Il cinema, l'automobile e la morte al lavoro [Cinema, cars and death at work]

Il cinema e l'automobile possono indubbiamente occupare le prime posizioni in un'ipo-tetica classifica delle invenzioni più rivoluzionarie del XX secolo. Il tratto comune che desi-dero evidenziare è l'inedita espansione degli orizzonti umani che entrambi hanno portato:spaziali per quanto riguarda l'automobile, temporali per quanto riguarda il cinema. Prenden-do questa constatazione come punto di partenza, mi applicherò nella rivelazione del latooscuro che queste due invenzioni praticamente coeve nascondono sotto la faccia positiva delprogresso. Citerò alcuni film in cui i risvolti negativi e ferali della macchina automobile edella macchina cinema sono messi in evidenza, per poi concludere con l'analisi di un film - Grindhouse: Death Proof (Grindhouse: a prova di morte, Quentin Tarantino, 2007) – in cuila potenziale negatività di entrambe è condensata in un'unica figura

Archival research and film music: the case of the Boston Pops Orchestra

Film music has increasingly populated the concert programs in the last twenty years. Yet, the presentation of the film-music repertoire in concerts is a corner of the film–music field that has received little scholarly attention. Archival research combined with the study of audio–visual documents in particular is the key to reconstruct the story of the presentation of film music in concerts. As a case study, I present the findings of the research that I conducted in Boston, U.S.A., in 2010 and 2011. Its aim was to demonstrate John Williams's seminal contribution to the legitimization of film music as a viable concert repertoire during his tenure as conductor of the Boston Pops Orchestra—“America's orchestra”. The results showed very convincingly that John Williams's association with the most trend–setting and visible orchestra in the U.S.A. has been a major force and a seminal influence for the acceptance of film music as a legitimate concert repertoire

Italian "doppiaggio". Dubbing in Italy: some notes and (in)famous examples

Italy is a pre-eminent dubbing country, apparently the less incline to switch to the subtitling practice as other countries are doing. While this long-lasting tradition has produced one of the most accomplished group of talents in the trade, however many arbitrary interventions – both in dialogue adaptation and in title translation – have been occurring for a long time, causing incongruous result

“Commutation Tricks” and “Forced Marriages.” Videographic Manipulation as a Tool for the Analysis of Music in Films

The audiovisual object is like a product of visuals and sound, not a summation. Film analysis should track back to the separate factors and show how they multiply each other when combined. Music, in particular, can be an elusive element, especially for non specialists. But music can crucially perform a variety of functions in films, and its agency should therefore be taken in proper consideration during film analysis. After a preliminary discussion of some recent theory of how visuals and sound fuse into an audiovisual whole, the article presents the manipulations made possible by the videographic approach as a helpful analytical tool to draw attention to the music. As an example, I provide my own videographic manipulations: an annotated audiovisual clip of the opening sequence of The Shining, and the same clip with the original music replaced with John Williams’s ‘Main Theme’ from Jurassic Park

Due note di credibilità. John Williams e Lo squalo

A discussion of the importance of John Williams's music for the success of the 1975 film Jaws

Neoclassical Hollywood Music. John Williams e il recupero dello stile classico di Hollywood

Il lavoro analizza il ruolo del compositore americano John Williams nel recupero delle caratteristiche stilistiche della musica per film del classicismo hollywoodiano. Dopo una premessa metodologica – in cui si motiva l'adozione dell'approccio neoformalista e si propone un metodo di analisi della musica per film basato su tre categorie funzionali – la trattazione si apre con un capitolo che definisce cosa si intende per stile classico musicale di Hollywood, tracciandone la storia, le correnti, i principali autori, le caratteristiche linguistiche, le tecniche compositive, i mezzi musicali usati e le funzioni formali che questo stile era tipicamente chiamato a esercitare nei film. Seguono due sezioni di tre capitoli ciascuna. La prima studia la musica per film in ambito cinematografico, la seconda in ambito extracinematografico. La prima sezione è dedicata all'attività cinematografica di Williams come responsabile del recupero dello stile classico e fondatore della corrente neo-classica. Nel primo capitolo si analizza il caso di "Star Wars" (G. Lucas, 1977), che è considerato il film che ha dato inizio alla “Film Music Renaissance”. Si parte ricostruendo il contesto in cui il film esce nelle sale, sia in riferimento al genere Sci-Fi, sia in riferimento allo stile musicale dell'epoca – che viene definito “stile moderno” e di cui si tracciano le origini, le caratteristiche e le differenze rispetto a quello classico. Si analizzano, poi, quegli elementi che hanno fatto della partitura di "Star Wars" un caso in controtendenza e si riflette sull'influenza che ha avuto sulla musica per film seguente. Il secondo capitolo è dedicato alla rassegna delle caratteristiche che fanno di Williams un compositore neo-classico. Si parte col delineare il contesto della New Hollywood in cui la “rivoluzione” williamsiana ha avuto luogo. Si passa poi in rassegna la filmografia di Williams degli anni '60, ricercando quegli elementi che lo distinguevano dai maggiori esponenti dello stile moderno e che ne anticipavano la svolta neo-classica del decennio successivo. Il film fondante della corrente neo-classica è "Jaws" (S. Spielberg, 1975): vengono analizzate le scelte musicali e si indicano quei tratti neo-classici che esploderanno in tutta la loro evidenza successivamente con Star Wars, ma che sono già riscontrabili in questo film. Passando in rassegna la filmografia di Williams, vengono isolati i momenti neo-classici e si presta particolare attenzione alla collaborazione con Steven Spielberg. Infine, si riflette sulle ragioni che portano molti studiosi ad affrontare Williams con pregiudizio, superficialità, oppure a trascurarlo del tutto. La prima sezione si chiude con un capitolo che presenta un'analisi dettagliata delle funzioni della musica in "Raiders of the Lost Ark", la cui partitura è presa come modello del neo-classicismo di Williams. La seconda sezione è dedicata al contributo extra-cinematografico di Williams. Il primo capitolo è una rapida introduzione alle tipologie, all'estetica e alle problematiche della musica per film fuori dal film. Si cerca poi di spiegare le ragioni storiche, filosofiche e teoriche dei pregiudizi dei musicisti colti nei confronti della musica per film e si individuano i motivi che portano molti studiosi a rifiutare di prendere in considerazione la musica cinematografica fuori dal film. Si propongono, invece, alcune ragioni per studiare la musica per film anche fuori dallo schermo. Si offre una classificazione delle varie tipologie di dischi tratti dalle colonne musica dei film e si sostiene la legittimità della presentazione di musica per film anche in sala da concerto. Viene mostrato come lo studio della musica cinematografica fuori dallo schermo – in disco o in concerto – non è di competenza solo del musicologo o dello storico della musica – che spesso però rifiutano di occuparsene – ma anche dello storico e dello studioso di cinema che si occupi di musica per film. Nel secondo capitolo viene presentato un resoconto storico della carriera di Williams come direttore della Boston Pops Orchestra e vengono individuate le tappe più importanti dell'impegno di Williams nei confronti del recupero del canone classico e della sua divulgazione. Si traccia una breve storia della Boston Pops Orchestra e tramite l'analisi dei programmi da concerto dell'Era Williams confrontati con quelli del predecessore, viene dimostrato l'incremento non solo quantitativo ma anche qualitativo che la programmazione del repertorio cinematografico ha subito. Nel terzo capitolo, infine, viene proposta una classificazione delle possibili forme di presentazione della musica per film in concerto e l'attenzione è in particolare concentrata sull'analisi delle presentazioni multimediali – musica dal vivo in sincrono con la proiezione di estratti dal film –, una forma che Williams ha sviluppato negli anni e in cui ha raggiunto dei livelli d'eccellenza e altissimo virtuosismo. Coerentemente con l'ottica sia cinematografica che extracinematografica con cui è stata studiata la musica per film in questo lavoro, in appendice – oltre alla filmografia – sono presenti anche un catalogo delle suite da concerto delle partiture cinematografiche di Williams e l'elenco delle puntate della serie televisiva Evening at Pops in cui Williams e la Boston Pops Orchestra hanno presentato musica cinematografica. The thesis deals with composer John Williams' seminal contribution in restoring elements of the classical Hollywood music style. After a preliminary methodological foreword – where we explain why we opted for the neoformalist analytic approach and a three-function analytic method to deal with film music is proposed – the first chapter is focused on the classical Hollywood music style. Its history is traced – starting from the coming of sound and reaching the 1960s – and the so called “classical music style” is defined according to its characteristic traits: the musical language, the musical medium, the compositional techniques and the formal functions that the score performs in the film. The following chapters are grouped into two sections. The first one deals with film music inside the film. Its first chapter analyses the case of "Star Wars" (G. Lucas, 1977) and the so called “Film music Renaissance” of the late 1970s; the second chapter shows why John Williams can be defined a “neoclassical” film composer, providing historical and theoretical reasons and examples drawn from Williams' early 1960s films and then focusing on "Jaws" (S. Spielberg, 1975), which can be considered the opening film of the “neoclassical trend;” the third chapter closes the section with an in-depth analysis of "Raider of the Lost Ark" (S. Spielberg, 1981), a case study of film music neoclassicism. The second section is about film music outside the films. The first chapter provides with an introduction on the prejudices and theoretical issues regarding film music and especially film music as “music,” particularly the general disapproval of its presentation in the concert halls; the second chapter shows how John Williams – appointed conductor of the most famed orchestra in the U.S.A., the Boston Pops – has been responsible for giving film music a better recognition and a new dignity even in the concert halls; the third chapter provides with an analysis of the different forms in which film music can be adapted and presented in concerts, focusing especially on the multimedia presentations – live orchestra accompanying projected footage. The appendix provides with Williams' filmography, a list of Williams' concerts suites and concert adaptations from his film scores and a list of John Williams-conducted film music featured in the TV programme "Evening at Pops.

Film music as a film device. A neoformalist approach to the analysis of music in films

In the last ten years there has been a significant shift of interest in film music from Film departments to Music departments. This study seeks to balance the situation and bring film music back into the sphere of action of Film Studies. Film scholars can still give an important specialistic contribution by tackling the music as one of the cinematic devices, and focussing on the analysis of its interplay with the other formal elements of film. In this view, the scope of this study is to develop an approach and a set of analytical tools that serve as a guidance to film scholars to address music in film from their discipline-specific perspective.The analytical approach here offered stems from a mix of Neoformalism – from Film Studies – and concepts drawn from Leonard Meyer's music theories. Neoformalism describes and explains the filmic system focussing on the overall form and style, not only on the interpretation of the film's contents and meanings. In particular, the analysis concentrates on the function(s) and motivation(s) of a series of devices, whose interplay is at the basis of the film's formal system. Being one of the film's devices, music carries out specific functions and responds to specific motivations. Yet, film music is also music. Hence, Neoformalism is coupled with Leonard B. Meyer's theories. According to Meyer the meaning and emotional effect of a tonal piece of music derives from the way in which the composition plays with the listener’s expectations and anticipations, which are based on a shared knowledge of norms and conventions. This interest in norms and conventions and in the psychology of perception links Meyer's studies to Neoformalism. And their common interest in the 'whole,' in formal stabilisation, and closure makes Gestalt Psychology a fitting overarching theoretical framework to integrate Neoformalism with Meyer's musicology. The combination of the micro-configuration of the music and that of the visuals produces a macro-configuration in which the whole is something different from the sum of its parts. In this audiovisual interaction, three areas of musical agency are identified in the film: music can have a perceptive function; an emotive function; a cognitive function.The findings are valuable for both the disciplines involved. To film scholars, it presents film music as a topic that can be handled with more confidence and breadth, because the musicological analysis of the musical text (the score) is not required in this approach. To musicologists, it provides a way to deepen their understanding of and insights into the formal and stylistic ways in which music interacts and combines with the other cinematic components

Creative energy without creative industry: Mario Bava

Compared to Hollywood, Italian cinema is more a matter of craftsmanship than industry. Genre films, in particular, have typically been disregarded and had to struggle with dramatically slim budgets. Mario Bava was probably the most outstanding example: on many an occasion he managed to compensate the lack of a supporting creative industry with his own creative energy. 2014 marks the centennial of Bava's birth and the paper aims at illustrating his deftness in manufacturing very low-budget and yet ingenious films that have eventually come to exercise a seminal influence world-wide. The case study will be a comparative stylistic analysis of excerpts from Bay of Blood (Reazione a catena, 1971), an outstanding model for the American slasher films of the 1980s, with Friday the 13th Part 2 (1981), a quasi-remake slasher by the Hollywood creative Industry (Paramount Pictures) which replicated some of Bava's set-pieces almost verbatim

Earl Wild and American Popular Music

An original essay and tracks information commissioned for the booklet of the music album "Earl Wild: The Complete Transcriptions and Original Piano Works, Vol. 3", published by the record label Piano Classics.Music album "Earl Wild: The Complete Transcriptions and Original Piano Works, Vol. 3