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Tomas, David

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McIntosh, David

ROBERT HOULE enuhmo andúhyaun (the road home)September 7 to October 12, 2012curator Mary Reid editor Heidi Harms designer Kristina Nordstrom printer Dave’s Quick Print, WinnipegSchool of Art Gallery University of Manitoba 180 Dafoe Road 255 ARTlab Winnipeg, MB  R3T 2N2  Canada umanitoba.ca/schools/art facebook.com/uManitobaSchoolofArt© The School of Art Gallery, the Writer, the Artist, 2012. Permission has been obtained for photographed artwork contained herein. Printed in Canada.Cover image credit:  Robert Houle (Saulteaux, b. 1947), (detail) the road home from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cm1Almost exactly three years ago, on a typical Toronto August day of blazing sun, searing heat and oppressive humidity, I was sitting in Robert Houle’s downtown garden, on one of my regular studio visits to catch up with my old friend and to see his latest work. That afternoon Robert showed me a series of twenty-four new drawings, oilstick on paper, that were unlike any of his previous work. In fact, I was the first person to see these drawings. I remember being overwhelmed by their garish colour palette: gaudy turquoise, muddy uhpé guhnoodezowan when I speak to myself David McIntoshAugust 6, 2012Language, sound and meaning, the natural order, the supernatural, inseparable and indissoluble, a window to memory, is the technique of orally handing down a narrative. Language is the listener’s recollection, the history affecting the meaning through association and suggestion. Memory and language, speaking and hearing its specific cognitive conceits codified to represent time and space, its rhythmical and syntactical structure transcending the ways of resolving the opposition between unity and multiplicity, translate the oral to an image, becoming the unifying creative conduit for the human spirit.11 Robert Houle, “Anishnabe Supernova,” in Copper Thunderbird: The Art of Norval Morrisseau (Toronto: Westerkirk Works of Art, 2012), 101–102.23brown, unrepentant black. The drawing style was equally shocking and uncharacteristic, mixes of slashes and broad renderings, visceral and assured, figurative and gestural simultaneously. And I remember the grotesque amorphous presences in the work made me shiver with fear on that searing hot day. These twenty-four drawings are memories of Robert’s residential school experiences from over fifty years ago, depicting three main subjects: the school playground; beds in the dormitory; and religious figures. All have titles in English written in pencil in the lower left corner while some have Anishnabe words written into them: kekenoühmáhdá-wegummig on a drawing of the residential school titled schoolhouse; nebáwin on a drawing of a dormitory bed titled sleep; and uhnúhmeahkazoo on a drawing of a monstrous kneeling priest titled pretending to pray.2 I knew that Robert had attended the residential school at Sandy Bay First Nation/Kawikwetawankak, but we’d never really talked about his experience and none of his subsequent work, addressed it overtly. But with these drawings he confronted and overcame, in his words, the “fear and shame” of his residential school experience that he had held inside since he was a young boy. That sunny summer day in his garden, Robert 2 All Anishnabe words and spellings are by Robert Houle based on Rev. Edward F. Wilson’s The Ojebway Language: A Manual for Missionaries and Others Employed Among The Ojebway Indians (Toronto: Roswell & Hutchison for the Venerable Society for Promoting Christian Knowledge, 1874). http://www.umich.edu/~ojibwe/resources/Wilson%20Dictionary.pdfdisclosed that he was taken away from his family by the priest who ran the school, and the agent who ran the regional administration for the Department of Indian and Northern Affairs for his reserve, when he was seven years old. He was physically, spiritually and sexually abused during his elementary school years by the Sisters of Saint Joseph of Sainte-Hyacinthe and the lay brothers of the Oblates of Mary Immaculate. I remember sharing tears and anger with Robert that afternoon as we looked at the drawings and as he spoke. His courageous drawings and words were for him “recuperated time” and they form the foundation for the exhibition Robert Houle: enuhmo andúhyaun (the road home).A remarkable feature of this set of drawings is the sense of movement, of transitional spaces. There are six drawings of the school playground depicting almost the same landscape, but there is a change of position and perspective in each one, concluding with the fear, in which a black figure, a predator, appears. Similarly, there are eight drawings of beds in the dormitory, each drawn from a different position and perspective, concluding with night predator, in which a dark figure crouches behind a bed. Robert explained that as he changed perspective within his memory for each drawing, hidden characters were revealed and increasingly detailed memories of his abuse and his abusers took form. As he drew with his floating eye, he moved through remembered space to peer inside of and behind the visualizations of his memories in each successive drawing, almost like key 4frames in an animated film, crucial moments in a full-motion version yet to come. And as he moved and drew, he spoke to himself in Anishnabe, his mother tongue, which he was punished for speaking in residential school, but which he and his family fought to continue speaking and now gave him access to even more detailed memories and their expression. Together, language and memory are combined in a process of movement, transition and transformation, a process which underpins all the works in the exhibition, culminating in Sandy Bay Indian Residential School IV (2012), a series of six panels, sensually painted and glazed to a shimmering gloss in Robert’s preferred palette of reds and magentas, hung on a painted recreation of the old school walls.3 Through the entire series of artworks in this exhibition, Robert proposes a dynamic, shifting process for engaging language, memory and image to assert truth, survival and transformation.Robert’s experience and artistic process inform and extend a larger historical process of dealing with the legacy of residential school abuses that includes varied forms of personal and collective remembering, ranging from the 1998 publication of the book Flowers on My Grave,4  an account of the suicide of a boy victimized 3 The residential school was burned to the ground in the early 1970s.4 Ruth Teichroeb, Flowers on My Grave: How an Ojibwa Boy’s Death Helped Break the Silence on Child Abuse (Toronto: HarperCollins, 1997).56by multi-generational residential school violence on Robert’s reserve and which informs his earlier Sandy Bay painting, to the current Truth and Reconciliation Commission (TRC), which began taking testimony from residential school survivors across Canada in 2011 and which conceives of “the truth telling and reconciliation process as part of an overall holistic and comprehensive response to the Indian Residential School legacy.” 5  Robert has chosen not to participate in the work of the TRC, largely due to the prominence of the concept of “reconciliation” in the Commission’s process, a concept Robert describes as “an imposed Judeo-Christian concept of forgiveness” that elides and excludes indigenous peoples’ concepts of memory and transformation. For Robert, a more meaningful concept than forgiveness is pahgedenaun, an Anishnabe term that translates roughly to English as “let it go from your mind” and which appears in the painting titled people in Sandy Bay Residential School I. Pahgedenaun is a self-defining and self-determining act while forgiveness is an act of submission to the will of others. We see the dynamics of pahgedenaun at play in the transformations from the grotesqueness of works like uhnúhmeahkazoo—pretending to pray to the inner strength and resolution of Sandy Bay Indian Residential School IV.5 Truth and Reconciliation Commission http://www.trc.ca/websites/trcinstitution/index.php?p=778Another concern with the TRC process relates to justice, a term that is noticeably absent from this and every other TRC’s title. Historically, TRCs have been implemented in societies that have experienced mass violence but are undergoing rapid, radical change, transitioning to a new state. The purpose of most TRCs is to enact what has been termed “transitional” or “restorative” justice in situations where abuses are so widespread that it is thought to be difficult to distinguish perpetrator from victim, and to minimize acts of reprisal by newly empowered victims of mass violence. The South African TRC, the original such process, was implemented in 1995 to facilitate the transition from apartheid to democracy and black majority rule, and to avoid furthering social and racial divides and violence while relieving the traditional judicial system of hearing the overwhelming number of crimes committed under the apartheid regime. But paradoxically, “transitional” or “restorative” justice can result in impunity for perpetrators and the deferral of substantive justice. A recent case of this kind of justice following from a TRC in Peru demonstrates the problematics of this paradoxical approach to justice. Peru suffered a vicious period of suspension of democracy and state terrorism between 1990 and 2000 under President Alberto Fujimori, during which more than 70,000 indigenous people were murdered or disappeared. With the transition back to democracy, the Peruvian TRC launched in 2001 collected testimony from survivors which assisted in the former president being charged and convicted of crimes against humanity in 2009.6  Fujimori is serving several sentences in a Peruvian prison, however, his daughter Keiko ran in the 2010 presidential election on a platform that included a pardon for her father, and she almost won, even though the information was brought out during the campaign that her father’s regime had conducted forced sterilization of thousands of indigenous women during his presidency. More recently the Peruvian army has contradicted the findings of the TRC, claiming that there was never a state policy of mass violence and that the massacres were carried out by rogue individuals. The democratic government of Peru continues violent repression of indigenous people fighting international mining operations on their land, notably in the city of Cajamarca, where in recent months anti-mining protests have led to the declaration of a state of emergency, police occupation and repression, and a mounting death toll. While the Peruvian TRC’s process of transitional justice documented the truths of many survivors’ experiences, it did not resolve core problems; old racial and social divides have continued to widen and violence against the victims of the historical mass violence continues. The right to justice has not been fulfilled. The ominous black predator figures in Robert’s drawings are still out there, taking many different forms, appearing in many places in the world. 6 The full report can be found at http://www.cverdad.org.pe/ingles/pagina01.php.9At the end of this exhibition, Robert offers a powerful drawing which serves as both a coda to the preceding works and a new challenge. Having brought the powers of memory, language, image, pahgedenaun, truth and transformation to bear on his residential school experiences, Robert reaches into himself again, revisiting the punishment he received from the residential school priests for attending the Sundance, one of the most sacred Anishnabe rituals, accused of worshipping a “false god.” sundance distraction (2012) is a rare depiction of the Sundance lodge which reprises the technique of the earliest drawings in this exhibition, but this time the gestures are exuberant, the crimson colour vibrant, the image offering a new way forward, another road home. David McIntosh is a Toronto writer, curator, educator and new media artist who has worked extensively in Canada, Peru, Argentina, Mexico and Cuba.1011Artist’s BiographyRobert Houle is a member of Sandy Bay First Nation, Manitoba and currently lives and works in Toronto.  Houle is a contemporary Anishnabe Saulteaux artist with international exhibition experience. His curating, writing and teaching has played a significant role in defining indigenous identity. Drawing from Western art conventions he tackles lingering aspects of colonization and its postcolonial aftermath and relying on the objectivity of modernity and the subjectivity of postmodernity he brings aboriginal history into his work. As a child he was taken from his family and placed in the Sandy Bay Indian Residential School. Houle moved to the Assiniboia Indian Residential School in Winnipeg for High School. He received a B.A. in Art History from the University of Manitoba, and a B.A. in Art Education from McGill University and studied painting and drawing at the International Summer Academy of Fine Arts in Salzburg, Austria.  Houle has been exhibiting since the early 1970’s. His most recent exhibition, the multi-media installation Paris/Ojibwa, was recently on view at the Canadian Cultural Centre in Paris and is currently on tour in Canada.  He has also participated in several important international group exhibitions, most recently, My Winnipeg at La Maison Rouge, Paris and Changing Hands: Art Without Reservation 3, Contemporary Native North American Art from the Northeast and Southeast at the Museum of Arts and Design, New York.  Houle was curator of contemporary aboriginal art at the Canadian Museum of Civilization from 1977 to 1981 and has curated or co-curated groundbreaking exhibitions such as New Work by a New Generation, in connection with the World Assembly of First Nations at the Norman Mackenzie Art Gallery in Regina in 1982; Land Spirit Power: First Nations at the National Gallery of Canada in Ottawa in 1992, and Multiplicities at the Museum of Anthropology, University of British Columbia in 1993-94.  Houle has written extensively on major contemporary First Nations and Native American artists including Rebecca Belmore, Robert Davidson, Norval Morrisseau, Daphne Odjig and Kay WalkingStick. He also taught native studies at the Ontario College of Art and Design University in Toronto for fifteen years. Houle’s considerable influence as an artist, curator, writer, educator and cultural theorist has led to his being awarded the Janet Braide Memorial Award for Excellence in Canadian Art History in 1993; the 2001 Toronto Arts Award for the Visual Arts; the Eiteljorg Fellowship in 2003; membership in the Royal Canadian Academy; distinguished Alumnus, University of Manitoba and the Canada Council International Residency Program for the Visual Arts in Paris.  Houle is represented by Galerie Orenda in Paris; Galerie Nicolas Robert in Montreal; and Kinsman Robinson Galleries in Toronto.12Dimensions are listed as height x width All photos are courtesy of the artist unless otherwise indicated r = reproduced page All works by: Robert Houle (Saulteaux b. 1947)schoolhouse from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cm, r 2 top leftpère from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 76.2 x 58.4 cm  père chagnon from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmuhnúhméahkazooh / pretending to pray from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 76.2 x 58.4 cm, r 2 rightuhnúhméahkazooh (pretending to pray) from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmoblates of mary immaculate from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmchurch basement from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmpray to whom from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmand I prayed from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmconflict from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmsleep from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cm, r 2 bottom leftnoodin is my friend from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmI’m cornered from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmthe morning from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmnight predator from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cm, r 4 bottomsilent shame from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmouthouse abuse from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oil stick on paper, 58.4 x 76.2 cmthe black door from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmand the supervisor knew from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmthe fear from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cm, r 4 topthe road home from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cm, r coverdrive-in terror from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmdrive-in predator from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oilstick on paper, 58.4 x 76.2 cmbeach predator from Sandy Bay Residential School Series, 2009, oil stick on paper, 58.4 x 76.2 cmSister Clothilde, 2009, oil on paper, 111.8 x 76.2 cm, courtesy of Galerie Nicolas Robert, Montreal Shape Shifter, 2009, oil on paper, 111.8 x 76.2 cm, courtesy of Galerie Nicolas Robert, Montreal List of Works13Dark Moses, 2009, oil on paper, 111.8 x 76.2 cm, courtesy of Galerie Nicolas Robert, Montreal sundance distraction, 2009, oilstick on paper, 76.2 x 58.4 cm, r 9schoolhouse, praying, sleeping, waiting, people, lake, Sandy Bay Indian Residential School I, 2010-2011, 9 oil on canvas panels, watercolour, graphite and vinyl text, each panel 30.5 x 22.9 x1.9 cm, overall installation 195.6 x 337.8 cm, people r 6; installation photo credit: Keesic Douglas, r 7schoolhouse, praying, sleeping, people, Sandy Bay Indian Residential School III, 2012, 4 oil on canvas panels, watercolour, graphite and vinyl text, each panel 35.6 x 27.9 x 3.8 cm. overall installation 195.6 x 337.8 cm, r 10, photo credit: Keesic Douglasalizarin crimson, cobalt violet, winsor red deep, magenta, cadmium red light, cadmium red deep, Sandy Bay Indian Residential School IV, 2012, 6 oil on canvas panels, watercolour, graphite and vinyl text, each panel 61 x 30.5 x 1.9 cm, overall installation 195.6 x 337.8 cm, r 5, photo credit: Keesic DouglasRobert Houle thanks Paul Gardner, Paul Hess, David McIntosh and Mary Reid for their efforts and contributions to this project. The artist dedicates this exhibition to his mother, Gladys Houle, who never had the chance to tell her story.14

Robert Houle : enuhmo anduhyaun = The Road Home

Belcher, Katie

Jenkner, Ingrid

Dirt, Detritus & Vermin : Cal Lane, Sarah Saunders, Janice Wright Cheney

Gibson, Garvey, Susan

Kelly, Gemey

Earth Skins : Three Decades of Drawing by Susan Wood

Pollard, Aaron

ased on the format of a zoo, the exhibition Itinerarium features displays from the mind’s eye of a young artist engaged in a flagrant disregard for the impossible. As a grouping of specially commissioned works alongside recent panoramic tableaux, Itinerarium is an ambitious series of “video terrariums”, including a suburban street, a cityscape, a country garden, a temperate rain forest, an underground burrow and some very human brine shrimp also known as Sea Monkeys. Raised in the ostensibly temperate and staid climate of Victoria, British Columbia, Allison Moore thrives in the wild and wooly environs of Montreal where she surrounds herself with an eclectic crew of conspirators and accomplices. Moore’s practice encompasses drawing, painting, photo-collage, performance, video, cinema, music and installation. Her multidisciplinary approach has brought her into contact with an outrageously diverse cohort. Often engaged in collaborative ventures and shared authorship over projects, Moore co-founded Egotrip productions with Arthur Desmarteaux in 2006, Party is the most overtly critical work of the terrarium series in its damnation of societal corruption and overconsumption. Conversely, it is also exemplary of the cooperative ethos that characterizes both the process and the content of Moore’s oeuvre. To create this carefully choreographed chaotic mess, Moore banked on the complicity of a talented and unruly group of individuals who, as an ensemble, delivered in spades. The Alice in Wonderland allusions are most overt in this tableau, ruled by the Mad Hatter and a host of tyrannical queens.Aside from its play on words, Itinerarium refers to Roman cartography, lists of milestones outlining place-names and the travel times between them. At first reading, this series suggests a guided mean-dering through evolution from primitive life to the modern city. However Moore’s cosmos defies notions of progress. Each work presents the viewer with a loop, a day in the woods, a city street or the death and life of a party, all playing out concurrently, cyclically and ceaselessly. Every terrarium also contains its own multitude of parallel, occasionally colliding narratives, all within a fixed view that is paradoxically omnipotent and partial. Anthropomorphic creatures populate these worlds, simultaneously underlining and collapsing distinctions between country and city, nature and culture, viewer and viewed, self and other. These animated renderings become windows, revealing flat, cross-sections in space and time, yet they drip in detail and often encompass a dizzying depth of layers. Allison Moore’s unflinching, static gaze favours exuberant and decorative posing, reminiscent of glitter-trash performers championed by Andy Warhol, Jack Smith and John Waters. Itinerarium seduces the viewer with whimsy and nostalgia only to reveal a world of dark and pressing questions concerning memory, myth and human perception.Aaron Pollard4001, rue Berri, local 301, Montréal (Qc)  H2L 4H2 |  www.oboro.netITINERARIUMA Collection of Video TerrariumsAllison MooreSeptember 13 – October 18, 2014Allison Through the Looking GlassBand she directed the short film, Smile Stealers (2012), a collaboration over several years with interdis- ciplinary artist and costumer, Jasa Baka. Though the works in this exhibition reflect an open and collaborative ethos carried over from a consensus-based creative practice, they are the result of a visionary, hands-on and highly focused methodology. These terrariums evoke whimsy and visual pleasure, yet they also demand concentration and reflection both of the maker and the viewer.Moore traces her longstanding interest in panoramic scenes to the scale models of Miniature World, a curious fixture within Victoria’s perennial tourist circuit. In practice her terrariums stem from her drawings, inspired by Bosch and Bruegel, where she began her experiments rendering a world of activity within a single, extended frame. Densely populated with fabulous creatures, her drawings often stretch and collapse perspective and scale, confounding hierarchies and providing a picture that slices a cross-section of the universe, sometimes resembling a gigantic Petri dish, simultaneously embracing and critiquing the proliferation of imagery and other excesses of the Internet age.Moore herself regards these previous panoramic works on paper as precursors to her video terrariums. Indeed the majority of these electronic works involve drawn elements, a proliferation of colour, the collaging together of unlikely neighbours and an elastic approach to scale and perspective, all charac-teristic of the drawings and collages. The use of live action characters, only possible through the use of video, adds a dimension of significance and destabilizes the gaze of the spectator. By naming the works terrariums and framing them as though these fantasies were slices of life presented behind a piece of glass, Moore foregrounds the act of looking, then populates her zoo with creatures of a distinctly human nature.The earliest work of the collection is the interactive piece Sea Monkeys, a single-screen “aquarium” whose namesake is derived from the mass marketing of Artemia NYOS, a specially bred species of brine shrimp. As a novelty pet advertised directly to children and sold primarily through mail order, Sea Monkeys were reputed to be a disappointing purchase: the crustaceans themselves bore little resem-blance to the fanciful, very human-looking creatures featured in the illustrations advertising them and they tended to die and rot rather quickly under the care of their unenthusiastic captors. Through the magic of green-screen video and of the Pure-Data programming platform, Moore redresses this wrongdoing by providing miniature humans that swim through an electronic tank and who avoid collision due to the use of Boids, an algorithm developed to simulate the activity of a school of fish.Subsequently, Moore turned her attention from sea to land and to the larger-scale work Urban Terrarium that serves as a key component within this series. Urban Terrarium acts as a homage to urban chaos and to the harmony that ensues within great cities despite congestion, overcrowding and other ills; and as such it is perhaps the most utopian site within Moore’s imaginings. Homes, shop-fronts, signs and anthropomorphic flora are all lovingly stacked into extraordinary feats of engineering, forming a metropolis that combines images drawn from the artist’s travels through cities in Brazil along with some familiar Montreal locations.  As a companion piece, Suburban Terrarium presents a whimsical yet pernicious view of life on the city’s peripheries. In this case the artist deploys readymade tools designed to generate cookie-cutter images of utopian communities. In doing so, she also invokes a place of stifling perfection that renders its inhabitants somewhat bereft. The human activity that animates Urban Terrarium becomes blight on the otherwise tidy landscape of the suburbs.Beneath a house in the suburbs lies The Burrow, a world of pure fantasy inspired by Franz Kafka’s dreamlike story of the same name and carved out by gnomes, mole-like creatures and insects borrowed from the Brothers Grimm and Lewis Carroll. Here, Moore shifts her axis 90 degrees, slicing deep below the ground into a place of incessant scratching and digging, of constant labour, of decay and of renewal. Her composition suggests that we are glimpsing but a small sample of a vast network of tun-nels that might be found anywhere and everywhere. This most terrestrial of terrariums stands alone in the exhibition space, bridging the urban and suburban environments in a nexus of collective imagining. Behind a curtain grows a forest. Within that forest exists a population to rival any city. With The Enchanted Woods, Moore envelops her audience with floor-to-ceiling projections on three sides, effectively collapsing the divide between viewer and viewed. Woodland creatures look toward and beyond the spectator to each other as they appear on opposing walls. Sounds abound and rebound. Magic prevails. People and human-like creatures are everywhere. While embracing myth and historical literature, The Enchanted Woods also engages in a gentle critique of the cultural separation of urban and rural imaginaries.The most recent production in this collection steps away entirely from live action and animated collage techniques characteristic of the previous works. The Garden Party was shot in a single take and involves no compositing or special effects. It would be a terrarium in the nude if it weren’t for Jasa Baka’s elaborate set of Louis XIV-inspired costumes made from old prom dresses and other thrift store finds. The Garden 

Itinerarium : A Collection of Video Terrariums : Allison Moore

Perrault, Marie

L' exposition Désorientations s’articule autour de deux œuvres récentes de Lauri Astala, artiste finlandais originaire d’Helsinki, soit l’installation On Disappearance (2012) et la vidéo Transit (2013).Depuis le début de sa carrière, Lauri Astala explore notre rapport à l’espace. À ses débuts, il interrogeait au moyen de la sculpture les conventions scientifiques de représentation du monde, notamment la cartographie. À la suite d'études supérieures à l'Université de Chicago, son travail se tourne plutôt vers la vidéo et l'installation vidéo interactive. Les œuvres retenues ici relèvent de cette forme d'expression.Désorientations et repères DésorientationsLauri Astaladu 10 septembre au 15 octobre 2016Dans la première salle, l'œuvre monumentale Transit se fonde sur l'imaginaire futuriste mis en avant par le cinéma. Dans ce long travelling filmé à partir du téléphérique reliant Roosevelt Island à Manhattan, les mouvements de caméra, les cadrages inusités et un important travail de montage, tant visuel que sonore, contribuent à transformer la mégapole américaine en un vaisseau de science-fiction.L'expérience de la ville de New York devient indissociable d'une fantasmagorie plus prégnante que son identité même. L'effet cinématographique marque davantage que son caractère familier et recon-naissable, mis par ailleurs en vedette dans plus d'un film. La référence filmique agit comme un voile complexifiant l'identification et la perception du lieu, à l'instar de la brume conférant un caractère diffus au paysage dans les vidéos Gamelan (2010) et Rome Dérive II (2006) de l’artiste. L'œuvre révèle ainsi l'apport actif de la culture dans notre appréhension des espaces quotidiens, qu'un recadrage singulier suffit à rendre totalement imaginaires.La bande sonore composée de bruits mécaniques et électroniques, d'extraits de communications de la NASA et entre répartiteurs de taxis, d'émissions radiophoniques et du son du téléphérique lui-même, crée un environnement participant à l'étrangeté autant qu'à la familiarité du lieu. L'expérience de la ville correspond ainsi à celle d'un terrain de communications, fondant aussi en partie sont identité.Dans une salle spécialement aménagée reproduisant le lieu initial de tournage, l'œuvre On Disappearance consiste en une installation vidéo assistée par ordinateur intégrant en temps réel le spectateur. Dans une zone précise du lieu d'exposition, une caméra capte les réactions de ce dernier alors que son regard se porte sur la vidéo. L’image saisie est intégrée à même la projection, notamment dans les miroirs visibles de la pièce où se déroule l'action, faisant se confondre l'espace de la fiction et celui, réel, de l'auditoire.Au début, la voix hors-champ du personnage évoque son éloignement d’un lieu qu’il retrouve après un moment d’absence, alors que les routines participant de son caractère familier ont été interrompues. À cet égard, le cadrage de l'image change progressivement de manière à nous faire adopter peu à peu la perspective du personnage sur les objets qui l'entourent. La narration évoque les gestes répétés et les habitudes contribuant à transformer l'espace en lieu, ainsi que les aller-retour vers cet espace familier qui sert de point de référence. L'œuvre pose la gestualité vécue quotidiennement et la mobilité comme autant de composantes d'une appréhension spatiale identitaire.Le protagoniste tourne ensuite son regard vers le spectateur et lui adresse directement la parole, modifiant les rôles établis jusque-là. Ce retournement de situation crée un malaise et nous confronte simultanément à la fiction et à l'expérience de notre position et de notre rôle en tant que spectateur. Les propos du personnage qui nous interpelle directement accentuent les décalages dans l'espace et le temps qu'implique notre attention, ainsi que les sentiments d'identification et les affects qui la sous-tendent.Le dispositif assurant ce dénouement singulier met aussi en avant une coprésence virtuelle liée au recours à la technologie. À ce titre, Lauri Astala explore ici les modalités techniques de proximité créant un pont entre deux espaces de vie distincts. Cette expérience de plus en plus courante, notamment pour les membres de diasporas, affiche tout lieu comme un nœud de communications dynamiques, poreux, à des lieues du territoire que la cartographie cherche à circonscrire. La perception de l'espace et du territoire s'avère aujourd'hui elle aussi modulée par cette complexité.Marie Perrault – août 2016révision : Sylvaine Chassay| 4001, rue Berri, local 301, Montréal (Qc) H2L 4H2 | 514 844-3250www.oboro.netCe projet est rendu possible grâce à l’appui de Frame Contemporary Art Finland. OBORO remercie Systèmes Intérieurs Grand Canyon et Construction Bénédict pour la réalisation des murs de cette exposition.

Désorientations

Pocreau, Yann

    La Galerie Clark est ouverte du mardi au samedi, de midi à 17h 5455, avenue de Gaspé, #114, Montréal (QC) H2T 3B3 514 288 4972 – www.clarkplaza.org - Atelier Clark : 514 276-2679  Le Centre CLARK fonctionne grâce aux efforts soutenus de ses membres et de son personnel. CLARK est membre RCAAQ (rcaaq.org) et remercie le Conseil des arts et des lettres du Québec, le Conseil des Arts du Canada, le Conseil des arts de Montréal, Service du développement culturel de la Ville de Montréal et la Brasserie McAusland.  VERNISSAGE JEUDI LE 18 OCTOBRE À 20H  ALFREDO ABEIJON  Mythe/temple    Alfredo Abeijon s’intéresse aux relations possibles et nécessaires entre l’homme et son environnement, sa relation au monde, son quotidien, sa communauté et à la structuration de sa pensée. Ses plus récents projets se nourrissaient entre autres de la mise en forme du regard sur soi, d’une délicate observation de l’homme face au monde. La forme des jours (2007), présentée à la maison de la culture Notre-Dame-de-Grâce retraçait en couleurs sur une immense structure circulaire, faite de bois, une sorte de calendrier des activités du sculpteur, un an durant, répertoriant par un code de couleurs les périodes de lavage de vaisselle comme de travail d’atelier. Un autre projet, Galileo’s Garden, présenté en 2003, se laissait comprendre comme une recherche sur l’inévitable subordination de l’homme aux lois de la physique. Dans ses projets, l’artiste d’origine argentine se fait observateur; ses constructions témoignent. Elles sont portées par un regard poétique sur notre façon d’habiter l’espace, qu’il soit physique ou social.   Avec l’installation Mythe/Temple, qu’il présente à Clark, Alfredo Abeijon propose un parcours en trois étapes, un parcours philosophique autour de la nature tripartite de l’homme tel qu’on le conçoit depuis Platon : un homme de corps, d’âme et de raison. Trois maisonnettes de bois disposées sur un plan triangulaire font office d’étapes de ce parcours, sorte de court pèlerinage qui, pourtant, propose un large regard sur cette conception de l’humanité. Ces petites maisons, construites avec beaucoup de minutie, symboliseraient l’être humain pour l’artiste. Ces trois petits temples, comme trois maisons qui en contiennent d’autres, plus petites, d’une volumétrie de 70 litres cubes, à peu près comme le corps humain. Ces jeux d’échelles et d’allusions prennent leur sens, la circumambulation engagée, une fois le corps introduit dans ces habitacles de bois, dont le dernier donne accès à une chambre intérieure. Ce parcours imposé, du corps à l’âme et de celle-ci à la raison, est essentiellement métaphorique. On propose, dans le déplacement et l’immersion, d’habiter la construction, d’en déchiffrer les codes sculpturaux et donc, d’en faire l’expérience physique.    De l’autre côté de la salle, Side Show, une seconde installation, se présente comme une réponse à la première, sinon comme sa synthèse. Suspendues à des cordelettes, du haut de la structure de bois qui les retient, trois maisonnettes s’agitent doucement derrière un écran de papier kraft. D’un côté, leurs ombres projetées dessinent sur la surface fragile, que fait frémir le ventilateur qui lui fait face, un petit théâtre de marionnettes non loin de celui dans lequel nous étions engagés physiquement dans l’autre partie de l’exposition. De l’autre, les rouages précaires de ce théâtre où se trouvent ces trois temples plus petits mais aux mêmes fonctions symboliques peuvent être observés.     Avec la simplicité et la précision qu’on lui connaît, Abeijon propose une oeuvre qui tente d’incarner sa conception de l’homme, le désir qui poussa celui-ci à construire temples et cités, suivant ses croyances et son ambition. Le temple, comme l’écrit l’artiste, « est une structure qui abrite la relation entre l’homme et une conception spécifique du monde. » Le temple, comme toute architecture d’ailleurs, se fait écriture, transcription de la pensée. La transposition de cette vision de l’homme sur lui-même aura laissé sa trace sur les temples grecs, puis romains mais aussi sur les plans de nombreuses abbayes gothiques où les cloîtres et déambulatoires furent dessinés en fonction de cette équation des trois composantes de l’homme. Par l’usage du bois et la représentation de la maison, deux éléments forts présents au sein du lexique de l’artiste, Alfredo Abeijon nous convie à une déambulation allusive simple et efficace au cœur de l’architecture de la philosophie moderne, qui parle de l’homme et de l’interprétation de sa relation au monde.  Y.P.  L’exposition se poursuit jusqu’au 24 novembre   POSTES AUDIO   MATHIEU LEFEVRE Visites d’expos   Durant tout l’automne, Lefevre dépose régulièrement son blogcast audio dans l’espace lounge de Clark. Commentaire cynique s’inspirant de la chronique radiophonique (Howard Stern, Doc Mailloux ou Catherine Perrin?) l’artiste commente l’actualité artistique avec ses invités.    NOUVELLE DE PUBLICATION DISPONIBLE  POUR LA SERBIE PARTICIPATION MONTRÉALAISE À LA 11E BIENNALE D’ARTS VISUELS DE PANCEVO  Éditions Clark, collection Pétula Prix de vente en galerie : $10   Cette délicate publication rend compte du travail des artistes montréalais participants et relate l’expérience de la biennale, de son contexte et de sa thématique sous les plumes de Bernard Schütze et Nathalie de Blois.      La Galerie Clark est ouverte du mardi au samedi, de midi à 17h 5455, avenue de Gaspé, #114, Montréal (QC) H2T 3B3 514 288 4972 – www.clarkplaza.org - Atelier Clark : 514 276-2679  Le Centre CLARK fonctionne grâce aux efforts soutenus de ses membres et de son personnel. CLARK est membre RCAAQ (rcaaq.org) et remercie le Conseil des arts et des lettres du Québec, le Conseil des Arts du Canada, le Conseil des arts de Montréal, Service du développement culturel de la Ville de Montréal et la Brasserie McAusland.  PRIVATE VIEW OCTOBER 18 AT 8PM  ALFREDO ABEIJON  Mythe/temple   Alfredo Abeijon is interested in the possible and necessary relationships between humanity and the world — our relationships to others, daily life, community and the structure of belief. Among other things, his recent works are informed by the materialization of self-image and a close observation of people in relation to the world. La forme des jours (2007), exhibited at La Maison de la Culture Notre-Dame-de-Grâce, documented the rhythms of his daily life over a one-year period — considering everything from dishwashing to his studio practice — codified as colours distributed over an enormous, circular wooden structure. Another work, Galileo’s Garden (2003), could be described as an investigation of our ultimate submission to the inexorable laws of physics. In both projects, the Argentinean-born artist positions himself as an observer whose constructions bears witness to a poetic view of our occupation of physical and social space.   With Mythe/Temple, a new installation for Galerie Clark, Alfredo Abeijon leads us on a three-stage journey, a philosophical stroll through the tripartite nature of humanity as body, soul and mind, as conceived of since Plato. Three model houses, in a triangular configuration, serve as stages on a brief pilgrimage which nevertheless opens onto a broad view of this conception of humanity. The miniature houses, meticulously detailed in wood, represent humanity. These miniature temples shelter smaller versions of themselves, measuring 70 litres, approximately the volume of the human body. The play of scale and allusion begin to make sense once the pilgrimage is underway and the body moves through the three houses, the last of which opens onto an interior space. The journey suggests a metaphoric progression from the body to the soul and then on to the mind. One occupies the installation through movement and immersion, making the experience a physical experiment in the interpretation of sculptural form.   Side Show, in the second part of the gallery, reads as a response to the first installation, if not an outright synthesis. Three small houses, suspended by string from a wooden structure, sway gently behind a Kraft-paper screen. From one side their shadows, cast onto the delicate surface stirred by a fan, create a puppet theatre similar to our physical experience of the first installation. The precarious mechanisms of this theatre, with its three miniature temples embodying the same symbolic functions as those in the first work, are in plain view from the other side.   With his characteristic simplicity and precision, Abeijon offers us a conception of humanity and the desire to build temples and cities according to our beliefs and ambitions. As the artist has written, the temple “is a structure which embodies the relationship between humanity and a specific world view.” Like all architecture, the temple is a form of writing, a transcription of thought. Interpretations of our vision of ourselves left their imprint on the ancient Greek and Roman temples, as well as on the Gothic abbeys, whose cloisters and ambulatories were designed according to the tripartite conception of humanity. Through the use of wood and the model house, key elements in his artistic practice, Alfredo Abeijon invites us on an evocative journey to the heart of architecture and modern philosophy, speaking directly to humanity and the interpretation of our relationships to the world we inhabit.  Y.P.           Translation Leo Danielson  The exhibition runs through November 24th   POSTES AUDIO   MATHIEU LEFEVRE Visites d’expos   Thoughout the fall, Lefevre publishes his audio blogcast in Clark’s lounge. A cynical commentary inspired by talk radio (Howard Stern, Doc Mailloux or Catherine Perrin?) the artist speaks frankly with his guests about current Montréal exhibitions.    NEW PUBLICATION AVAILABLE  POUR LA SERBIE PARTICIPATION MONTRÉALAISE À LA 11E BIENNALE D’ARTS VISUELS DE PANCEVO  Clark ed., collection Pétula Retail price : $10  Texts: Igor Antic, Nathalie de Blois, Bernard Schütze (French and English). Artists: Jean-Pierre Aubé, Mathieu Beauséjour, Gwenaël Bélanger, Patrick Bernatchez + Gennaro DePasquale, Sylvie Cotton, Michel deBroin, César Saëz. Design: Annie Lachapelle   Following Clark’s participation in Pancevo’s 11th Biennial of visual arts in Serbia-Montenegro in 2004, this publication presents the work of the participating Montreal artists and offers an account of the biennial’s experience, context and theme by Bernard Schütze and Nathalie de Blois.      

[Alfredo Abeijon : Mythe/temple // Mathieu Lefèvre : Visites d'expos]

Sabet, Aseman

Montaron, Laurent

La Galerie CLARK est ouverte du mardi au samedi, de midi à 17h5455, avenue de Gaspé, #114, Montréal (QC) H2T 3B3 - info@clarkplaza.orgGalerie CLARK : 514 288 4972 / Atelier CLARK : 514 276 2679 Le Centre CLARK fonctionne grâce aux efforts soutenus de ses membres et de son personnel. CLARK est membre du Répertoire des centres d’artistes autogérés du Québec et remercie le Conseil des arts et des lettres du Québec, le Conseil des Arts du Canada, le Conseil des arts de Montréal, le Service du développement culturel de la Ville de Montréal et la Brasserie McAuslan.Salle 1      Laurent Montaron      Will there be a sea battle tomorrow? Aussi loin que je puisse m’en souvenir, j’ai toujours eu le sentiment que nous n’avions peut-être fait que dormir des milliards d‘années. Je m’interroge encore sur le rêve qui m’a éveillé : comment cette longue nuit s’est-elle interrompue ?Puisque nous n’avons rien décidé de ce choix laissé au hasard, il semble que notre réveil devait arriver, un jour ou l’autre.Nous envisageons le temps comme une rivière qui s’écoule, plus qu’il ne permet aux choses d’advenir. Si nous nous tenions ici pour un temps infini, tout ce qui devrait arriver arriverait. Si cet ordre d’apparition est déterminé alors nous pouvons dire que c’est la destinée. N’est-ce pas ce en quoi nous voudrions croire plutôt que d’être laissé seul dans la nuit ?Le cours de la rivière ne connaît pas de borne; il crée son propre lit. La vérité ne devient relative qu’au regard de ce qui arrive.Y-aura t’il une bataille navale demain ?   Laurent MontaronLe film Will there be a sea battle tomorrow ?est une lente et elliptique narration qui alterne les temporalités et les actions. Il retrace le déroulement d’une expérience sur l’étude des facultés extra-sensorielles chez l’individu, et s’inspire de recherches menées à ce sujet par divers instituts. L’un d’eux, l’institut de parapsychologie de Freiburg en Allemagne employait la machine qui figure dans le film. Cette machine, le «Psi-recorder» est un générateur de hasard utilisé dans plusieurs expériences de clairvoyance, de télépathie et de précognition. Y-aura t-il une bataille navale demain ? est une question de logique posée dans la Grèce antique, par Diodorus Cronus, qui formule le problème dit des futurs contingents. Lorsqu’une proposition est vraie ou fausse au présent, celle-ci devient une fois appliquée au futur, un problème de logique insurmontable.  Une double question concernant le statut ontologique du futur est alors posée : est-ce que notre futur est ecrit ? ou non ?, l’existence du futur remet-elle en question les fondements de la logique ? ‘Will there be a sea battle tomorrow ?’ forme un dédale de propositions logiques et contradictoires qui suscitent chez le spectateur des questions fondamentales qui, bien que sans réponse, mettent en perspective notre condition d’une manière poétique. Gallery 1     Laurent Montaron    Will there be a sea battle tomorrow?As far as I can remember, I’ve always felt that perhaps we have been just sleeping for a billion years. I still ask myself this question about the dream that has awoken me. How is it that this long night is interrupted ?As we did not decide upon such a hazardous choice; it seems our awakening was meant to happen; one day, as any other. We see time as a stream that leaks away rather than allowing things to occur. If we would stand here waiting for an immeasurable amount of time all that should happen will happen. If this order of occurrences is determined then we could say this is destiny. Isn’t this what we like to believe rather than being left to the night? The body of the river knows no boundaries; it creates its L’univers radiophonique constitue un médium culturel des plus accessibles, au sein duquel se côtoient la musique populaire, les magazines thématiques, les annonces publicitaires et les informations publiques, pour ne citer que le contenu le plus courant. C’est précisément ce médium qu’explore Zone radio, en offrant à l’auditeur une expérience d’écoute singulière, inspirée de la sonorité à la fois low tech et familière de la radiodiffusion.The world of radio constitutes an easily accessible cultural medium in which popular music, theme shows, advertising and public information, to name a few, can be found around the clock. Inspired by the lo-tech and intimate sound of radio broadcasting, Zone radio explores this medium by offering a unique auditory experience. poste audioZone Radio | Marjolaine Bourdua en collaboration avec Avatar (Québec)BONNE ANNÉE 2010 ! | HAPPY NEW YEAR 2010 ! Du 14 janvier au 20 février 2010 VERNISSAGE le jeudi 14 janvier à 20hJeudi 14 janvier - Thursday January 14th Lancement du # 68 de esse | esse’s # 68 Launch SABOTAGE Brouiller les codes de l’art, pour en requestionner le rôle et la portée. Le dossier de ce numéro s’attarde aux diverses formes de sabotage perpétré par les artistes à l’intérieur ou à l’extérieur du champ de l’art, et ce à travers des disciplines aussi variées que la performance, la peinture, l’installation, l’architecture et le cinéma.Blurring the codes of art to put into question its role and impact. The dossier presented here addresses the diverse forms of sabotage perpetrated by artists, both within and outside of the art world, and across disciplines as varied as performance, painting, installation, architecture and cinema.en résidence: Mathieu Jacquesown path.The truth becomes relative in the face of what will actually occur. Will there be a sea battle tomorrow?                                          Laurent Montaron                           The video “Will there be a sea battle tomorrow?” is a slow, elliptical narrative alternating temporalities and actions. It relates an experiment on the study of individuals extra-sensory faculties, based on research carried out on the subject by various institutes. One such research centre - the Institute for Parapsychology in Freiburg, Germany - used the very machine that appears in the film. The machine, known as the “Psi-Recorder”, is a random number generator used in several experiments relating to clairvoyance, telepathy and precognition. The film’s title is a question of logic that was posed in Ancient Greece, by Diodorus Cronus, who set out the problem of future contingents. When an assertion is true or false in the present, once applied to the future it becomes an insurmountable question of logic. A dual question concerning the ontological status of the future arises: is our future predetermined or not? Does the existence of the future throw into doubt the foundations of logic? “Will there be a sea battle tomorrow?” creates a maze of logical and contradictory assertions that cause the spectator to ask fundamental questions, which, although unanswered, poetically put our condition into perspective.Laurent Montaron est représenté par la Galerie Schleicher + Lange  à Paris. Clark aimerait remercier le Consulat Général de France pour son soutien. La dormance correspond chez certains végétaux à un arrêt temporaire dans leur développement, arrêt pouvant être causé par des conditions saisonnières, tel le froid hivernal. Pour ce projet d’installation, Frédéric Saia propose d’observer le passage d’un arbre, dont il a provoqué la dormance, à un état de bourgeonnement, et ce, à l’intérieur de la durée de l’exposition. Bien que les interventions de l’artiste se déroulent pour la plupart à l’extérieur, sur des sites naturels, le travail d’appropriation du lieu ne se réduit pas à l’environnement sauvage. C’est en ce sens que « Dormance et persistance » prend racine dans un territoire autre, celui de la galerie, afin d’engager le public dans une expérience d’observation, de contemplation ponctuelle d’un processus en continu. Le bouleau jaune, reconnu pour sa résistance en milieu naturel, verra ainsi son armure de glace fondre au gré des jours, remplissant peu à peu le bassin qui l’entoure et laissant éclore une végétation prenant de l’ampleur avec le temps. À la manière d’une allégorie écosystémique, cet arbre de dix ans démontre, au sein du territoire qui lui est imposé, une forte capacité d’adaptation à des conditions critiques.Considéré comme un moteur de travail et de recherche, l’arbre est employé par l’artiste pour ses qualités propres d’organisme vivant évoluant dans la résilience pour assurer sa survie. Tel un ready-made naturel, l’arbre en voie de bourgeonnement répond à une réflexion sur nos capacités d’adaptation au territoire et au climat qui sont les nôtres. Inspiré par les qualités processuelles du Slow art, l’artiste nous convie à « un rituel autour d’un végétal œuvre d’art qui nous transporte dans une temporalité autre, celle de l’arbre ».           [AS]L’artiste aimerait remercier Le Conseil des arts et des lettres du Québec, Quentin de Bayser et Simon Gobeil pour leur généreux soutien. Gallery 2Frédéric Saia Dormance et persistanceFor some plants dormancy corresponds to a temporary stop in their growth, a stop that may be caused by seasonal conditions such as winter weather. For this installation project, Frédéric Saia proposes to observe a tree’s passage from a forced state of dormancy to that of budding, all within the time span of the exhibition. Even though the artist’s interventions mostly take place outdoors and in natural sites, the work of appropriating the site is not limited to the wild habitat. It is in this sense that “Dormance et persistence” is rooted in another territory—the gallery’s—in order to draw the public into an observation and one-off contemplation experience of an ongoing process. The ice armature of the yellow birch, a tree reputed for its resistance in its natural environment, will melt away over the course of the days as it slowly fills the basin surrounding it and gives way to increasingly vigorous grow. In the manner of an ecosystemic allegory, this ten-year old tree displays its strong adaptive capacity to critical conditions within the territory imposed upon it. Viewed as a mainspring for work and research, the artist uses the tree for its specific qualities as a living organism that evolves through hardiness in order to survive. Like a natural readymade the nearly budding tree echoes our capacity to adapt to the territory and climate we live in. Inspired by the process-based qualities of Slow art, the artist invites us to partake “in a ritual around a plant artwork that transports us into another temporality: the tree’s.”                    [AS, trad. BdS]The artist would like to thank Le Conseil des arts et des lettres du Québec, Quentin de Bayser et Simon Gobeil for their generous support. Salle 2Frédéric Saia Dormance et persistanceDu 14 janvier au 20 février 2010 VERNISSAGE le jeudi 14 janvier à 20h Du 14 janvier au 20 février 2010  VERNISSAGE le jeudi 14 janvier à 20h

[Marjolaine Bourdua // Laurent Montaron : Will There Be a Sea Battle Tomorrow ? // Frédéric Saia : Dormance et persistance]

Schütze, Bernard

EN SALLESLE CENTRE D’ART ET DE DIFFUSION CLARK5455, avenue de Gaspé, local 114, Montréal [Qc] Canada H2T 3B3514.288.4972  •  info@clarkplaza.orgDu mardi au samedi de 12h à 17hWWW.CLARKPLAZA.ORGLe Centre CLARK fonctionne grâce aux efforts soutenus de ses membres et de son personnel, est membre du RCAAQ et remercie de leur soutien les sociétés et organismes suivants :Du 16 janvier au 22 février 2014                 vernissage le 16 janvier à 20hrencontre avec les artistes le samedi 22 février à 15h00Le croisement de l’inanimé et de l’animé occupe une place de choix dans la pratique multidisciplinaire et protéiforme de l’artiste Manon LaBrecque. Avec l’exposition Objets de cris et de vents, elle poursuit ses explorations en sculpture cinétique et sonore en présentant des formes gonflables qui s’animent grâce à des ventilateurs de soufflage et à des interactions avec des mécanismes en bois motorisé. L’artiste a puisé dans la vaste morphologie du vivant (protozoaires, insectes, algues, mammifères et représentants de la surprenante faune abyssale) pour façonner ces formes aux comportements quasi vivants qui constituent une sorte de bestiaire fabulé. Épurés et rendus dans une forme simple, ces objets se meuvent et se transforment sous l’action des ventilateurs et les mécanismes. Les créatures hybrides n’existent donc pas en vase clos, car elles sont étroitement et visiblement liées aux dispositifs qui les animent avec un souffle et une dynamique machinaux. Il s’agit d’une sorte d’expérience du vivant où des formes instables se déploient sous l’influence de forces venant du dehors, un microcosme qui émerge grâce à l’interaction du mécanique et de l’organique et dans lequel tout apparaît régi par un semblant d’ordre. Pourtant, dans ces formes qui se gonflent, se dégonflent et qui font naître d’étranges cris, chuchotements et sifflements, il y a quelque chose d’insondable, un être-là sans finalité qui est au cœur même du vivant. Devant cette étrange performance microcosmique, le spectateur est renvoyé à son propre corps et à ses états intérieurs tout aussi instables et variables, tout aussi soumis à des forces extérieures qui agissent sur eux.Bernard SchützeManon LaBrecque tient à remercier le Centre CLARK, Natacha Chamko, Peter King et Yan Giguère de l’Atelier CLARK, le Centre Turbine (résidence d’exploration 3D) et le Conseil des Arts du Canada.Circuits électroniques conçus et réalisés par Diane Morin.CAROLINE CLOUTIERVERTIGE[ SALLE 2 ]   L’effet d’instabilité et d’étrangeté qui se dégage des objets cinétiques créés par LaBrecque trouve un écho sur un tout autre registre dans l’installation Vertige, de l’artiste Caroline Cloutier. C’est à partir de l’espace même dans lequel s’inscrit le corps du spectateur que l’œuvre de Cloutier provoque une sensation d’instabilité et de désorientation. En entrant dans la petite salle de CLARK, le visiteur se trouve confronté à un espace apparemment vide, mais qui semble avoir subi une étonnante expansion tout en demeurant égal à lui-même. Des trompe-l’œil, qui simulent et prolongent l’espace, sont disposés à des endroits stratégiques à même les quatre murs de la salle. Composée de sept bandes de vinyle MANON LABRECQUEOBJETS DE CRIS ET DE VENTS[ SALLE 1 ]                                                                                                                       RENCONTRE AVEC LES ARTISTESDans un esprit d’échange et de convivialité, CLARK vous invite à une rencontre prévilégiée avec les artistes            Caroline Clouiter et Manon LaBrecque dans le cadre de nos activités de médiation culturelle, animée par Pascale Tremblay avec l’appui du Programme montréalais d’action culturelle.- CETTE ANNÉE CLARK A 25 ANS! - - CETTE ANNÉE C’EST L’OUVERTURE DU PÔLE DE DIFFUSION DE GASPÉ AVEC OPTICA, OCCURENCE, DAZIBAO, DIAGONALE, CIRCULAIRE ET DES CENTAINES D’ARTISTES - - CETTE ANNÉE, L’ATELIER CLARK DÉMÉNAGE AU REZ-DE-CHAUSSÉE - - CETTE ANNÉE, CLARK EST EN NOMINATION POUR LE GRAND PRIX DU CONSEIL DES ARTS DE MONTRÉAL - - CETTE ANNÉE, ON VOUS AIME ENCORE PLUS - ***SAMEDI LE 22  FÉVRIER À 15h00xxxxxxxxxxxBONNE ANNÉE! HAPPY NEW YEAR! 2014- THIS YEAR CLARK TURNS 25 ! - - THIS YEAR IT’S THE OPENING OF the POLE DE GASPÉ WITH OPTICA, OCCURRENCE, DAZIBAO, DIAGONALE, CIRCULAIRE AND HUNDREDS OF ARTISTS -- THIS YEAR ATELIER CLARK MOVES TO THE GROUND FLOOR - - THIS YEAR CLARK IS NOMINATED FOR MONTREAL’S ARTS COUNCIL GRAND PRIX- THIS YEAR WE LOVE YOU EVEN MORE -  autocollant simulant photographiquement un dégradé de lumière sur une cimaise blanche et de plusieurs miroirs installés par paires à la jonction de chaque bande avec le plancher et le plafond, l’installation transforme le volume architectural du lieu au moyen d’une illusion d’optique. La salle d’exposition est ainsi démultipliée par sept corridors perpendiculaires dont on ne peut repérer l’issue. Comme on doit se déplacer pour trouver le bon angle pour chaque corridor, et puisqu’il est impossible d’embrasser le tout d’un seul coup d’œil, la perception de l’espace est susceptible de devenir instable et vertigineuse. Avec ses passages fictifs mais vraisemblables, Vertige met le cube blanc en abyme en jouant sur les propriétés mêmes de ce lieu surcodé. La fonction réfléchissante inhérente à l’image spéculaire et photographique est ici inversée pour en faire le vecteur d’un éclatement de l’espace, qui n’est plus l’objet d’une réflexion ou d’une représentation. Cloutier déplie l’espace selon des codes minimalistes pour le replier dans un prolongement optique ; une opération qui n’est pas étrangère à l’esthétique baroque dans laquelle des plis et replis font déborder l’espace matériel dans des cavités illusoires d’une étendue incommensurable. C’est aussi dans cette perspective que l’installation Vertige constitue une sorte d’hétérotopie : un espace autre qui, tout en renvoyant à la présence réelle du lieu, le rend du même coup irréel en l’ouvrant sur des passages fuyants où l’imaginaire est appelé à déambuler dans un ailleurs sept fois multiplié.Bernard SchützeLe second volet du projet Vertige sera simultanément présenté à la Galerie Nicolas Robert du 1er février au 1er mars 2014, au 372 Sainte-Catherine O., espace 524 (Montréal). Les photomontages de l’exposition Vertige : les miroirs, poursuit la réflexion de Cloutier sur la mise en abîme photographique en dialogue avec l’installation présentée chez CLARK.Caroline Cloutier tient à remercier le CALQ, le Centre Sagamie, Circa, Nicolas Robert, Lisa Charpentier et Louise Viger.MANON LABRECQUEOBJETS DE CRIS ET DE VENTS[ ROOM 1 ]                                                                                                                                                                                                                    The intersection of the inanimate and the animate occupy a central place in Manon Labreque’s protean and multi-disciplinary practice. With her kinetic audio installation Objets de cris et de vents, she pursues this exploration by presenting unstable, inflatable forms that become animated through their interaction with motorized wooden mechanisms. The artist has drawn from the vast morphology of living organisms (protozoans, insects, algae, mammals, and unfathomable deep-sea fauna) to create quasi-living forms, resulting in a kind of fantasized bestiary. Pared-down and simplified, these objects move and transform themselves in response to actions transmitted by blowers and various mechanisms. These hybrid creatures don’t exist in isolation; they are closely and visibly linked to the apparatuses that animate them with breath and mechanical dynamics. It creates a kind of living mise en scène where unstable, variable and unpredictable forms move under the influence of outside forces. It is a microcosm that emerges from the interaction of various elements (inanimate / mechanical, and animate / quasi-organic) and in which everything seems governed by a semblance of order. However, within these inflating and deflating forms that make strange cries, whispers and whistles, something unfathomable emerges, like an existence with no purpose that is at the heart of life. Faced with this strange microcosmic performance, the viewer is reminded of his own unstable and variable body, which is equally vulnerable to the exterior forces that act upon it.Bernard SchützeTranslated by Jo-Anne BalcaenManon LaBrecque would like to thank Centre CLARK, Natacha Chamko, Peter King and Yan Giguère from Atelier CLARK, Centre Turbine (3D exploration residency) and the Canada Arts Council. Electronic circuits created by Diane Morin.CAROLINE CLOUTIERVERTIGE[ ROOM 2 ]                          The effect of instability and strangeness found in LaBrecque’s kinetic objects resonates on another level in Vertige, an installation by the artist Caroline Cloutier. Cloutier seeks to provoke a sense of imbalance and disorientation within the viewer’s body. Upon entering CLARK’s small gallery, the viewer finds him/herself confronted by an apparently empty space, void of any objects, but which seems to have undergone an astonishing expansion while maintaining its original form. A series of trompe-l’oeil images that replicate and elongate the space are strategically placed on the room’s four walls. Made from seven bands of adhesive vinyl that photographically simulate the degradation of light on a white wall, along with mirrors installed in pairs at the top and base of each band, the installation transforms the architectural volume of the room through optical illusion, and the exhibition space is multiplied by seven perpendicular corridors, with no discernable exit. Since the viewer has to move through the room in order to find the right angle for each corridor, and because it is impossible to perceive the entire installation at once, ones’ perception of space becomes destabilized and vertiginous. Through its fake but realistic passageways, Vertige places the white cube in a mise en abyme by playing with the specific characteristics of this over-encoded space. The reflective function inherent to this spectacular photographic image is inverted so that it becomes the vector for an expanded site that is no longer the object of contemplation or representation. Cloutier unfolds the site according to minimalist codes, and refolds it as an optical expansion of space; an operation that is familiar to the baroque aesthetic in which folding and unfolding make material space spill out into these illusory cavities of unknowable depths. It’s also through this lens that the installation constitutes a kind of heterotopia: a space that is ‘other’, that while referring to the actual presence of a place, makes the same place unreal by opening it up to furtive passageways where our imagination is invited to roam into another world, multiplied seven times over.Bernard SchützeTranslated by Jo-Anne BalcaenThe second part of VERTIGE will simultaneously be presented at the Gallery Nicolas Robert from February 1st until March 1st, 2014, (372 saint-Catherine O. Space 524, Montreal). The photomontages of the exhibition VERTIGE, mirrors, pursues Cloutier’s reflection on the photographic “mise en abyme” in dialogue with the installation presented at CLARK.Caroline Cloutier would like to thank the CALQ, Centre Sagamie, Circa, Nicolas Robert, Lisa Charpentier and Louise Viger.

[Manon Labrecque : Objets de cris et de vents // Caroline Cloutier : Vertige]

ART, LITTÉRATURE ET COMMUNAUTÉ /MARJOLAINE BOURDUA, SONIA PELLETIER, PIERRE PRZYSIEZNIAK, BERNARD SCHÜTZE, MANON TOURIGNY DIMANCHE 24 MAI_14Hà la bibliothèque du Mile End (5434 avenue du Parc)Cette activité est proposée en écho avec l’exposition anniversaire du Centre CLARK intitulée Société secrète. Sous la forme d’une conversation avec le public, les artistes et penseurs invités aborderont livres imaginaires, influences diverses et ouvrages littéraires inspirants.PROJECTIONS - PROGRAMME DOUBLE /JEUDI 4 JUIN_19H301. SÉLECTION PROPOSÉE PAR ANNE-MARIE ST-JEAN AUBREPoint de départ d’un projet en cours de développementUne courte sélection de vidéos basée sur un glissement autour du thème de la société secrète. Société secrète, cachée, occulte, occultée, alien-ée ? Ou quand les caractéristiques irrationnelles associées à l’Autre sont réappropriées à des fins d’affirmation et de subversion. Avec les œuvres vidéos des artistes Camille Ducellier et Soda Jerk qui s’intéressent aux figures de la sorcière et de l’extraterrestre comme des lieux hors normes porteurs d’autres possibles. 2. SÉLECTION PAR LES MEMBRES DE CLARK sur le thème de la société secrèteAprès l’entracte, ciné-CLARK présentera un programme de films étranges et occultes sélectionnés par ses membres. * avec popcorn à volontéLA VÉRITABLE RONDE TRIANGULAIRE /MARJOLAINE BOURDUA, SÉBASTIEN CLICHE, ALEXIS DESGAGNÉ, SONIA PELLETIER et ASEMAN SABETJEUDI 11 JUIN_18H à 20H Conversation animée avec les membres du Centre CLARK qui prendra place dans la salle de conspiration temporaire de la galerie. La discussion portera sur les thématique de l’art, la politique, l’histoire et autres enjeux gravitant autour de l’exposition anniversaire de l’organisme. mots clés : prophétie, fiction, anonymat, code secret, conspiration.Bière, vin et snacks seront servisSOIRÉE FINALE (PERFORMANCES) /JEUDI 11 JUIN, 21H à 23HÀ 2 jours de la fin de l’exposition, venez célébrer le 27e avec nous ! Au programme : performances musicales, art action et, possiblement, des interventions secrètes...ART, LITTÉRATURE ET COMMUNAUTÉ /MARJOLAINE BOURDUA, SONIA PELLETIER, PIERRE PRZYSIEZNIAK, BERNARD SCHÜTZE, MANON TOURIGNY DIMANCHE 24 MAI_14Hà la bibliothèque du Mile End (5434 avenue du Parc)Cette activité est proposée en écho avec l’exposition anniversaire du Centre CLARK intitulée Société secrète. Sous la forme d’une conversation avec le public, les artistes et penseurs invités aborderont livres imaginaires, influences diverses et ouvrages littéraires inspirants.PROJECTIONS - PROGRAMME DOUBLE /JEUDI 4 JUIN_19H301. SÉLECTION PROPOSÉE PAR ANNE-MARIE ST-JEAN AUBREPoint de départ d’un projet en cours de développementUne courte sélection de vidéos basée sur un glissement autour du thème de la société secrète. Société secrète, cachée, occulte, occultée, alien-ée ? Ou quand les caractéristiques irrationnelles associées à l’Autre sont réappropriées à des fins d’affirmation et de subversion. Avec les œuvres vidéos des artistes Camille Ducellier et Soda Jerk qui s’intéressent aux figures de la sorcière et de l’extraterrestre comme des lieux hors normes porteurs d’autres possibles. 2. SÉLECTION PAR LES MEMBRES DE CLARK sur le thème de la société secrèteAprès l’entracte, ciné-CLARK présentera un programme de films étranges et occultes sélectionnés par ses membres. * avec popcorn à volontéLA VÉRITABLE RONDE TRIANGULAIRE /MARJOLAINE BOURDUA, SÉBASTIEN CLICHE, ALEXIS DESGAGNÉ, SONIA PELLETIER et ASEMAN SABETJEUDI 11 JUIN_18H à 20H Conversation animée avec les membres du Centre CLARK qui prendra place dans la salle de conspiration temporaire de la galerie. La discussion portera sur les thématique de l’art, la politique, l’histoire et autres enjeux gravitant autour de l’exposition anniversaire de l’organisme. mots clés : prophétie, fiction, anonymat, code secret, conspiration.Bière, vin et snacks seront servisSOIRÉE FINALE (PERFORMANCES) /JEUDI 11 JUIN, 21H à 23HÀ 2 jours de la fin de l’exposition, venez célébrer le 27e avec nous ! Au programme : performances musicales, art action et, possiblement, des interventions secrètes...FREXPOSITION  DU 27e ANNIVERSAIRE /14 MAI AU 20 JUIN, 2015SOIRÉE INITIATIQUE / JEUDI 14 MAI, 20H  ART, LITTÉRATURE ET  COMMUNAUTÉ /DIMANCHE 24 MAI, 14Hà la bibliothèque du Mile End  PROJECTIONS -  PROGRAMME DOUBLE /JEUDI 4 JUIN, 19H30  LA VÉRITABLE RONDE  TRIANGULAIRE / JEUDI 11 JUIN, 18H  SOIRÉE FINALE & PERFORMANCES /JEUDI 18 JUIN, 21H  ÉVÉNEMENTSFREXPOSITION  DU 27e ANNIVERSAIRE /14 MAI AU 20 JUIN, 2015SOIRÉE INITIATIQUE / JEUDI 14 MAI, 20H  ART, LITTÉRATURE ET  COMMUNAUTÉ /DIMANCHE 24 MAI, 14Hà la bibliothèque du Mile End  PROJECTIONS -  PROGRAMME DOUBLE /JEUDI 4 JUIN, 19H30  LA VÉRITABLE RONDE  TRIANGULAIRE / JEUDI 11 JUIN, 18H  SOIRÉE FINALE & PERFORMANCES /JEUDI 18 JUIN, 21H  ÉVÉNEMENTS

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