Emerging contemporary artists: a comparative study of Ertibil Bizkaia and Arteshop Bilbao

Ertibil Bizkaia and Arteshop Bilbao are two publicly financed institutional calls for the promotion of emerging artists in the context of the Basque Country, with both distinct and similar characteristics. In this paper, we examine the regulations that base the functioning of these calls to analyse the distribution of the budgets both programmes allocate to compensate for the work of the participant artists, during the period from 2012 and 2016. We also pay attention to the results of the competitive tenders of the artists in terms of concurrence and participation. The results confirm the main features of Thorsby’s theory of artists’ work preference (1994) and Frank and Cook’s (1995) theory of winner-take-all markets.; Ertibil Bizkaia y Arteshop Bilbao son dos convocatorias institucionales financiadas con fondos públicos, para la promoción de artistas emergentes en el contexto del País Vasco, con características tanto distintivas como similares. En este trabajo, examinamos las regulaciones en las que se basan el funcionamiento de estas convocatorias, para analizar la distribución de los presupuestos que ambos programas asignan ala compensación del trabajo de los artistas participantes, durante el período comprendido entre 2012 y 2016. También prestamos atención a los resultados de las licitaciones competitivas de los artistas en términos de concurrencia y participación. Los resultados confirman las principales características de la teoría de Thorsby sobre la preferencia de trabajo de los artistas (1994) y la teoría de Frank y Cook (1995) sobre los mercados donde el ganador se lleva todo

Arte y Precariedad. Nociones, preceptos, apegos, contextos, experiencias

381 p.En esta tesis defiendo la hipótesis central que plantea que, a pesar del valor que la sociedad y las intstituciones otorgan al arte, la gran mayoría de las personas que realizan una actividad artística profesional no reciben una compesación justa, ni equilibradas,que les permita llevar una vida digna. Mantengo el foco en dos objetivos fundamentales; 1) la obtención de evidencia empirica cuantificable, para dar cuenta de la situación de precaridad que caracteriza a una mayoría de artistas contemporáneos en España y el País Vasco, y 2) la localización y realización de propuestas artísticas que ofrecen interrogantes y/o respuestas a la problemática planteada.Para ello, me baso tanto en metodologìas cualitativas, como cuantitativas, con una fuerte voluntad interdisciplinar. Esta me hace recurrir a autores de diversos campos de conocimiento como el arte, la sociología, la política, la economía o la filosofía, con el fin de elaborar el marco teórico de la tesis

Axes for the quest for community art practices

Artículo resultante de las presentación presentada en el III EIRPAC - Encuentro Internacional de Reflexión sobre Prácticas Artísticas Comunitarias 2019, celebrado del 16 al 18 de septiembre en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Oporto, en Portugal, en el contexto de MEXE - Encuentro Internacional de Arte y Comunidad.[ES] Uno de los mayores desafíos a los que se enfrentan los y las artistas socialmente comprometidos, para evitar la instrumentalización de sus prácticas, a través de las estrategias estereotipadas, estandarizadoras y mercanti-listas de la política y economía neoliberal generalizada, es la evaluación precisa de los procesos que conllevan. A pesar de las dificultades de definir y clasificar tales prácticas artísticas, algunas cualificaciones, cartografías y teorías se han abierto camino en los últimos años, al profundizar en el análisis de casos particulares. Dichos estudios siguen un enfoque interdisciplinario y destacan la producción de comunidades divergentes, la transfor-mación de un contexto y el equilibrio entre los aspectos estéticos y sociales de las prácticas artísticas en cues-tión. En este texto, nos basamos en dos textos recientes en el contexto de la región de Flandes, Bélgica, para analizar y desarrollar un esquema destinado a la autor-reflexión. Dicho esquema está fundamentado en dos ejes principales, que se definen mediante vectores que eva-lúan principalmente el compromiso social, la autonomía, la artisticidad y la capacidad subversiva de las prácticas artísticas en cuestión. Encontramos que, para profundizar en el estudio de arte comunitario, y así aproximarnos de manera más precisa a su realidad, es conveniente añadir un tercer eje que refleje el grado de sostenibilidad o vulnerabilidad del mismo.[EN] One of the biggest challenges that socially committed art-ists face to avoid the tampering of their practices through the stereotyping, standardizing, and mercantilist strategies of generalized neoliberal politics and economy is the pre-cise evaluation of the processes they involve. Despite the difficulties of defining and classifying such artistic practic-es, some qualifications, cartographies, and theories have made their way in recent years, by deepening the analysis of particular cases. These studies follow an interdiscipli-nary approach and highlight the production of divergent communities, the transformation of a context, and the balance between the aesthetic and social aspects of the artistic practices in question. In this text, we rely on two recent texts in the context of the Flanders region, Belgium, to analyze and develop a scheme for self– reflection. Two main axes base this scheme, which are defined by vectors that primarily evaluate social commitment, autonomy, art-isticity, and the subversive capacity of the artistic practices in question. We find that in order to deepen the study of community art and get closer to its reality, it is convenient to add a third axis that reflects its degree of sustainability or vulnerability.- Proyecto Prekariart financiado por el Ministerio de Economía y Competitividad (MINECO), dentro del Programa de I+D+i estatal orientado a los retos de la sociedad, ref. HAR2016– 77767– R (AEI/FEDER, UE). - Equipo Gizaarte, dentro del programa de ayudas a grupos consolidados de la Universidad del País Vasco UPV/EHU, ref. GIU 18/153

El arte ya no existe, o no existe todavía...el arte falta

[EN] The title of this paper paraphrases an idea from Deleuze5 . In effect, art appears as an absence from the present culture we are sinked in. Different calls proliferate, requiring art to be present under conditions that make artistic practice be within the realm of possibility, but really far from being actual. Art needs a dimensionality impossible to be conceived by the “royal deployments of Empire (that) guarantee the contingency becomes a necessity and does not descend into disorder”6 . Public and private institutions present their programmes of artistic creativity, that imply being subjected to some values, that are set up mainly through three mechanisms os control; competitive tender, monetary judgement and communication tax. This paper exposes these mechanisms of control, that keep artistic creativity in a state of contained virtuality; “the virtuality of the real, with efective effets generated by something that doesn't fully exist”7 . Some works of creation are also presented as samples of “singular virtualities that operate the connection betwen the possible and the real” and, without become withdrawn into the traditional spaces of Art, transform the places they occupy, deconstruct these mechanisms of control, and subvert their values.[ES] El título de este trabajo parafrasea una idea de Deleuze1. En efecto, el arte aparece como una ausencia de la cultura presente en la que nos vemos sumergid*s. Proliferan convocatorias que requieren la presencia del arte, aunque bajo condiciones que mantienen la practica artística dentro de lo posible, pero bastante lejos de lo real. El arte precisa de una dimensionalidad imposible de concebir por los “regios despliegues del imperio (que) garantizan que la contingencia se convierta en necesidad y no derive en desorden”2. Tanto instituciones publicas, como privadas presentan sus programas de creatividad artística, que implican el sometimiento a ciertos valores, y que se ponen en funcionamiento mediante tres mecanismos de control principalmente; la concurrencia competitiva, el juicio monetario y el impuesto de comunicación. Esta ponencia expondrá estos tres mecanismos de control, que mantienen a la creatividad artística en una estado de virtualidad sostenida; “la realidad de lo virtual, con unos eficaces efectos generados por algo que no existe todavía en su plenitud”3. Se presentarán además algunos trabajos de creación, como muestra de “virtualidades singulares que operan la conexión entre lo posible y lo real”4 que, sin replegarse a los espacios canónigos del Arte, operan en una posición de resistencia, transformando los lugares que ocupan y deconstruyendo estos mecanismos de control sistémicos, subvirtiendo además sus valores.Cancio Ferruz, A. (2015). El arte ya no existe, o no existe todavía...el arte falta. En II CONGRESO INTERNACIONAL DE INVESTIGACIÓN EN ARTE VISUALES. Editorial Universitat Politècnica de València. 780-786. https://doi.org/10.4995/ANIAV2015..1170OCS78078

Axes for the quest for community art practices

Artículo resultante de las presentación presentada en el III EIRPAC - Encuentro Internacional de Reflexión sobre Prácticas Artísticas Comunitarias 2019, celebrado del 16 al 18 de septiembre en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Oporto, en Portugal, en el contexto de MEXE - Encuentro Internacional de Arte y Comunidad.[ES] Uno de los mayores desafíos a los que se enfrentan los y las artistas socialmente comprometidos, para evitar la instrumentalización de sus prácticas, a través de las estrategias estereotipadas, estandarizadoras y mercanti-listas de la política y economía neoliberal generalizada, es la evaluación precisa de los procesos que conllevan. A pesar de las dificultades de definir y clasificar tales prácticas artísticas, algunas cualificaciones, cartografías y teorías se han abierto camino en los últimos años, al profundizar en el análisis de casos particulares. Dichos estudios siguen un enfoque interdisciplinario y destacan la producción de comunidades divergentes, la transfor-mación de un contexto y el equilibrio entre los aspectos estéticos y sociales de las prácticas artísticas en cues-tión. En este texto, nos basamos en dos textos recientes en el contexto de la región de Flandes, Bélgica, para analizar y desarrollar un esquema destinado a la autor-reflexión. Dicho esquema está fundamentado en dos ejes principales, que se definen mediante vectores que eva-lúan principalmente el compromiso social, la autonomía, la artisticidad y la capacidad subversiva de las prácticas artísticas en cuestión. Encontramos que, para profundizar en el estudio de arte comunitario, y así aproximarnos de manera más precisa a su realidad, es conveniente añadir un tercer eje que refleje el grado de sostenibilidad o vulnerabilidad del mismo.[EN] One of the biggest challenges that socially committed art-ists face to avoid the tampering of their practices through the stereotyping, standardizing, and mercantilist strategies of generalized neoliberal politics and economy is the pre-cise evaluation of the processes they involve. Despite the difficulties of defining and classifying such artistic practic-es, some qualifications, cartographies, and theories have made their way in recent years, by deepening the analysis of particular cases. These studies follow an interdiscipli-nary approach and highlight the production of divergent communities, the transformation of a context, and the balance between the aesthetic and social aspects of the artistic practices in question. In this text, we rely on two recent texts in the context of the Flanders region, Belgium, to analyze and develop a scheme for self– reflection. Two main axes base this scheme, which are defined by vectors that primarily evaluate social commitment, autonomy, art-isticity, and the subversive capacity of the artistic practices in question. We find that in order to deepen the study of community art and get closer to its reality, it is convenient to add a third axis that reflects its degree of sustainability or vulnerability.- Proyecto Prekariart financiado por el Ministerio de Economía y Competitividad (MINECO), dentro del Programa de I+D+i estatal orientado a los retos de la sociedad, ref. HAR2016– 77767– R (AEI/FEDER, UE). - Equipo Gizaarte, dentro del programa de ayudas a grupos consolidados de la Universidad del País Vasco UPV/EHU, ref. GIU 18/153

Arte y Precariedad. Nociones, preceptos, apegos, contextos, experiencias

381 p.En esta tesis defiendo la hipótesis central que plantea que, a pesar del valor que la sociedad y las intstituciones otorgan al arte, la gran mayoría de las personas que realizan una actividad artística profesional no reciben una compesación justa, ni equilibradas,que les permita llevar una vida digna. Mantengo el foco en dos objetivos fundamentales; 1) la obtención de evidencia empirica cuantificable, para dar cuenta de la situación de precaridad que caracteriza a una mayoría de artistas contemporáneos en España y el País Vasco, y 2) la localización y realización de propuestas artísticas que ofrecen interrogantes y/o respuestas a la problemática planteada.Para ello, me baso tanto en metodologìas cualitativas, como cuantitativas, con una fuerte voluntad interdisciplinar. Esta me hace recurrir a autores de diversos campos de conocimiento como el arte, la sociología, la política, la economía o la filosofía, con el fin de elaborar el marco teórico de la tesis

Art and surplus values: Reflections on the economic and emotional fictions Daniel Silvo’s "Cómo doblar tu dinero", 2008-10 generates

[ES] Analizamos el proyecto Cómo do- blar tu dinero, 2008-10 de Daniel Silvo en relación al término plusvalía o incremento del valor de un bien por causas extrínsecas al mismo. De este análisis se despende una doble ficción; la económica — en relación al valor monetario de esta obra del artista en cuestión en el mercado del arte — y la emocio- nal — basada en las relaciones interpersona- les que se establecen mediante el intercambio de la obra.[EN] We analyze Daniel Silvo’s project Cómo doblar tu dinero, 2008-10 with regard to the term surplus value or the increase in the value of a good for extrinsic causes. From this analysis it follows a double fiction; an economic one — related to the monetary value of this artist’s work within the art market — and an emotional one — based on the interpersonal relationships established by the means of the exchanges of the artwork.MINECO HAR2016-77767-R (AEI/FEDER, UE

Engarces del término precariedad con las nociones estéticas de visualidad, relacionalidad y liminalidad

In recent times, the term precariousness has acquired a notorious centrality in innumerable discursive circuits, one of them being contemporary art. Thus, certain artistic practices and, as a consequence, particular dialectic processes that approach them, propose both formal devices and conceptual strategies to address and question the phenomenon of precariousness. In this text, we critically analyze some of the ideas raised regarding the issue of precariousness in contemporary art, more specifically linked to the notions of visuality (Ross, 2008), relationality (Bourriaud, 2009) and liminality (Van Gennep, 2008). Thereby, we principally examine how these three theoretical perspectives bind the artistic and the ethical-political aspects of art making together, to pinpoint those propositions that get closer to an idea of equilibrium in the ethical-aesthetical productivity of precariousness (Gielen, 2015). We find that whereas in the conceptions linked to visuality and relationality the purely aesthetical aspects prevail in relation to the ethical-political ones, liminality radically questions any systemic and hierarchic consensus of social institutions, due to its anti-structural character (Diéguez, 2009).En los últimos tiempos, el término precariedad ha adquirido una notoria centralidad eninnumerables circuitos discursivos, siendo uno de ellos el del arte contemporáneo. Así,en determinadas prácticas artísticas y, en consecuencia, en los procesos dialécticos de aproximación a las mismas, se vienen planteando tanto dispositivos formales como estrategias conceptuales, para abordar y cuestionar el fenómeno de la precariedad. En este texto, analizamos de manera crítica algunas de las ideas formuladas en torno a lacuestión de la precariedad en arte contemporáneo, más concretamente relacionadas conlas nociones de visualidad (Ross, 2008), relacionalidad (Bourriaud, 2009) y liminalidad (VanGennep, 2008). De este modo, examinamos principalmente de que maneras se vinculan, en las tres perspectivas teóricas propuestas, los aspectos artísticos y los ético-políticos del hacer en arte, con el fin de localizar aquellas proposiciones que más se acerquen a una idea de equilibrio en la producción ético-estética de la precariedad (Gielen, 2015). Encontramosque, mientras en las concepciones vinculadas a la visualidad y la relacionalidad prevalecen los aspectos puramente artísticos, con respecto a los ético-políticos, la liminalidad pone en cuestión de manera radical cualquier consenso sistémico y jerárquico de las instituciones sociales, debido a su carácter antiestructural (Diéguez, 2009)

Led argiztapenari buruzko hausnarketa artean: Dario Urzayk sortutako Behatzailearen sabela (Arreta-atalasea) (Afterimages) (2011) artelanaren zaharberritze-prozesuaren azterketa eta honek eragindako ikerketa- eta sorkuntza-prozesua

Testu honek led argiztapenak artean duen erabilera du ardatz. Gai horri buruzko literatura berrikusi ondoren, ikerketa gehienek led argiztapena erabiltzearen alderdi teknikoak dituztela hizpide ondorioztatu dugu. Gehien bat, artelanek erakusketa-espazioetan jasotzen duten argiztapena aztertzen dute eta ikusgai dauden obrak behar bezala argiztatzearekin, energia aurreztearekin edota prebentziozko kontserbazioarekin lotutako ikuspegiak nagusi dira. Artelanen zaharberritze-prozesuetan led argiztapena erabiltzeak dituen egiturazko inplikazioei buruzko ikerketa askorik ez dugu aurkitu, ordea. Hori dela eta, eta erakusketa-espazioetan led argiztapenaren egungo egoera aurkeztu ondoren, Dario Urzayren Behatzailearen sabela (Arreta-atalasea) (Afterimages) (2011) artelanaren zaharberritze-prozesuan sakondu eta azterketa kritikoa garatuko dugu. Azkenik, konklusio gisa, azterketa honen ondorioz hasitako ikerketa- eta sorkuntza-prozesua aurkeztu eta azalduko dugu.; This text revolves around the use of led lighting in art. After reviewing the existing literature on the matter, we found that a large majority focus mainly on technical aspects regarding lighting works of art in exhibition spaces. The approaches related to the correct lighting of the exhibited works, energy-saving, or preventive conservation stand out. However, we have not found many case studies which analyzed the structural implications of led lighting in the restoration of artworks. For this reason, after presenting the current state of led lighting in exhibition spaces, we highlight and critically analyze the restoration process of The belly of the observer (Threshold of attention) (Afterimages) (2011) by Darío Urzay. Finally, we propose and describe, by way of conclusion, a research-creation process initiated as a result of such analysis

La Práctica Artística Contemporánea como Crítica a la Noción de Trabajo en Arte

Throughout history, a large number of artists have frequently approached the labor environment and work as subjects for art. However, to a lesser extent, the artistic activity itself has been problematized as labor and/or employment. Nevertheless, in recent times we have attended an in-depth debate about the easements and limitations of artistic activity and its dependence on some established power structures. The text that we develop below raises the repercussions and contradictions of some art projects, which take as a starting point or base on the relationship art/work. Through them, it is possible to notice an awareness of the artists concerning their position in the art system, revealing common practices that highlight its precarity and the lack of a regulatory framework to protect their professional activity. Each one of these ways of proceeding projects reflections and questions we think necessary to review critically since they present sharp comments about the problems we raise in our research.A lo largo de la historia, numerosos artistas han recurrido con frecuencia al trabajo y el entorno laboral como temática. No obstante, en mucha menor medida han abordado de manera crítica la propia actividad artística en tanto que trabajo y/o empleo. En los últimos tiempos, sin embargo, asistimos a un debate profundo sobre las servidumbres y limitaciones de la actividad artística y su dependencia para con algunas estructuras de poder establecidas. En el texto a continuación, desarrollamos las repercusiones y contradicciones de algunas prácticas artísticas, que toman como punto de partida o se sustentan en la relación arte/trabajo. A través de ellas, es posible advertir una toma de conciencia de los y las artistas en relación a su posición en el sistema del arte, desvelando prácticas habituales que ponen en evidencia su precariedad y la carencia de un marco regulador que proteja su actividad profesional. Cada uno de estos modos de proceder proyecta reflexiones e interrogantes, que nos parece necesario revisar de modo crítico, ya que presentan agudos comentarios de gran interés en el contexto de las problemáticas planteadas en nuestra investigación