Les défaillances du numérique : comme matière artistique

La numérisation des images ainsi que l’emploi du numérique pour la création ouvrent de nouvelles possibilités, non seulement pour le stockage du patrimoine culturel, mais également pour la production et la diffusion visuelles, en interaction, bien sûr, avec les autres médiums. Cependant, ces moyens technologiques imposent leurs contraintes et ne recouvrent pas tout à fait les possibilités des moyens plus traditionnels. Au lieu de concevoir ces aspects comme des limites, certains artistes s’interrogent sur la spécificité des nouveaux outils (appareil photo et caméra numériques, numériseur, etc.) et exploitent leurs défaillances comme matière pour leurs expérimentations. En illustrant par des oeuvres récentes déjà renommées ainsi que par des recherches plus jeunes, nous voudrions offrir une réflexion sur l’apport novateur des images numériques qui poursuivent et relancent l’héritage imagier dans lequel elles puisent.The digitalization of images as well as the use of digital systems for their creation open new possibilities, not only for the storage of cultural heritage, but also for production and visual distribution, in interaction with other media. These technological means impose their own constraints without covering all the possibilities offered by the more traditional means. Instead of considering these aspects as limitations, certain artists wonder about the specificity of the new tools trying to use the constraints themselves as a subject for their experiments. By referring to both renowned and less known works, this essay proposes a reflection on the innovative contribution of digital images and their relationship to the visual heritage on which they draw

O anjo na arte contemporânea. Iconologia de uma presença da ausência

The angel’s iconology, in the light of Walter Benjamin and Jean-François Lyotard’s reflections on this theme, leads us to analyse both the effects of presence and a presentification of the absence that this figure enables in various media of artistic creation.A iconologia do anjo, analisada à luz das reflexões de Walter Benjamin e de Jean-François Lyotard, leva-nos a investigar os efeitos de presença e a presentificação da ausência que essa figura gera nos diversos meios da criação artística

Sur le plastique. Klänge de Wassily Kandinsky

The article aims to contribute to the exploration of the logics of the sensitive through a reflection on plasticity in aesthetics. Wassily Kandinsky’s work of art Klänge leads us to observe how matter is continuously shaped in aesthesia, supporting and accompanying the emergence of forms and figures, the creation of atmospheric effects, but also underpinning the return to properly material values and appeals. This collection of poems and engravings, occasionally triggering resonances between the visual and the verbal, is mainly a work of art that exploits what the artist calls sonority, a concept he elaborates from the poetic use of the word and extends to colour and pictorial elements, beyond any referential anchoring. The book, which is coeval with, and perhaps even a driving force behind, the transition to a so-called abstract art, is also a pivotal work of art for assessing the aesthetic turn envisaged by the artist in his theoretical writings. It prompts a reflection on plasticity that, disregarding the delimitation of the latter to certain materials or genres, also goes beyond the opposition between the abstract and the figurative, or between the plastic and the iconic. Plasticity then turns to be a key concept for the understanding of morphological dynamics and allows to note how, in aesthetic apprehension, matter is informed at various degrees of figurability.L’article se propose de contribuer à l’exploration des logiques du sensible par une réflexion sur le plastique. L’œuvre Klänge de Wassily Kandinsky amène à observer comment la matière se façonne continuellement dans l’appréhension sensible, en supportant et accompagnant l’émergence de formes et figures, la création d’effets d’ambiance, mais en étayant aussi le retour à des valeurs et attraits proprement matériels. Recueil de poèmes et gravures où se déclenchent parfois des résonances entre le visuel et le langage verbal, Klänge est avant tout une œuvre qui exploite ce que l’artiste appelle sonorité, concept qu’il élabore à partir de l’usage poétique du mot et qu’il étend à la couleur et aux éléments picturaux, au-delà de tout ancrage référentiel. Le livre, contemporain, et peut-être même moteur, du passage à un art dit abstrait, est également une œuvre charnière pour entendre le tournant esthétique envisagé par l’artiste dans ses écrits théoriques. Il incite à une réflexion sur la plasticité, qui, en faisant fi de la délimitation de celle-ci à certains matériaux ou genres, dépasse aussi l’opposition entre l’abstrait et le figuratif, ou entre le plastique et l’iconique. Le plastique se tourne alors en concept-clé pour la compréhension de dynamiques morphologiques et permet de relever comment, dans la saisie, la matière est informée à divers degrés de figurabilité.L’article se propose de contribuer à l’exploration des logiques du sensible par une réflexion sur le plastique. L’œuvre Klänge de Wassily Kandinsky amène à observer comment la matière se façonne continuellement dans l’appréhension sensible, en supportant et accompagnant l’émergence de formes et figures, la création d’effets d’ambiance, mais en étayant aussi le retour à des valeurs et attraits proprement matériels. Recueil de poèmes et gravures où se déclenchent parfois des résonances entre le visuel et le langage verbal, Klänge est avant tout une œuvre qui exploite ce que l’artiste appelle sonorité, concept qu’il élabore à partir de l’usage poétique du mot et qu’il étend à la couleur et aux éléments picturaux, au-delà de tout ancrage référentiel. Le livre, contemporain, et peut-être même moteur, du passage à un art dit abstrait, est également une œuvre charnière pour entendre du tournant esthétique envisagé par l’artiste dans ses écrits théoriques. Il incite à une réflexion sur la plasticité, qui, en faisant fi de la délimitation de celle-ci à certains matériaux ou genres, dépasse aussi l’opposition entre l’abstrait et le figuratif, ou entre le plastique et l’iconique. Le plastique se tourne alors en concept-clé pour la compréhension de dynamiques morphologiques et permet de relever comment, dans la saisie, la matière est informée à divers degrés de figurabilité

O semi-simbólico na arte

Après quelques préambules qui esquissent certaines hésitations à l’égard de la définition du semisymbolique, nous proposons de faire travailler quelques intuitions heureuses, ressortissant des écrits de ses premiers théoriciens, avec l’utilisation de matériaux artistiques hétéroclites pratiquée par le peintre et sculpteur Anselm Kiefer. Conscient de l’usage hétérodoxe que nous faisons de la notion de semi-symbolique, nous voudrions suggérer la relecture de certaines acceptions qui, à première vue, peuvent paraître fournir des précisions latérales, quasiment subsidiaires, mais qui finalement amènent à repenser la fonction opérationnelle de cette notion, de même qu’à vérifier s’il y a des appuis solides pour son évolution. L’idée, entre autres, d’une sorte de motivation partielle, qui est à la base même de la conception philosophique et sémiotique du terme, permet ainsi d’analyser et de saisir autant le mode de création et de réception du sens que les effets de déroutement des significations, qui se réalisent dans le travail esthétique de Kiefer.Depois de esboçar, preliminarmente, algumas hesitações a respeito da definição do semi-simbólico, propomos a exploração de certas intuições estimulantes provenientes dos textos de seus primeiros teóricos, mediante a utilização de materiais artísticos heterogêneos colhidos na obra do pintor e escultor Anselm Kiefer. Conscientes do uso heterodoxo que fazemos da noção de semi-simbólico, desejamos sugerir a releitura de algumas acepções, que parecem, num primeiro momento, fornecer precisões laterais ou simplesmente subsidiárias, mas que levam a repensar a função operacional dessa noção, até verificar se essas acepções encerram argumentos sólidos para sua evolução. Em particular, a concepção de uma espécie de motivação parcial, no próprio fundamento filosófico e semiótico da noção, leva a analisar e entender tanto o modo de criação e fruição do sentido quanto os efeitos de despistamento das significações que atuam na estética de Kiefer

O semi-simbólico na arte

Après quelques préambules qui esquissent certaines hésitations à l’égard de la définition du semisymbolique, nous proposons de faire travailler quelques intuitions heureuses, ressortissant des écrits de ses premiers théoriciens, avec l’utilisation de matériaux artistiques hétéroclites pratiquée par le peintre et sculpteur Anselm Kiefer. Conscient de l’usage hétérodoxe que nous faisons de la notion de semi-symbolique, nous voudrions suggérer la relecture de certaines acceptions qui, à première vue, peuvent paraître fournir des précisions latérales, quasiment subsidiaires, mais qui finalement amènent à repenser la fonction opérationnelle de cette notion, de même qu’à vérifier s’il y a des appuis solides pour son évolution. L’idée, entre autres, d’une sorte de motivation partielle, qui est à la base même de la conception philosophique et sémiotique du terme, permet ainsi d’analyser et de saisir autant le mode de création et de réception du sens que les effets de déroutement des significations, qui se réalisent dans le travail esthétique de Kiefer.Depois de esboçar, preliminarmente, algumas hesitações a respeito da definição do semi-simbólico, propomos a exploração de certas intuições estimulantes provenientes dos textos de seus primeiros teóricos, mediante a utilização de materiais artísticos heterogêneos colhidos na obra do pintor e escultor Anselm Kiefer. Conscientes do uso heterodoxo que fazemos da noção de semi-simbólico, desejamos sugerir a releitura de algumas acepções, que parecem, num primeiro momento, fornecer precisões laterais ou simplesmente subsidiárias, mas que levam a repensar a função operacional dessa noção, até verificar se essas acepções encerram argumentos sólidos para sua evolução. Em particular, a concepção de uma espécie de motivação parcial, no próprio fundamento filosófico e semiótico da noção, leva a analisar e entender tanto o modo de criação e fruição do sentido quanto os efeitos de despistamento das significações que atuam na estética de Kiefer

La vibration comme force morphogénétique de création : le dynamisme architectonique dans l’œuvre de Peter Eisenman

Cet article analyse les moments sémiotiques de la vibration, conçue comme force génératrice de formes. En ce sens, la vibration paraît ramener l’idée de structure au plus près de la matérialité de l’œuvre puisque, comme l’expliquait Paul Klee, elle en détermine à la fois la disposition topologique et le dynamisme. Elle travaille l’architecture de Peter Eisenman, où une élaboration diagrammatique croise l’expérience d’un mouvement confondant ou blurring. Compte tenu de la difficulté de réduire la morphologie produite par vibration à la trace ou à l’empreinte, ce phénomène peut être compris par rapport à la question de l’intelligibilité du sensible

Sur le plastique. Klänge de Wassily Kandinsky

L’article se propose de contribuer à l’exploration des logiques du sensible par une réflexion sur le plastique. L’œuvre Klänge de Wassily Kandinsky amène à observer comment la matière se façonne continuellement dans l’appréhension sensible, en supportant et accompagnant l’émergence de formes et figures, la création d’effets d’ambiance, mais en étayant aussi le retour à des valeurs et attraits proprement matériels. Recueil de poèmes et gravures où se déclenchent parfois des résonances entre le visuel et le langage verbal, Klänge est avant tout une œuvre qui exploite ce que l’artiste appelle sonorité, concept qu’il élabore à partir de l’usage poétique du mot et qu’il étend à la couleur et aux éléments picturaux, au-delà de tout ancrage référentiel. Le livre, contemporain, et peut-être même moteur, du passage à un art dit abstrait, est également une œuvre charnière pour entendre du tournant esthétique envisagé par l’artiste dans ses écrits théoriques. Il incite à une réflexion sur la plasticité, qui, en faisant fi de la délimitation de celle-ci à certains matériaux ou genres, dépasse aussi l’opposition entre l’abstrait et le figuratif, ou entre le plastique et l’iconique. Le plastique se tourne alors en concept-clé pour la compréhension de dynamiques morphologiques et permet de relever comment, dans la saisie, la matière est informée à divers degrés de figurabilité

Métavisuel et perception : Une investigation sur la définition d’une fonction sémiotique en art

En reprenant notre théorisation d’un métavisuel dans l’art, nous proposons d’approfondir les modalités d’intégration de la perception dans une sémiotique descriptive. Avec une référence à la pensée créatrice de Paul Klee, nous voudrions attester qu’une compréhension métasémiotique peut se faire sans nécessairement s’éloigner du champ du sensible et qu’au contraire un discours enraciné dans le même domaine d’expression que l’objet analysé facilite l’appréhension de celui-ci et la détermination métasémiotique de l’émergence d’un sens en art.Expanding on our metavisual theory of art, we propose an in-depth study of how perception is integrated in descriptive semiotics. With reference to Paul Klee’s thinking eye, we aim to establish that a metasemiotic understanding can be attained within the field of the sensible, as much as a discourse which is embedded in the same expressive domain of the analysed object enables its comprehension and the metasemiotic determination of an emerging meaning in art

Sur le plastique. Klänge de Wassily Kandinsky

L’article se propose de contribuer à l’exploration des logiques du sensible par une réflexion sur le plastique. L’œuvre Klänge de Wassily Kandinsky amène à observer comment la matière se façonne continuellement dans l’appréhension sensible, en supportant et accompagnant l’émergence de formes et figures, la création d’effets d’ambiance, mais en étayant aussi le retour à des valeurs et attraits proprement matériels. Recueil de poèmes et gravures où se déclenchent parfois des résonances entre le visuel et le langage verbal, Klänge est avant tout une œuvre qui exploite ce que l’artiste appelle sonorité, concept qu’il élabore à partir de l’usage poétique du mot et qu’il étend à la couleur et aux éléments picturaux, au-delà de tout ancrage référentiel. Le livre, contemporain, et peut-être même moteur, du passage à un art dit abstrait, est également une œuvre charnière pour entendre le tournant esthétique envisagé par l’artiste dans ses écrits théoriques. Il incite à une réflexion sur la plasticité, qui, en faisant fi de la délimitation de celle-ci à certains matériaux ou genres, dépasse aussi l’opposition entre l’abstrait et le figuratif, ou entre le plastique et l’iconique. Le plastique se tourne alors en concept-clé pour la compréhension de dynamiques morphologiques et permet de relever comment, dans la saisie, la matière est informée à divers degrés de figurabilité

L’émergence d’une psychophysique de la perception en art

Des considérations psychophysiques interviennent dans l’appréhension d’une oeuvre d’art. L’évolution d’une conception psychophysique, dont l’émergence date au moins de la fin du xixe siècle, a d’ailleurs joué sur l’éclosion de l’abstraction. Après avoir brièvement reparcouru les racines de l’art abstrait en tant que mouvement historique, l’étude envisage les avancées qui se produisaient à cette époque dans la réflexion sur la perception : les apports des théories de l’empathie et de la psychophysique qui influençaient autant les artistes que les théoriciens de l’art et de la vision.L’analyse d’un tableau de Wassily Kandinsky, Moscou I (place rouge) de 1916, donne enfin à voir quelques enjeux esthétiques et sémiotiques de la perception. À la limite ou en-deçà du seuil d’iconicité, ce tableau laisse en fait saisir comment l’abstraction, plus qu’un dépassement tout court de la figuration, travaille une conception organique du champ perceptif. Tout en l’insérant dans le contexte contemporain et dans les réflexions et l’oeuvre de cet artiste, l’approfondissement de ses dynamiques et effets perceptifs témoigne de leur participation profonde au sens du tableau.Psychophysical considerations enter into the understanding of a work of art. The evolution of a concept of psychophysics, which dates to the end of the 19th century at least, has moreover played a role in the flowering of the abstract movement. After a brief survey of the roots of abstract art as an historic movement, this study will focus on advances made at the time concerning thinking on perception - the contributions of theories of empathy and psychophysics which influenced both artists and theorists of art and vision.The analysis of a painting by Wassily Kandinsky, Moscou I (place rouge) from 1916, highlights some aesthetic and semiotic issues concerning perception. Bordering on iconicity, this painting makes it possible to grasp how abstraction, more than simply transcending protrayal, formed an organic concept of the field of perception. This concept was integrated into the thought, work and historical context of this artist, and the intensification of his dynamics and perceptive effects bears witness to their profound contribution to the meaning of the painting