CARTAS para RENATO COHEN: ontología borrada

[EN] We investigated the issue raised by the art museums on documents of contemporary art, in particular the performance art. Our conceptual universe is based on the theory of the file from Schechner, Phelan, Taylor, and more recently Rebecca Schneider and Renato Cohen points of view. We support the idea of an ontology removed for performance and discuss the concepts of "presence" "relics of performance" and "repertoire".[ES] Se investigó la cuestión planteada por los museos de arte sobre los documentos de arte contemporáneo, en particular, el performance arte. Nuestro universo conceptual se basa en la teoría del archivo desde el punto de vista de Schechner, Phelan, Taylor, Deleuze y, más recientemente, Rebecca Schneider y Renato Cohen. Apoyamos la idea de una ontología borrada para la performance y discutimos los conceptos de "presencia", "reliquias de performance" y "repertorio"Ciotti, N. (2015). CARTAS para RENATO COHEN: ontología borrada. En II CONGRESO INTERNACIONAL DE INVESTIGACIÓN EN ARTE VISUALES. Editorial Universitat Politècnica de València. 809-814. https://doi.org/10.4995/ANIAV2015.1389OCS80981

Entrevista com Jan Fabre acerca da obra Mount Olympus (uma performance de 24 horas de duração)

Em decorrência da pesquisa de campo para construção da minha dissertação de mestrado, no intuito de poder compreender melhor o modus operandi do diretor transdisciplinar belga Jan Fabre, transcrevo traduzida a entrevista que me foi concedida após o término do seu trabalho teatral de 24 horas de duração – Mount Olympus. Enquanto espectador da obra apresentada em janeiro de 2016 em Antuérpia-Bélgica, questões se fizeram salientes em minhas sinapses, que se torna material para se pensar sobre o teatro contemporâneo

Críticos teatrais em ação: luta e organização política em prol da modernidade cênica brasileira

Nos palcos, Vestido de Noiva de Nelson Rodrigues marca o advento da modernidade cênica brasileira, e entre os espectadores comuns, críticos atentos a difundir a nova tendência. Contudo, os críticos teatrais não se restringiram a profissão que exerciam, mas assumiram também o exercício político na medida em que reivindicaram a emancipação da própria atividade e da arte Teatral em diversas situações. Através de pesquisa bibliográfica para uma reconstituição histórica, reconhece-se que a criação de organizações institucionais em São Paulo e Rio de Janeiro, como ABCT, APCT e CICT, foram uma das ações desenvolvidas em prol destes objetivos.

O TEATRO TRANSDISCIPLINAR DE JAN FABRE

RESUMO O presente ensaio vislumbra compreender as metamorfoses sofridas no teatro a partir da obra The Power of Theatrical Madness do artista belga Jan Fabre. É intenção, apresentar esse artista e desmembrar características do trabalho citado. Trata-se de uma obra específica, mas cuja análise crítica acaba por denunciar o modus operandi de Fabre como um todo. Desenvolvendo reflexões no campo das artes sobre as possibilidades (ou necessidades) do teatro para além do texto clássico (aristotélico) e das separações homogêneas das linguagens artísticas como já nos indicara Lehmann em seus estudos sobre o teatro pós-dramático. Palavras-chave: Teatro pós-dramático; Jan Fabre; The Power of Theatrical Madness; Corpo; Metamorfose. ABSTRACT The present study aims to understand the metamorphosis suffered in theater from the perspective of The Power of Theatrical Madness of the Belgian artist Jan Fabre. It’s the intention to introduce this artist and use his work as a base for I can dismember the features of Jan Fabre’s artwork. It’s a specific work, however this critical analysis turns out to reveal Fabre’s modus operandi as a whole. Developing considerations in the arts of the possibilities (or needs) of the theater beyond the classic text (Aristotelic) and homogeneous separation of artistic languages as already indicated Lehmann in his studies of post-dramatic theater. Keywords: Post-Dramatic Theater; Jan Fabre; The Power of Theatrical Madness; Body; Metamorphosis

A construção da autocrítica em Nelson Rodrigues

A autocrítica, como variante da crítica de arte, é um processo reflexivo que eleva o sujeito a questões cada vez mais complexas em relação a sua criação. Para a autocrítica ser identificada é preciso que haja uma matéria resultante da reflexão, passível de ser partilhada com outrem, podendo se constituir de diversas formas, entre elas, pela linguagem verbal ou artística. Identificaremos a partir de escritos autobiográficos do dramaturgo Nelson Rodrigues a presença desse peculiar artifício reflexivo sobre suas próprias obras teatrais. 

Autocrítica dirigida com artistas-trabalhadores(as): uma proposta metodológica a partir da Psicologia Histórico-Cultural

Resumo Neste artigo apresentamos uma metodologia de pesquisa e intervenção baseada na Psicologia Histórico-Cultural, denominada Autocrítica dirigida. Destina-se, a priori, ao território artístico, partindo da confrontação do artista frente a(s) sua(s) própria(s) obra(s). Nela identifica-se processos de alienação-emancipação que interferem na Vivência do(a) artista-trabalhador(a) no contexto do sistema capitalista. Elucidamos os fundamentos e aplicabilidade, a partir da unidade sistêmica da Vivência (Perejivânie) e delimitamos o caráter interventivo do método por possibilitar um sujeito mais consciente sob vários aspectos de sua vida laboral artística, no desenvolvimento de estratégias de enfrentamento às limitações e no encontro de matéria criativa para suas obras

AURITA: UMA PERSONA DESPROVIDA DE OBRA

Esta pesquisa tem como objetivo geral performar as dores e os afetos que circundam o feminino, a partir de uma dinâmica diretamente vinculada às narrativas familiares associadas à violência, aos traumas e às resistências. Os objetivos especí­ficos da pesquisa visam à reflexão sobre a persona, construí­da de forma hí­brida e ficcional, por meio do atravessamento que ocorre diante da pessoalidade que se apresenta no encontro com a memória mediante os exercí­cios de ressignificação da materialidade. Estou interessada na questão de como a performance imprime uma transgressão especí­fica diante da realidade, mudando a perspectiva de espaço e tempo, o que permite experiências que enquadram o passado, o presente e até o futuro. A partir disso, compreendo a pesquisa como uma criação diária, como um processo repetitivo que tende a aumentar potencialidades por meio de interações com o espaço e os elementos da cena. Deste modo, faz-se necessária a utilização de metodologias abertas, que evidenciam a discussão sobre dinâmica epistemológica, pois levam em consideração as demandas especí­ficas que envolvem o lidar com um objeto de estudo vivo, 'não passivo'. O processo artí­stico é uma espécie de "instauração" , isto é, um estado criativo que permanece em contí­nuo desmantelamento e que expressa metamorfoses da "persona" , que se mantém fluida, em processo e desprovida da obra de arte

AURITA: UMA PERSONA DESPROVIDA DE OBRA

Esta pesquisa tem como objetivo geral performar as dores e os afetos que circundam o feminino, a partir de uma dinâmica diretamente vinculada às narrativas familiares associadas à violência, aos traumas e às resistências. Os objetivos específicos da pesquisa visam à reflexão sobre a persona, construída de forma híbrida e ficcional, por meio do atravessamento que ocorre diante da pessoalidade que se apresenta no encontro com a memória mediante os exercícios de ressignificação da materialidade. Estou interessada na questão de como a performance imprime uma transgressão específica diante da realidade, mudando a perspectiva de espaço e tempo, o que permite experiências que enquadram o passado, o presente e até o futuro. A partir disso, compreendo a pesquisa como uma criação diária, como um processo repetitivo que tende a aumentar potencialidades por meio de interações com o espaço e os elementos da cena. Deste modo, faz-se necessária a utilização de metodologias abertas, que evidenciam a discussão sobre dinâmica epistemológica, pois levam em consideração as demandas específicas que envolvem o lidar com um objeto de estudo vivo, 'não passivo'. O processo artístico é uma espécie de “instauração”, isto é, um estado criativo que permanece em contínuo desmantelamento e que expressa metamorfoses da “persona”, que se mantém fluida, em processo e desprovida da obra de arte

Políticas do espaço: desordem e emergências da performance

A performance, como prática corporal extra cotidiana, desloca a percepção territorial dos espaços, criando intervenções que perturbam a ordem, questionam a estabilidade dos lugares, seus símbolos, usos e formas de controle. Neste texto, apresentamos as falas e os debates da mesa “Políticas do Espaço: desordem e emergências da performance”, sobre a performance em situação de intervenção urbana como instância política de percepção do espaço, que coloca em jogo a emergência de coletividades temporárias. Assim, procurou-se revisar o conceito de linguagem cênica por meio da análise de manifestações que problematizam questões estéticas e éticas do cotidiano nas cidades, através de ações coletivas e ocupações experimentais como protestos, processos de apropriação dos espaços, subversão dos lugares e deslocamentos territoriais. ABSTRACT Performance, as a non-everyday embodied practice, displaces the territorial perception of spaces, creating interventions that disturb order, question the stability of places, their symbols, uses and forms of control. In this text we present the talks and debates of the roundtable “Politics of Space: disorder and emergencies of the performance”, dealing with performances in an urban intervention situation as a political instance of perception of space that put at stake the emergence of temporary collectivities. Thus, we sought to revise the concept of scenic language through the analysis of manifestations that problematize aesthetic and ethical issues in daily of the cities, through collective actions and experimental occupations such as protests, processes of appropriation of spaces, subversion of places and territorial displacements. KEY WORDS: Intervention, performance, space, politics

How We Teach Performance Art : University Courses and Workshop Syllabus

"42 different approaches to transmit the generative source of creativity in live action by internationally experienced practitioners, teachers and theorists of performance art from 21 countries." -- Publisher's website