APPRENTISSAGE PROFOND POUR LA RECONNAISSANCE EN TEMPS REEL DES MODES DE JEU INSTRUMENTAUX

International audienceAu cours des dernières années, l'apprentissage profond s'est établi comme la nouvelle méthode de référence pour les problèmes de classification audio et notamment la reconnaissance d'instruments. Cependant, ces modèles ne traitent généralement pas la classification de modes de jeux avancés, question pourtant centrale dans la composition contemporaine. Les quelques études réalisées se cantonnent à une évaluation sur une seule banque de sons, dont rien n'assure la généralisation sur des données réelles. Dans cet article, nous étendons les méthodes de l'état de l'art à la classification de modes de jeu instrumentaux en temps réel à partir d'enregistrements de solistes. Nous montrons qu'une combinaison de réseaux convolutionnels (CNN) et récurrents (RNN) permet d'obtenir d'excellents résultats sur un corpus homogène provenant de 5 banques de sons. Toutefois, leur performance s'affaiblit sensiblement sur un corpus hétérogène, ce qui pourrait indiquer une faible capacité à généraliser à des données réelles. Nous proposons des pistes pour résoudre ce problème. Enfin, nous détaillons plusieurs utilisations possibles de nos modèles dans le cadre de systèmes interactifs

Hugh Le Caine, de la saqueboute au multi-track

Dans cet extrait de son livre Blues pour saqueboute, Gayle Young retrace les premiers pas de la musique électronique et rappelle une période spécifique durant laquelle les innovations scientifiques et artistiques étaient fortement encouragées par le public et les institutions publiques. L’article est bâti à partir de nombreuses entrevues avec des collègues de Hugh Le Caine et des extraits de correspondances. Les possibilités musicales des instruments de Le Caine sont soulignées dans le livre dont proviennent ces extraits, de même que leur fonctionnement technique. L’intérêt de Le Caine pour le clavier à touches sensibles et pour les contrôles simultanés de différents paramètres musicaux est déjà évident dans la construction du saqueboute de 1948, un instrument pour lequel il utilisait le contrôle de voltage pour la première fois, construisant ainsi le premier synthétiseur analogique. Sa composition Dripsody (1955), élaborée sur un prototype multipiste, utilisait un clavier similaire à celui du saqueboute, mais plutôt que de contrôler des générateurs audio électroniques, il contrôlait la vitesse de lecture de plusieurs bobines de ruban. Pour Le Caine, le son est l’élément de base de la musique, qu’il soit électronique ou échantillonné.In this excerpt from her book Sackbut Blues, Gayle Young outlines the story of early electronic music, and provides a window into a specific historical era when scientific and artistic innovation were strongly supported by the public and by public institutions. It is based on many interviews with colleagues of Hugh Le Caine as well as excerpts from written correspondence. The musical intentions of Le Caine’s instruments are outlined, as well as the technical means of creating them. His early emphasis on touch-sensitive keys, and the simultaneous control of many different musical parameters, was evident in the 1948 sackbut, an instrument in which he used voltage control for the first time, making the sackbut the first analogue synthesizer. His 1955 composition Dripsody, made on his prototype multi-track, used a keyboard similar to that in the sackbut, but rather than control electronic tone generators, it controlled the playback speed of several reels of tape. For Le Caine, sound was the basic medium of music, whether electronic or sampled

Segmentation et regroupement en chanteurs. Application aux enregistrements ethnomusicologiques

Cette thèse est réalisée dans le cadre du projet ANR CONTINT DIADEMS sur l'indexation de documents ethnomusicologiques sonores. Les données que nous traitons sont fournies par les partenaires ethnomusicologues du projet et elles sont issues des archives du Musée de l'Homme de Paris. Les travaux effectués lors de cette thèse consistent à développer des méthodes permettant de faire une structuration automatique des documents musicaux et ethnomusicologiques basée sur les personnes. Cette thèse aborde le sujet encore inexploré à notre connaissance de la segmentation et du regroupement en chanteurs dans des enregistrements musicaux. Nous proposons un système complet pour ce sujet en s'inspirant des travaux réalisés en segmentation et regroupement en locuteurs. Ce système est conçu pour fonctionner aussi bien sur des enregistrements musicaux de type studio que sur des enregistrements musicaux réalisés dans des conditions terrain. Il permet, tout d'abord, de découper les zones de chant en des segments acoustiquement homogènes, i.e. en groupe de chanteur(s) afin d'avoir une segmentation en tours de chant. Ensuite, une phase de regroupement est effectuée afin de rassembler tous les segments chantés par un même groupe de chanteur(s) dans une seule classe. Notre première contribution est la définition de la notion de " tour de chant " et la proposition de règles d'annotation manuelle d'un enregistrement en des segments de tours de chant. La deuxième est la proposition d'une méthode de paramétrisation de la voix des chanteurs en implémentant une stratégie de sélection de bandes fréquentielles pertinentes basée sur la variance de celles-ci. La troisième est l'implémentation d'un algorithme de segmentation dynamique adapté à un contexte de chant en utilisant le Critère d'Information Bayésien (BIC). La quatrième est la proposition d'une méthode de Décision par Consolidation A Posteriori, nommée DCAP, pour pallier au problème de variabilité du paramètre de pénalité du BIC. En effet, comme le choix a priori d'une valeur optimale de ce paramètre n'est pas possible, nous effectuons un vote majoritaire sur plusieurs sorties de segmentations obtenues avec différentes valeurs de ce paramètre. Des gains d'environ 8% et 15% sont obtenus sur nos deux corpus avec cette méthode par rapport à une valeur standard du paramètre de pénalité. La cinquième est l'adaptation de la méthode DCAP pour la réalisation de l'étape de regroupement en chanteurs.This work was done in the context of the ANR CONTINT DIADEMS project on indexing ethno-musicological audio recordings. The data that we are studying are provided by the Musée de l'Homme, Paris, within the context of this project. The work performed in this thesis consists of developing automatic structuring methods of musical and ethno-musicological documents based on the persons. This thesis touchs on an unexplored subject in our knowledge of the segmentation and clustering in singers of musical recordings. We propose a complete system in this subject that we called singer diarization by analogy with speaker diarization system on speech context. Indeed, this system is inspired from existing studies performed in speaker diarization and is designed to work on studio music recordings as well as on recordings with a variable sound quality (done outdoors). The first step of this system is the segmentation in singer turns which consists of segmenting musical recordings into segments "acoustically homogeneous" by singer group. The second step is the clustering which consists of labelling all segments produced by the same group of singers with a unique identifier. Our first contribution involved the definition of the term " singer turns " and the proposal of rules for manual annotation in singer turns segments. The second consisted in the proposal of a feature extraction method for the characterization of singer voices by implementing a method to select the frequency coefficients, which are the most relevant, based on the variance of these coefficients. The third is the implementation of a dynamic segmentation algorithm adapted to the singing context by using the Bayesian Information Criterion (BIC). The fourth is the proposal of a method, called DCAP, to take a posteriori decisions in order to avoid the variability problem of the BIC penalty parameter. Indeed, a priori choice of an optimal value for this parameter is not possible. This led us to perform a majority voting on a several segmentations obtained with different values of this parameter. A gain of about 8% and 15% is obtained on our two corpora with this method compared to the results found with a standard value of the penalty parameter. The fifth is the adaptation of our DCAP method in order to perform singer clustering step

Un pitchtracker monophonique

Nous présentons ici un détecteur de hauteur de note basé sur une amélioration du vocodeur de phase. Cette amélioration, permettant une meilleure précision en temps et en fréquence, est parfaitement adaptée à une utilisation en temps réel. Une attention particulière a été portée sur la possibilité d'intégration de ce détecteur dans différents systèmes

Les caractères musicaux au sein d'une démarche artistique dramatique : exploration des indices acoustiques jouant un rôle dans l'évocation des états affectifs en musique

Cette thèse de doctorat en composition comprend deux projets de nature différente et complémentaire : (1) un projet de recherche théorique sur la communication des caractères musicaux; (2) un projet artistique s'articulant autour de la composition de trois pièces : L'homme à deux têtes - opéra de chambre, Un instant dans l'esprit de Lovecraft - pour clarinette solo, orchestre à cordes et percussions, et Balade ornithologique - pour orchestre à vents. La conception de la musique comme un moyen de communication est à l'origine de cette recherche théorique qui est motivée par un désir de compréhension des stratégies d'expressions des émotions en musique, à partir du point de vue du compositeur. Cette thèse aborde les modèles de communication, le concept de personnage virtuel et la théorie de la contagion des humeurs. Par la suite, nous détaillerons les indices acoustiques menant à la perception des caractères musicaux. Toutes ces notions sont illustrées et explorées par la composition de miniature ayant un caractère bien ciblé. Finalement, nous proposons un système d'analyse musical des caractères et des émotions qui est appliqué à l'analyse de sections des pièces composées au cours de ce projet de doctorat. Ce dernier chapitre met en lumière les stratégies utilisées pour créer un discours dramatique tout en exposant l'évocation de différents caractères musicaux.This doctoral thesis in composition includes two projects, of different and complementary natures: (1) a theoretical research project, concerning the communication of various musical characters; (2) an artistic project, consisting of the composition of three pieces. The second project includes L'homme à deux têtes - a chamber opera, Un instant dans l'esprit de Lovecraft - for solo clarinet, string orchestra and percussions, and Balade ornithologique - for wind symphony. The theoretical research project starts from the notion that music is a form of communication, and from our desire to understand how emotions are expressed in music, from a composer's perspective. We discuss models of communication, the concept of "virtual characters" and the theory of "mood contagion". Then, we detail the acoustic cues that allow for the perception of musical characters. All these concepts are illustrated and explored through the composition of miniatures, where the characters are well defined. We also propose a method of music analysis which includes the expression of characters and emotions, and we apply this method to various sections of the pieces composed for this doctoral project. This last chapter highlights strategies to create a genuinely dramatic discourse, and discusses how various musical characters are evoked

Raga : approches conceptuelles et expérimentales

Le domaine est "Musique, musicologie et arts de la scène"Les difficultés de l'analyse acoustique de musiques extra-européennes proviennent souvent de catégorisations de phénomènes qui ne rendent pas compte des modèles explicites (ou implicites) sur lesquels s'articulent la création et la perception de structures musicales. Cet exposé définit la notion de modèle mélodique, élaborée et modifiée pendant neuf siècles en Inde pour rendre compte d'un phénomène mélodique particulier: le raga. Dans la deuxième partie sont présentés les outils et méthodes qui servent à caractériser l'intonation des ragas, ainsi qu'à réaliser leur transcription et leur classification automatiques.Difficulties in analysing extra-European musics are often bound to categorisations of phenomena that do not take into account explicit (or implicit) models on which the creation and perception of musical structures are based. This paper defines the concept of melodic model, a concept elaborated and transformed for nine centuries in India to underlie a particular melodic phenomenon: raga. In the second part, tools and methods are presented relating to raga intonation and their automatic transcription and classification

Les Sixties psyché-reliques

En se concentrant sur le rock psychédélique du groupe de rock australien Tame Impala, cet article s'intéresse à la façon dont une expérience de nostalgie de substitution (Appadurai, 1996) peut être suggérée par la mise en scène phonographique dans la musique rétro contemporaine. Là où la nostalgie traditionnelle concerne le passé effectif d'une personne, cette musique permet de concevoir une nostalgie s'attachant à un passé situé hors de l'expérience vécue. Cette possibilité d'évoquer le sentiment nostalgique au sein de la production musicale récente est en grande partie liée à l'utilisation d'éléments sonores identifiables par les musiciens et le public comme des marqueurs culturels des années 1960, déclenchant une vaste mémoire collective de cette période.Focusing on the psychedelic rock music of Australian group Tame Impala, this paper investigates how an experience of “ersatz nostalgia’ (Appadurai, 1996) might be evoked through the phonographic staging of sound in contemporary retro rock music. Unlike a traditional nostalgia for one’s own personal past, this music evidences a yearning for a past outside of lived experience. This effect of evoking nostalgic sentiment in new music relies in large part upon the use of particular sound elements that are identifiable by musicians and audiences as the sonic cultural markers of the 1960s and which appeal to the wider collective memory of that era

Le répertoire baroque interprété par les grands flûtistes de 1960 à aujourd’hui : une étude sur l’authenticité et son évolution à travers le temps

Dans ce mémoire, nous avons étudié l’impact du mouvement HIP (Historically informed performance) sur la manière dont les flûtistes interprètent le répertoire baroque depuis 60 ans. Nous avons analysé avec Sonic visualiser des enregistrements de cinq flûtistes, réalisés tant sur la flûte baroque que la flûte moderne. Le logiciel a permis de générer des données graphiques qui appuient objectivement les constats observés en ce qui a trait au tempo, aux ornements, aux articulations, aux nuances et au vibrato. En comparant ces enregistrements, nous avons remarqué qu’il existe plusieurs points communs entre les interprètes qui jouent sur un instrument baroque et ceux qui jouent sur un instrument moderne, au point où l’on peut parler d’un transfert des pratiques d’interprétation de l’un vers l’autre. Nous avons aussi fait une synthèse de quelques sources baroques afin de vérifier dans quelle mesure les interprètes observent ces indications. Nous avons observé qu’au cours des années, le mouvement HIP a changé la définition de ce qu’est une interprétation authentique et qu’il a modifié la manière dont les flûtistes modernes dans leur ensemble interprètent la musique baroque.In this master’s thesis, we studied how the historically informed performance (HIP) movement has impacted the way flutists have approached Baroque repertoire since 1960. We analyzed recordings from five flute players with Sonic Visualiser. We used this software to generate graphical data to objectively support our observations on tempo, articulation, dynamics, and vibrato. By comparing recordings made on baroque and modern instruments, we found that in the past 20 years, flutists who are performing this repertoire on the modern flute started integrating performance practice from the baroque players in their own performance of early music. To contextualize the performance practices, we synthesized a few baroque sources to verify the extent to which flutists have respected these indications. Through the process of this research, we observed that the HIP movement has changed the definition of an authentic performance of early music and that it has modified the way modern flutists perform Baroque music

Le visuel et le sonore en matière de composition musicale : un rapport homologue

Le visuel, et notamment la théâtralité, les gestes, la vidéo et la danse, pourraient-ils être traités en tant que matière connexe au son dans la composition musicale ? Quelles sont les stratégies à notre disposition pour intégrer de manière pertinente l’image et le son ? Qu’est-ce qu’implique l’intégration du visuel dans la création et l’interprétation d’une oeuvre musicale ? À partir de ces questionnements, sept pièces ont été composées dans le cadre de ma maîtrise entre les mois de septembre 2014 et août 2016. Ce mémoire décrit les principales étapes de conception de ces pièces ainsi que leur processus de composition dont le but était la recherche de solutions et de stratégies visant un rapport homologue entre le visuel et le sonore dans le processus de création musicale. Le premier chapitre dresse un portrait des artistes et compositeurs qui ont travaillé sur le rapport entre le son et le visuel. Quelques stratégies de ces compositeurs ont été utilisées lors du processus visant la création d’une composition musicale capable d’intégrer le visuel en tant qu’élément essentiel. Le deuxième chapitre présente des pièces dans le cadre desquelles je me suis penchée sur le lien entre la musique et la vidéo, la gestuelle ou la danse. Le troisième chapitre aborde une série de quatre pièces composées dans le but d’exprimer, à travers la musique et la mise en scène, des questions liées à notre quotidien. Le dernier chapitre présente finalement des conclusions qui ont émergé à la suite de mon processus de composition et, dans certains cas, à la suite de la performance des pièces.Is it possible to treat visual material, in particular theatre, physical gestures, video and dance, as an equal element to sound in musical composition? What strategies are available to us to incorporate, in a relevant way, image and sound? What does the interaction between sound and visual material in the creation and the performance of a musical piece imply? Guided by these questions, I composed seven pieces as part of my Masters, between September 2014 and August 2016. This paper describes the main stages of these pieces and their composition process, which aimed to find solutions and strategies for a homologous relationship between the visual and the sound in the process of musical creation. The first chapter draws a portrait of artists and composers who worked on the relationship between sound and visual. Some strategies of these composers were used during the process of creating a musical composition capable of integrating the visual as an essential element. The second chapter presents the pieces which I have investigated the link between music and video, gesture and dance. The third chapter addresses a series of four pieces composed for the purpose of expressing, through the relation between music and staging, issues related to our daily life. Finally, the last chapter presents conclusions that emerged as a result of my writing process and, in some cases as a result of the performance of the parts

L'APPRENTISSAGE DU VIOLON À LA CROISÉE DE L'ÉCOLE RATIONALISTE FRANÇAISE ET DE L'ÉCOLE PRAGMATISTE SUZUKI

The thesis, a volume of 466 pages, including a dozen pages of bibliography is organized in three parts spread over eight chapters, with an introduction and a conclusion. The introduction describes a path at the intersection of music and philosophy, on one side with graduate training in violin, the other in the encounter with phenomenology through the thought of Antonio Banfi in Italy. This dual experience motivates the theoretical impulse of all, leading to build in the first part of an empirical phenomenology which, in the field of art, would be attentive to the execution of works and instrumental technique. This requirement extends, in the thesis, a precise and concrete way through the confrontation of two methods of learning the violin, which are opposite to each other at all levels: on one hand the method of Pierre Baillot and the other that of Shinichi Suzuki. The first outcome of the sphere of the Paris Conservatoire just before the mid-nineteenth century, values the professionalism and selection, written music and playing the score; the other, carried by ancestral values of spirituality, belongs to Japan after the Second World War and advocates music for all, in its ability to transform the lives of everyone. Similar to the mother tongue, with the emotions that this implies, the music is so learned in any other way that where, as in Baillot, an analytical design and discipline prevails: listening, oral and beautiful sound are, in Suzuki, the main springs of the method. The interest of the thesis is however not to stay in generalities about it and getting into sharpened descriptions of all aspects of learning: stages of progression, body postures, taking account of singing and voice are all elements that contribute to the construction of the vis-\ue0-vis between the two methods, in important chapters IV to VI. A huge number of examples is used as a document from the literature of treaties and revived in the light of experience