it in the traditional sense of the word, but to literally complete it (in the sense of achieving what Dickens had started) and fulfill its potential, which may explain the satisfying nature of watching a film adaptation of Carol, regardless of the inner quality of the film itself

Texte et image à l'époque victorienne

This 64th issue of Cahiers victoriens et édouardiens, initially published in October 2006 was simply entitled ‘Text and Image in the Victorian Era’. The volume is composed of eleven articles. They deal with societal or literary subjects as is mostly the case for this journal. Cultural and social questions are tackled in essays devoted to the re-presentation of the bourgeoisie in the satirical publication Punch, Thackeray’s diary of his travel across Egypt and the relationship between heroines of sensational novels such as Lady Audley’s Secret and the fashion world. Others deal with the articulation between literary text and image (whether it be through cinema, simulacra or illustrations), examining Coppola’s adaptation of Dracula, the tension between realism and romance in this proto-cinematic tale A Christmas Carol, or the close collaboration between George MacDonald and his illustrator Arthur Hughes. In other articles, a more theoretical approach to word and image studies is proposed, in order to explore the new picturesque in Dickens, the confrontation between reality and appearances in Dorian Gray or the ambiguities relating to point of view in Tess. Ce volume 64 des Cahiers victoriens et édouardiens, publié en octobre 2006 a été sobrement intitulé « Texte et Image à l’époque victorienne ». Il est composé de 11 articles et d’une recension. Ils abordent soit un pan civilisationnel soit un pan littéraire comme cela est traditionnellement le cas pour les CVE. Les aspects culturels sont étudiés dans la représentation de la bourgeoisie dans le journal satirique Punch, le journal de bord de Thackeray au pays des harems et les héroïnes sensationnalistes en relation avec le monde de la mode. D’autres articles travaillent sur l’articulation entre texte et image, notamment sur l’adaptation par F. F. Coppola de Dracula, sur le proto-cinématographique dans A Christmas Carol ou bien encore sur la collaboration entre l’illustrateur Arthur Hughes et les textes de George MacDonald. D’autres enfin, abordent des sujets plus théoriques, comme le pittoresque chez Dickens, la confrontation entre le réel et le semblant dans Dorian Gray ou les ambiguïtés du point de vue dans Tess

Genres et enjeux de légitimation

International audienceLe troisième numéro de la revue "À l’épreuve" souhaite interroger la complexité de la notion de « genre » sans se limiter aux seuls aspects poétiques de la question : quels sont les traits définitoires d’un genre ? Les modèles génériques élaborés par la théorie sont-ils opératoires lorsque nous les confrontons à la diversité foisonnante des produits culturels ? S’il s’agit là de deux questionnements certes incontournables sur la notion, la formulation de la thématique du numéro invite également à accorder une importance particulière aux implications idéologiques et axiologiques du geste d’étiquetage générique. Car l’association d’un objet culturel et d’un genre ne vise pas toujours à une fin exclusivement descriptive mais dissimule souvent une intention prescriptive. Classifier revient parfois non simplement à départager mais également à établir une hiérarchie entre les « grands » et les « petits » genres. Ainsi comme le rappelait Pierre Bourdieu tout effort de taxinomie n’est jamais totalement étranger à une certaine violence symbolique : "Mettre des formes, c’est donner à une action ou à un discours la forme qui est reconnue comme convenable, légitime, approuvée, c’est-à-dire une forme telle que l’on peut produire publiquement, à la face de tous, une volonté ou une pratique qui, présentée autrement, serait inacceptable". Les articles réunis dans ce numéro proposent chacun un éclairage différent sur l’ensemble de ces enjeux formels et idéologiques de la notion dans des domaines variés

New Perspectives on Film Adaptations of 19th–Century Novels and Short Stories

Le succès des fictions du XIXe siècle auprès des professionnels du cinéma n’est plus à démontrer et les raisons en sont bien connues. Quelques mots suffiront à les évoquer : popularité, patrimoine, profits, adaptations théâtrales, aspects pré- et proto-cinématographiques, importance des illustrations, quête de respectabilité du médium filmique. Linda Hutcheon suggère cependant que l’adaptation ne doit pas chercher la fidélité à l’œuvre source, que toute adaptation est répétition sans duplication et c’est ce que le recueil d’articles proposé ici s’attache à démontrer. Les contributions se concentrent autour des théories du genre, la dé(re)contextualisation, la contamination, la consolation, autant de nouvelles manières d’aborder le principe même de l’adaptation filmique. Les classiques de la littérature du XIXe siècle seront donc à l’honneur (Austen, Dickens, Brontë, Forster) mais aussi des œuvres légèrement moins connues (G. Du Maurier, Saki) ou des genres réputés moins nobles comme le ‘penny dreadful’. 19th-centurynovels and short stories have always been successful with the professionals of cinema. Many reasons can be invoked in so many keywords: popularity, heritage, financial profits, theatrical adaptations, pre-cinematic aspects, illustrations, film’s quest for respectability. However Linda Hutcheon suggests that adaptation is repetition without replication and this is what this collection of articles will be dealing with. The contributions gathered here focus on the newly acquired type of gender relationships, on de(re)contextualization, and on the ‘contamination’ of a TV series by classic gothic stories, or the function of a background score and a colour scheme. Adaptations of classics of 19th–century literature (Austen, Dickens, Brontë, Forster) but also lesser-known novels (G. Du Maurier, Saki) as well as the penny dreadful are approached in a new, innovative way

De l’estime au cadastre en Europe. Le Moyen Âge

Lancée depuis quelques années, l’ambitieuse enquête sur l’évolution qui a lentement transformé l’Europe méditerranéenne des estimes en Europe des cadastres, est arrivée à son terme avec la publication de trois ouvrages sur le Moyen Âge, l’époque moderne et la période contemporaine. Dans ce premier volume, vingt-neuf des meilleurs spécialistes français et étrangers s’interrogent sur le vaste mouvement qui, de la fin du XIIe siècle à l’aube de la Renaissance, a conduit villes, princes et états du pourtour méditerranéen à recenser de manière systématique les hommes, leurs terres, leurs maisons et leurs avoirs. Ils en recherchent les origines profondément ancrées dans les permanences d’une romanité tenace, scrutent les savoirs de ceux qui ont présidé à la rédaction de ces livres d’estimes, compoix et « cadastres » d’une infinie variété dont ils suivent la longue genèse, analysent les typologies complexes et tentent de comprendre la subtile construction. Recenser, situer, délimiter et estimer en vue de saisir la relation de l’homme à la richesse et à l’espace, voilà bien la mission assignée à ces extimatores qui devaient devenir les hommes du cadastre, comme leurs livres d’estimes sont devenus le cadastre. Ce document dont la mission n’est autre que d’inscrire le droit dans la mémoire de la terre et d’en peser la valeur, avant de la dessiner dans ses moindres contours

Lettres de cinéma

Considérée comme un problème de mise en scène, la lettre au cinéma est un motif propice à stimuler l’imagination des cinéastes. Qu’elle soit le motif privilégié d’un cinéaste comme Max Ophuls ou d’un genre comme le mélodrame hollywoodien, l’objet de documentaires à la gloire du General Post Office britannique ou l’occasion de poèmes chez Tony Harrison, envoyée de façon anonyme dans la Treizième lettre, perdue dans Retour à Cold Mountain ou déchirée dans Sueurs froides, la lettre se révèle un agent dramatique à part entière. Jouant des écarts spatiotemporels permettant toutes sortes de circulations spatiales ou signifiantes, elle instaure un mode de communication spécifique au sein du film mais aussi avec le spectateur. Si l’adaptation de récits épistolaires à l’écran reste une gageure, certains cinéastes n’hésitent pas à concevoir leur film comme une lettre adressée à l’absent, que ce soit le père défunt chez Nathaniel Kahn, Dieu chez Neil Jordan ou le futur spectateur chez Jonas Mekas. L’écriture épistolaire rejoint ici celle du journal intime, toutes deux centrées sur l’écriture de soi dans le moment présent. De la missive insérée dans le film au film conçu comme lettre, les articles de ce recueil proposent donc une exploration de l’écriture épistolaire à l’écran dans le domaine du cinéma anglophone, jusqu’à la signature et autres inscriptions du nom propre, clôture de l’identité et du courrier

Prospective observational cohort study on grading the severity of postoperative complications in global surgery research

Background The Clavien–Dindo classification is perhaps the most widely used approach for reporting postoperative complications in clinical trials. This system classifies complication severity by the treatment provided. However, it is unclear whether the Clavien–Dindo system can be used internationally in studies across differing healthcare systems in high- (HICs) and low- and middle-income countries (LMICs). Methods This was a secondary analysis of the International Surgical Outcomes Study (ISOS), a prospective observational cohort study of elective surgery in adults. Data collection occurred over a 7-day period. Severity of complications was graded using Clavien–Dindo and the simpler ISOS grading (mild, moderate or severe, based on guided investigator judgement). Severity grading was compared using the intraclass correlation coefficient (ICC). Data are presented as frequencies and ICC values (with 95 per cent c.i.). The analysis was stratified by income status of the country, comparing HICs with LMICs. Results A total of 44 814 patients were recruited from 474 hospitals in 27 countries (19 HICs and 8 LMICs). Some 7508 patients (16·8 per cent) experienced at least one postoperative complication, equivalent to 11 664 complications in total. Using the ISOS classification, 5504 of 11 664 complications (47·2 per cent) were graded as mild, 4244 (36·4 per cent) as moderate and 1916 (16·4 per cent) as severe. Using Clavien–Dindo, 6781 of 11 664 complications (58·1 per cent) were graded as I or II, 1740 (14·9 per cent) as III, 2408 (20·6 per cent) as IV and 735 (6·3 per cent) as V. Agreement between classification systems was poor overall (ICC 0·41, 95 per cent c.i. 0·20 to 0·55), and in LMICs (ICC 0·23, 0·05 to 0·38) and HICs (ICC 0·46, 0·25 to 0·59). Conclusion Caution is recommended when using a treatment approach to grade complications in global surgery studies, as this may introduce bias unintentionally