Vers une approche interculturelle de l'enseignement de l'orchestre à cordes de la première secondaire

L'augmentation du flux migratoire a amené plusieurs transformations tant politiques, que sociales, et éducationnelles au sein de la société québécoise. Sur le plan scolaire, l'école doit prendre en compte l'augmentation de la diversité ethnoculturelle. Dans un tel contexte, les acteurs de l'école québécoise, plus précisément les directions, les directions-adjointes et les enseignants doivent revoir les approches pédagogiques, mais aussi le matériel didactique à proposer aux élèves. Dans cette perspective, cette recherche vise à proposer des pratiques pédagogiques innovantes en enseignement de la musique de la première secondaire en contexte pluriculturel. Plus particulièrement, elle propose un modèle d'enseignement favorisant l'apprentissage de l'orchestre à cordes dans une perspective d'éducation interculturelle. Dans cette optique, les objectifs découlant de la question centrale de notre recherche sont : Objectif 1 : Développer un cadre de références théorique et conceptuel qui, inspiré par les contenus d'enseignement/apprentissage, permettrait aux élèves inscrits en musique orchestre à cordes de la première secondaire, à devenir des passeur culturel, Objectifs 2: Opérationnaliser, à partir de ses critères constitutifs, la sélection des pièces musicales à apprécier et à interpréter et/ou la création de matériel didactique et/ou pédagogique répondant aux exigences du programme de formation de l'école québécoise du MELS (2006), Objectif 3 : Proposer des planifications annuelles qui prendront en compte des contenus de savoir, de savoir-faire et de savoir-être. Cette recherche est de type qualitatif et exploratoire. En s'inspirant du modèle de Musique-Culture tel que développé par Titon (2009), du concept de passeur de culture de Zakhartchouk (1999), de la compétence de communication interculturelle de Lussier (2008), et des trois compétences disciplinaires du MELS (2006) nous avons élaboré des grilles d'analyse qui nous ont permis de procéder dans un premier temps à l'analyse technique des pièces musicales, puis à l'analyse sémantique du matériel audio, visuel, audio-visuel et écrit. Cette étude a permis de démontrer que certains critères peuvent aider les enseignants à mieux sélectionner le matériel proposé en classe par une approche interculturelle de l'enseignement de la musique (orchestre à cordes). Cette dernière a également démontré que l'éducation musicale interculturelle ne suggère pas seulement d'acquérir des connaissances culturellement diversifiés, mais de percevoir ces contenus de connaissance comme des ressources et des défis stimulants à relever plutôt que des problèmes difficiles à résoudre. \ud ______________________________________________________________________________ \ud MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : éducation musicale interculturelle, orchestre à cordes, passeur de culture, compétence à la communication interculturelle

Rapport annuel du Conseil supérieur des bibliothèques (1995)

Rapport annuel du président du CSB. État des bibliothèques françaises, propositions d\u27action, études particulières : Les difficultés des bibliothèques universitaires françaises, Les usages des documents électroniques en bibliothèque, Développement des relations internationales, Publics empêchés, etc

Musique, voix chantée et apprentissage : une revue de littérature et quelques propositions d'exploitation en didactique de la phonétique des langues

Publiée par le CRINI (Centre de Recherche sur les Identités Nationales et l'Interculturalité), E-Crini est une revue scientifique électronique dont l'objectif est de diffuser et de valoriser la recherche interdisciplinaire menée en civilisation, littérature, linguistique, didactique, traductologie et cinéma, sur la question des identités : linguistiques, culturelles ou encore nationales (aussi bien au sens historique qu'au sens anthropologique du terme), à travers des perspectives croisées. L'essence même de notre laboratoire réside dans son caractère interculturel.Musique, voix chantée et apprentissage : une revue de littérature et quelques propositions d'exploitation en didactique de la phonétique des langues Sandra CORNAZ, Diane CAUSSADE Résumé La première partie de cet article est consacrée à une présentation des caractéristiques qui rapprochent ou différencient musique et parole. Nous questionnons en particulier leurs liens fonctionnels, structurels, phylo-et ontogénétiques. Dans la deuxième partie, nous rappelons un ensemble de recherches ayant conclu à l'effet bénéfique de la musique, de la chanson et de la voix chantée sur les acquisitions et les apprentissages, notamment phonétiques. C'est dans ce contexte qu'est définie succinctement la méthode verbo-tonale, une méthode d'intégration phonétique particulièrement pertinente dans la mesure où certains des outils qu'elle préconise, par exemple la prononciation nuancée, peuvent être considérés comme musicaux. Certains d'entre eux s'approchent même de la voix chantée. La troisième partie de l'article, en lien direct avec l'atelier mené durant le colloque Langues en Mouvement (Nantes, 2012), est l'occasion d'aborder d'autres approches, provenant d'ouvrages de chant et d'orthophonie, de la pratique chantée pour l'amélioration de la compétence phonétique. La plupart d'entre elles, quoique non utilisées en didactique des langues, nous semblent en effet fort intéressantes dans un objectif de rééducation à la perception et à la production de phonèmes non-natifs. C'est pourquoi, nous accompagnons leur présentation d'informations sur leurs intérêts phonétiques et proposons des manières de les utiliser en classe de langue. Nous espérons ainsi mettre à disposition des enseignants de langue quelques activités chantées qu'ils puissent aisément reprendre pour instaurer une séance originale de phonétique corrective dans leur classe. Abstract The first part of this article discusses the characteristics that bring together and differentiate music and speech. We examine in particular their functional, structural, phylo-and ontogenetic links. In the second part, we reappraise a set of research papers, each concluding on the beneficial effect of music, singing and singing voice on acquisition and learning, in particular phonetic. It is in this context that is briefly defined the verbo-tonal method, a method of phonetic integration particularly relevant in so far as some of the tools it advocates, for example finely-shaded pronunciation. This method can be considered as highly correlated with musical support. Some of the suggested tools use more a singing-voice than a spoken-voice. The third part of the article, directly related to the workshop that took place during the Languages in Motion symposium (Nantes, 2012), discusses other approaches, coming from work on singing and speech therapy, involving the use of singing to improve phonetic competence. Most of them, though unused in language teaching, actually seem very interesting to us regarding the objective of re-education on the perception and production of non-native phonemes. That is why their introduction goes with information about their phonetic interests and we suggest ways to use them in class. Thus we hope to suggest singing voice activities that language teachers can easily use to establish an original corrective phonetics session in their class

Étude de cas sur la production de musique de film au Québec : technologies de l'information et production de biens culturels

La présente recherche, descriptive et exploratoire, vise à mettre en lumière la situation actuelle de la composition de musique de film au Québec. Notre but premier est de cerner les facteurs d'ordre technique, financier et social qui orientent la création musicale et jouent un rôle déterminant dans la composition d'oeuvres musicales pour le cinéma. Nos objectifs de recherche, au nombre de trois, visent à identifier les agents et outils qui conditionnent la composition musicale, à exposer les divers types de conditionnement et à en décrire et analyser les conséquences connexes. Pour y arriver, nous avons opté pour une stratégie de recherche qualitative basée sur la collecte de données sur le terrain. Sur le front technologique, les résultats obtenus auprès de notre échantillon montrent que les outils technologiques de composition ont notamment pour effet de \ud « populariser » la composition musicale pour grand écran. Il ressort également qu'une utilisation inadéquate des outils de composition et d'enregistrement technologiques conduit parfois à une certaine dépréciation de la qualité des oeuvres musicales pour le cinéma. Sur le plan financier, les résultats de notre recherche montrent que des facteurs tels que le budget de composition et le souci de rentabilité influent sur la facture de la trame musicale. La qualité des oeuvres musicales peut donc être défavorablement affectée par de ce type de facteurs. Sur le plan des facteurs sociaux, notre investigation nous a permis de constater que les chefs de file de l'industrie cinématographique orientent, dans une large mesure, pour des raisons socio-commerciales, la création et la production de la trame musicale. Nous en sommes venue à la conclusion que s'il faut certes composer avec l'évolution technologique et les impératifs d'ordre financier et social, il ne faut toutefois pas négliger les aspects qualitatif et original des productions musicales. Il s'agit-là d'un juste équilibre à atteindre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Musique de film, Composition de musique de film, Facteurs technologiques, Facteurs financiers, Facteurs sociaux, Québec

De la place du traducteur dans le processus de création opératique: Le cas Max Brod

Cas unique dans l'histoire de la musique Max Brod eut, en tant que traducteur des opéras de Leoš Janáček, le privilège de collaborer directement avec le compositeur. Après son combat pour faire accepter à Vienne sa première traduction (Jenůfa), Brod essaya, lors du travail sur chaque oeuvre suivante, de suggérer à Janáček des modifications plus ou moins importantes de ses livrets. A partir des quatre opéras traduits du vivant du compositeur, l'étude montre la volonté du traducteur d'imposer ses vues romantiques à Janáček et évoque les motifs qui l'ont conduit à refuser la traduction de deux opéras moins populaires du maître morave. La part réelle de Brod dans l'oeuvre et la diffusion des opéras de Janáček peut dès lors être mieux estiméeA singular case in Music History Max Brod had the opportunity, as the German translator of Janáček's operas, to work in close collaboration with the composer. After his fight for the acceptance of his first translation (Jenůfa), Brod tried to suggest more or less important revisions in the libretti of the next works. Based on the four operas translated during the composer's lifetime, this study shows Brod's desire to impose his romantic views to Janáček and the reasons which led him to refuse to work on two operas (less popular today). The real role of Brod in the work and the diffusion of Janáček's operas can therefore be better assesse

L'écriture par gestes-piliers dans ma démarche compositionnelle

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2010-2011Ce mémoire porte sur trois musiques de concert que j'ai composées entre 2006 et 2009. Il traite plus spécifiquement de l'écriture par gestes-piliers dans la démarche compositionnelle qui a mené à leur réalisation. Au départ, ma réflexion sur la genèse de ces oeuvres - À propos des îles de lumières, Cinq pamphlets pour ailleurs et Les fatras du contre-jour - a mis au jour l'importance du concept d'art dans ma démarche. J'ai aussi noté que des notions comme intuition, intention, technique, imaginaire et projet esthétique sont essentielles à la compréhension de ce concept. Je me suis également penché plus spécifiquement sur ma méthode de composition : l'écriture par gestes-piliers s'est révélée comme l'axe principal de cette méthode. Je me suis alors questionné sur l'origine de ces gestes-piliers et j'ai identifié plusieurs sources d'influence, soit les musiques de Varèse, Scelsi, Sciarrino et Berio. Outre l'introduction et la conclusion, ce mémoire est construit en deux parties : chapitre 1, l'énoncé des différents concepts nécessaires à la compréhension de ma démarche compositionnelle et chapitre 2, l'illustration et l'analyse de l'écriture par gestes-piliers dans les oeuvres à l'étude

Recherche sur les techniques pianistiques à travers l'analyse comparée des Études d'exécution transcendante S.139 de Franz Liszt et des Douze Études dans les tons Mineurs Op. 39 de Charles-Valentin Alkan

Cette thèse est une recherche comparative globale des techniques pianistiques utilisées dans les Douze études dans les tons mineurs op. 39 de Charles-Valentin Alkan et les Études d'exécution transcendante de Franz Liszt. À partir de ce concept, ce document explore l'évolution du piano en France à l'époque des deux compositeurs. De plus, il détermine leurs innovations pianistiques ainsi que les styles personnels qui les caractérisent dans ces deux recueils. On y trouve également une analyse du langage musical apparu dans chaque étude et l'influence des autres compositeurs. Cet écrit présente un parcours des différentes textures pianistiques du point de vue de l'interprète. Ce survol a pour but d'arriver à une pratique optimale ainsi qu'à une utilisation efficace des moyens corporels pour obtenir une meilleure qualité de son. En somme, cette recherche porte sur la résolution des problèmes techniques des œuvres de ces deux compositeurs qui se trouvent au sommet de la virtuosité au 19e siècle.This thesis is a comprehensive comparative research of piano techniques used in Charles-Valentin Alkan's Twelve Etudes In the Minor Keys op. 39 and Franz Liszt's Transcendental Etude. From this starting point, this document explores the historical evolution of the piano in France during these two composer's time. It also determines their pianistic innovations as well as the personal styles that define them in these two collections. The reader will also find an analysis of the musical language that appeared in each etude as well as the influence from other composers' styles. This document presents an overview of different pianistic textures explained from the interpreter's standpoint. This overview targets an optimal way for practicing and an efficient use of the body in order to obtain a better sound quality. Thus, this research is about the resolution of technical problems that one can find in the works of these two composers who are at the top of the 19th Century's virtuosit

Postmodernité et bouddhisme zen japonais : d'une sémiotique de lieux, le cas du jardin sec Ryôan-ji

Les phénomènes de polysémie et de transcodage des corpus culturels établissent une structure d'argumentation dialectique. Le transculturel et le transhistorique deviennent là des axes centraux dans l'application du pragmaticisme des systèmes en expansion et dans la coexistence des métadiscours actuels et anciens. Le criticisme du métasavoir sur la pluralité des dispositifs hypertextuels permet ainsi une double lecture, celle de la postmodernité et celle de la proto-philosophie bouddhique. De là, on convient d'une réversibilité historique, du structuralisme et du post-structuralisme comme lieux d'une confrontation de la fonction critique des modèles textuels. La postmodernité (fin des années 60 et début des années 70) indique alors, par la mise en place d'une prolifération des figures-discours, le statut des actes langagiers par rapport à une homologie des styles et des genres. On y note un questionnement soutenu des assises d'une grammaire visuelle pluraliste dont, entre autres, un arrêt sur le concept de champ élargi dans les discours critiques de R. Krauss sur l'installation. En fait, les définitions d'une syntaxe du lieu et de la praxis du landscape-gardener seraient comme les deux pôles d'une économie esthétique au fondement même de cette praxis installative.Les conditions particulières du transhistorique réalisent encore une forme de consensus de l'historia entre les passages de frontière d'un tel corpus historique pluraliste et des séquences d'argumentation, dont notamment l'inclusion de modèles stratégiques. D'où l'intégration possible des champs de la postmodernité et de la proto-philosophie bouddhique japonaise, qui rejoignent un processus de montage et de démontage des ruines textuelles, en regard d'une dialectique opératoire de conformité et de non-conformité du sens. L'histoire du code, la protophilosophie et l'esthétique bouddhiques zen japonaises entre les 12e et 15e siècles, supposent ainsi une rhétorique et un métalangage dont les règles du savoir véhiculent des paramètres langagiers paradoxaux. Les kôans évoquent à cet égard un encodage communicationnel du texte qui exige une réceptivité de l'entendement hétérodoxe d'après les modèles langagiers performatifs. L'analyse du métasystème bouddhique japonais permet alors une validation critique des corpus textuels afin d'établir une spéculation hypothétique quant aux agrégats interprétatifs.Le corpus textuel de cette recherche vise principalement les positions de Toshihiko Izutsu, Abe Masao, Martin Colcutt, Hebert V. Guenter, Chung-Ying Cheng, Philip Yampolsky, Robert D. Baird, Tom J.F. Tillemans; ainsi que celles de certains philosophes tels que Nishida Kitaro, Hisamatsu Shin'ichi, Hajime Nakamura, Jacques Masui, T.P. Kasulis, Sung Bae Park, David Appelbaum, et David E. Shaner. Dans ce contexte d'érudition, les approches méthodologiques et théoriques de Roland Barthes, Julia Kristeva, Linnart Mail, Ryôji Nakamura, René de Ceccaty et Gilles Deleuze sont aussi prises en considération comme valeurs d'interprétation de certaines problématiques soulevées en cours d'analyse.En outre, l'étude d'un concept, celui de vide par exemple, soit le sunyata, réfère tant aux discussions sur la valeur symbolique du dispositif zérologique en psychanalyse, qu'à la mise en forme d'un espace de non représentation. Car dans l'état de crise actuelle du discours occidental, le statut même du silence comme de l'éthique remet en cause la conception du logocentrisme européen. En sémiotique des lieux, l'étude du jardin sec, le Ryôan-ji, serait en conséquence un tel recoupement synthétique de la tradition du système esthético-philosophique bouddhique zen japonais et des théories postmodernes. Cette grammaire in situ intervient sur des praxis actuelles en histoire de l'art: soit, a priori, sur les postulats du musicologue Daniel Charles dans ses «Gloses sur le Ryôan-ji» et au niveau du corpus critique sur l'oeuvre de John Cage.C'est dans ce contexte que la philosophie cosmogonique et l'oeuvre «Atlas Eclipticalis» de Cage se définissent sémiotiquement avec le structuralisme, une logique triadique et une architecture des théories du jardin, ainsi qu'une application du corpus peircéen sur la trichotomie du signe. Là, un archétype topologique, le ma (1'espace-temps), permet de circonscrire les paramètres discursifs et cognitifs clés actualisés par l'architecte d'avant-garde, Arata Isozaki. Dans le modèle du jardin Ryôan-ji plus particulièrement, le fondement des propriétés cosmologiques comme valeur hypothétique du lieu architectural, concernerait dès lors hic et nunc les relations céleste/terrestre, diurne/nocturne, dans la redéfinition pragmatique d'une grammaire in situ.Montréal Trigonix inc. 201

Structures rythmiques dans Le passage de l’Indiana : ressacs et dérives du sens

Les théories du rythme en poésie contemporaine mettent en lumière la construction formelle du Passage de l’Indiana de Normand Chaurette. Structurée à la manière d’une partition musicale, la pièce fonctionne selon un système de répétitions qui instaure une temporalité favorisant les retours. En repérant et en comparant des unités signifiantes (répliques, thèmes et motifs) qui sont répétées dans la pièce, il appert que le sens de ces unités se transforme selon l’endroit où elles se situent. L’intrigue qui paraît, de premier abord, fragmentée et stagnante en raison des multiples répétitions progresse, au contraire, grâce aux déplacements de sens qu’implique la reproduction. Ces déplacements se vérifient également chez les personnages : chacun répète les répliques des autres personnages et leur attribue un sens nouveau en jouant un autre rôle. Grâce au jeu dans le jeu, l’identité des personnages est mouvante.The theories on rhythm in contemporary poetry can be used to study form in Normand Chaurette's play Le passage de l’Indiana. Structured like a musical score, the play is based on a system of repetitions that constantly returns to the same elements. When these significant elements (lines, themes or patterns) are identified and compared, their meaning varies according to the place they occupy in the play. The storyline that appears fragmented and stagnant at first because of all the repetitions is shown to evolve with the displacement of meaning that reproduction entails. These transfers can also be verified with the characters: each of them repeats the others' lines and adds a new meaning to them by playing another role within their own role. Therefore, the identity of the characters is also in constant motion