Circadian periodicity in acetate non-utilizing mutants

Circadian periodicity in acetate non-utilizing mutant

Localization of Basic Fibroblast Growth Factor mRNA in Melanocytic Lesions by In Situ Hybridization

Basic fibroblast growth factor (bFGF) is a mitogen for normal human melanocytes and keratinocytes in culture. Experiments in vitro suggest that keratinocytes supply bFGF to melanocytes through a paracrine mechanism and that the aberrant expression of bFGF in melanomas confers growth independence from bFGF-producing cells. To determine whether bFGF is expressed in vivo, we examined a series of benign and malignant melanocytic lesions in situ using bFGF riboprobes on tissue sections, and correlated bFGF expression with histologic phenotype. Seventeen melanocytic neoplasms were studied, including four common acquired nevi, four dysplastic nevi, four primary malignant melanomas, and five metastatic melanomas. Nevic cells in benign intradermal nevi showed low signal intensity (1+), whereas compound and dysplastic nevi showed 2+ to 3+ expression in the junctional nevic cell population and 1+ expression in the dermal nevic cell population. Melanocytes in primary melanomas had intermediate (2+) and those in metastatic melanomas had low (1+) levels of bFGF gene transcripts. Fibroblasts expressed high levels (3+) and epidermal and adnexal keratinocytes moderate (2+) levels of bFGF in all cases studied. Basic PGF expression in endothelial cells, known to produce and respond to this growth factor in vitro, was lower than that in the fibroblast and keratinocyte cell population and, in 10 of 17 cases, no bFGF mRNA was detectable. This study shows that bFGF is expressed in nevomelanocytes in vivo in all melanocytic lesions studied and thus cannot be used as a marker for transformation. The presence of bFGF gene transcripts in the various dermal cell types and in keratinocytes suggests that it may act as an autocrine and paracrine growth factor in regulating cellular proliferation in the skin

“…el ruido de lo roto…”. Un estudio sobre OID de Juan Pampín

OID is an homage to Darío Santillán and Maximiliano Kosteki by Argentinian composer Juan Pampin (b. 1967). The piece, scored for piano, live electronics, and video consists of a set of variations on the introduction of the piano version of the Argentinian National Anthem, which, according to the composer, ciphers the Argentinian catastrophic destiny.Not ignoring the composer’s ideas on his piece, we propose that OID offers a singular –musical– perspective of post-2001Argentina. This means that the music is not (just) the testimony of a ‘disaster’, but it also opens a crack which allows for the emergency of a new perspective, an emancipatory power to aid us in rethinking the present and the future.To go through this aesthetic political operation, we analyze Pampin’s piece by looking for moments where compositional technique and aesthetic discourse intersect. To do this, we follow Theodor Adorno’s critique of Gustav Mahler, which gives us clues to understand the destructive-constructive process that of this work. It is not about reconciling our broken national identity, but to embrace this fracture, its deformity, and to amplify it, thus providing a way to allow the defeated to speak up.La obra OID para piano, electrónica en tiempo real y video del compositor argentino Juan Pampin (n. 1967) es un homenaje a Darío Santillán y Maximiliano Kosteki. Consiste en una serie de elaboraciones sobre la introducción de la versión para piano del Himno Nacional Argentino, que, de acuerdo al compositor, contiene la cifra del destino catastrófico argentino.Sin dejar de lado los dichos del compositor, proponemos que la obra de Pampin es una lectura singular de la Argentina post-2001, en el plano musical. Esto significa que esta música no testimonia (solo) una ‘catástrofe’, sino que también abre una hendija para la emergencia de una nueva perspectiva, una potencia emancipatoria para repensar el presente y el porvenir.Para abordar esta operación estético-política apelamos a la lectura adorniana de la obra de Gustav Mahler en la medida que sugiere pistas para comprender el trabajo destructivo-constructivo de la composición. Es a partir de estas herramientas que exploramos un análisis de algunos momentos de la pieza en los que se imbrica la técnica con la apuesta estética que aquí se reconstruye. No se trata de reconciliar la identidad nacional partida, sino de abrazar esa fractura, su deformidad y amplificarla para así habilitar un punto de fuga que dé voz a los vencidos

Historical Imagination, Form and Aesthetic Experience in Sound Installations

En este trabajo se indaga sobre el problema de la forma en un tipo específico de instalaciones sonoras y su implicancia política. Se considera que una concepción historizada de la imaginación permite desgarrar el continuum destemporalizado e indeterminado de esos dispositivos artísticos y reconstruir las relaciones materiales allí cifradas. Para esto se propone articular el análisis empírico de algunas instalaciones sonoras con un recorrido teórico. En este último se discute la lectura de Jacques Rancière sobre políticas estéticas para centrar el debate sobre el arte sublime lyotardiano y la tensión con la propuesta adorniana. El arte sublime, para François Lyotard, es aquel que posibilita el desborde de la razón por la experiencia sensible y se caracteriza por ser “pura diferencia”, una “materia inmaterial” indeterminada –en música esto se encuentra en el timbre. Se sostiene, sin embargo, que los experimentos de Pierre Schaeffer indican que en la contemporaneidad no es posible una experiencia tal. La propuesta del artículo es que se puede recuperar el pensamiento formal en las instalaciones sonoras como la síntesis que opera la razón de los fragmentos producidos por la imaginación historizada que penetra al interior de aquello “indeterminado”.Este artigo visa refletir sobre o problema da forma dentro de um tipo específico de instalações sonoras e a sua implicação política. Considera-se que uma concepção historicizada da imaginação permite romper o continuum destemporalizado e indeterminado daqueles dispositivos artísticos e reconstruir as relações materiais ali cifradas. Nesse sentido propomos articular a análise empírica de algumas instalações sonoras a partir de um enquadramento teórico baseado na proposta de Jacques Rancière sobre políticas estéticas, focando no debate lyotardiano sobre a arte sublime e na tensão com a proposta adorniana. A arte sublime, segundo François Lyotard, é aquela que torna possível o transbordar da razão pela experiência sensível, caracterizado-se por ser “pura diferença”, uma “matéria imaterial” indeterminada, que na música se encontra no timbre. Porém as propostas de Pierre Schaeffer indicam que na contemporaneidade não é possível tal experiência. Este artigo propõe que é possível recuperar o pensamento formal em instalações sonoras enquanto síntese que opera sobre a razão dos fragmentos produzidos pela imaginação da consciência historicizada que penetra ao interior do “indeterminado”.This paper reflects on the problem of form and its political implications in some specific kind of sound installations. It is argued that a historized conception of imagination allows us to tear through the detemporalized continuum of such artistic devices thus grasping the material relationships ciphered in them. In order to do that an articulation between the empirical analysis of some sound installations and a theoretical journey is proposed. At first, Jacques Rancière’s thesis on politics of aesthetics are discussed, especially his contraposition between François Lyotard’s aesthetics of the sublime and Theodor Adorno’s stance on art as critique. Sublime art is, for Lyotard, one that allows reason to be exceeded by sensitive experience and is characterized as being “pure difference”, an indeterminate “immaterial matter” –which, in music, can be found in timbre. It is argued, however, that Pierre Schaeffer’s experiments indicate that today such an experience is not possible. This article posits that formal thought can be found in sound installations as the synthesis that reason elaborates from the fragments produced by a historical imagination, which can penetrate the “indeterminate”

Innervation and Second Technology in Vilanos by Luciano Azzigotti

En este trabajo nos proponemos pensar la obra Vilanos, para dos flautas amplificadas, del compositor argentino Luciano Azzigotti, volviendo sobre los conceptos benjaminianos de “inervación” y “segunda técnica”. La apuesta consiste en poner en juego estas categorías, las cuales han sido vastamente retomadas para pensar el cine, y transponerlas a la reflexión sobre música, para acercarnos, desde una perspectiva poco explorada, a un problema central de la Nueva Música: el uso de medios técnicos electrónicos. Consideramos que en la obra de Azzigotti el modo particular de amplificación - un pequeño micrófono de condensador colocado adentro de cada una de las flautas y un compresor en la amplificación-, tienen un papel decisivo, tanto en la construcción de la pieza, cuanto en su recepción. Podemos escuchar en detalle todos los sonidos de las llaves, las articulaciones más sutiles de los intérpretes en la embocadura, e incluso acoples que se producen debido a la preparación de la flauta. De este modo, las singularidades de la pieza apelan a un modo específico de interacción entre el cuerpo del intérprete y el instrumento musical, volviendo sobre reflexiones en torno a Marx y la relación entre la tecnología y lo humano. Con estos elementos se procura, no solo decir algo sobre Vilanos, sino en avanzar en una propuesta de reflexión que pueda captar algunas implicancias políticas y filosóficas de los usos de la técnica en las obras musicales, un aspecto central en la composición de Nueva Música en la actualidad.In this paper we aim to analyse Vilanos for two amplified flutes in C, by Argentinian composer Luciano Azzigotti, through Walter Benjamin’s concepts of “innervation” and “second technology”. We attempt to rethink these categories, which have been extensively applied to cinema, and transpose them into the reflection on music, in order to approach, from an scarcely explored perspective, a central problem of New Music: the use of electronic media. We posit that in Azzigotti’s work the particular way the instruments are amplified -i.e.: through a condenser microphone inserted inside each flute- has a decisive role in the construction of the piece and in it’s reception. We can hear with utmost detail all key clicks, subtle changes in embochure and even feedback sounds produced due to the flute preparation. Thus the singularities of the piece direct our attention to a specific modus of interaction between the performer’s body and the musical instrument, demanding us to reconsider Marx’s ideas about the relationship between humans and technology. Hence what we intend is, not only to say something about Vilanos, but to contribute in providing tools to reflect on political and aesthetical implications of technology in New Music today.Asociación Argentina de MusicologíaFacultad de ArtesInstituto Nacional de Musicología "Carlos Vega

“...el ruido de lo roto...”: Un estudio sobre OID de Juan Pampin

La obra OID para piano, electrónica en tiempo real y video del compositor argen- tino Juan Pampin (n. 1967) es un homenaje a Darío Santillán y Maximiliano Kosteki. Consiste en una serie de elaboraciones sobre la introducción de la versión para piano del Himno Nacional Argentino, que, de acuerdo al compositor, contiene la cifra del destino catastrófico argentino.Sin dejar de lado los dichos del compositor, proponemos que la obra de Pampin es una lectura singular de la Argentina post-2001, en el plano musical. Esto significa que esta música no testimonia (solo) una ‘catástrofe’, sino que también abre una hendija para la emergencia de una nueva perspectiva, una potencia emancipatoria para repensar el presente y el porvenir.Para abordar esta operación estético-política apelamos a la lectura adorniana de la obra de Gustav Mahler en la medida que sugiere pistas para comprender el trabajo des- tructivo-constructivo de la composición. Es a partir de estas herramientas que exploramos un análisis de algunos momentos de la pieza en los que se imbrica la técnica con la apuesta estética que aquí se reconstruye. No se trata de reconciliar la identidad nacional partida, sino de abrazar esa fractura, su deformidad y amplificarla para así habilitar un punto de fuga que dé voz a los vencidos.OID is an homage to Darío Santillán and Maximiliano Kosteki by Argentinian composer Juan Pampin (b. 1967). The piece, scored for piano, live electronics, and video consists of a set of variations on the introduction of the piano version of the Argentinian National Anthem, which, according to the composer, ciphers the Argentinian catastrophic destiny. Not ignoring the composer’s ideas on his piece, we propose that OID offers a singular –musical– perspective of post-2001Argentina. This means that the music is not (just) the testimony of a ‘disaster’, but it also opens a crack which allows for the emergency of a new perspective, an emancipatory power to aid us in rethinking the present and the future. To go through this aesthetic political operation, we analyze Pampin’s piece by looking for moments where compositional technique and aesthetic discourse intersect. To do this, we follow Theodor Adorno’s critique of Gustav Mahler, which gives us clues to understand the destructive-constructive process that of this work. It is not about reconciling our broken national identity, but to embrace this fracture, its deformity, and to amplify it, thus providing a way to allow the defeated to speak up.Fil: Halaban, Daniel Enrique. Universidad Provincial de Cordoba. Facultad de Arte y Diseño.; Argentina. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento de Musica; Argentina. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas. Centro Científico Tecnológico Conicet - Córdoba. Instituto de Humanidades. Universidad Nacional de Córdoba. Instituto de Humanidades; Argentin

“...el ruido de lo roto...”: Un estudio sobre OID de Juan Pampin

La obra OID para piano, electrónica en tiempo real y video del compositor argen- tino Juan Pampin (n. 1967) es un homenaje a Darío Santillán y Maximiliano Kosteki. Consiste en una serie de elaboraciones sobre la introducción de la versión para piano del Himno Nacional Argentino, que, de acuerdo al compositor, contiene la cifra del destino catastrófico argentino.Sin dejar de lado los dichos del compositor, proponemos que la obra de Pampin es una lectura singular de la Argentina post-2001, en el plano musical. Esto significa que esta música no testimonia (solo) una ‘catástrofe’, sino que también abre una hendija para la emergencia de una nueva perspectiva, una potencia emancipatoria para repensar el presente y el porvenir.Para abordar esta operación estético-política apelamos a la lectura adorniana de la obra de Gustav Mahler en la medida que sugiere pistas para comprender el trabajo des- tructivo-constructivo de la composición. Es a partir de estas herramientas que exploramos un análisis de algunos momentos de la pieza en los que se imbrica la técnica con la apuesta estética que aquí se reconstruye. No se trata de reconciliar la identidad nacional partida, sino de abrazar esa fractura, su deformidad y amplificarla para así habilitar un punto de fuga que dé voz a los vencidos.OID is an homage to Darío Santillán and Maximiliano Kosteki by Argentinian composer Juan Pampin (b. 1967). The piece, scored for piano, live electronics, and video consists of a set of variations on the introduction of the piano version of the Argentinian National Anthem, which, according to the composer, ciphers the Argentinian catastrophic destiny. Not ignoring the composer’s ideas on his piece, we propose that OID offers a singular –musical– perspective of post-2001Argentina. This means that the music is not (just) the testimony of a ‘disaster’, but it also opens a crack which allows for the emergency of a new perspective, an emancipatory power to aid us in rethinking the present and the future. To go through this aesthetic political operation, we analyze Pampin’s piece by looking for moments where compositional technique and aesthetic discourse intersect. To do this, we follow Theodor Adorno’s critique of Gustav Mahler, which gives us clues to understand the destructive-constructive process that of this work. It is not about reconciling our broken national identity, but to embrace this fracture, its deformity, and to amplify it, thus providing a way to allow the defeated to speak up.Fil: Halaban, Daniel Enrique. Universidad Provincial de Cordoba. Facultad de Arte y Diseño.; Argentina. Universidad Nacional de Córdoba. Facultad de Artes. Departamento de Musica; Argentina. Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas. Centro Científico Tecnológico Conicet - Córdoba. Instituto de Humanidades. Universidad Nacional de Córdoba. Instituto de Humanidades; Argentin