Hindi Generation from Interlingua

This paper reports our work on generating Hindi sentences from an interlingua representation called Universal Networking Language (UNL). UNL represents knowledge in semantic net like graphs which contain disambiguated words, binary semantic relations, and speech act like attributes associated with the words. Assisted by a semantically rich lexicon, a priority-matrix of syntax plan, and elaborate morphology synthesis rules, we produce fluent Hindi sentences which also meet the adequacy requirement with respect to the reference sentences, and the faithfulness requirement with respect to the semantic graphs. The system has been tested on agricultural corpora, and the system generated sentences were scored by a team of evaluators. The BLEU scores against the reference sentences have been computed. The results show that our system is able to generate slightly flawed but easy to understand sentences that convey most of the meaning. We observe strong correlation between the fluency scores and the BLEU scores, as well as between fluency and the adequacy scores. Since fluency evaluation does not require reference translation, this correlation facilitates large scale evaluation of our system without translating large number of UNL sentences. This system is a step towards machine translation involving Hindi as the target language. Our approach is also adoptable to the generation of other languages, in particular Indian languages

Livegraphy performance art, language, and the multiplicity of sense

PhDThis thesis is constructed in three parts. Each one of them offers a reflection on the common ideas disseminated about Live Art, conceptual dance and postdramatic theatre, i.e. that these practices reject the notion of mimesis as it is supposed to represent reality, they reject text in favour of a phenomenological language and they produce a form of non-sense which should be translated into meaning. Each of these statements will be problematized. I will argue that Live Art is producing mimesis even if it works against representation and although its actions are performed for real. It does not represent reality, but neither does it present the Real. It is producing a version of the "Real", which is the definition of mimesis. I will then argue that if these practices create a phenomenological language, it relies on a form of writing that is being produced live by the work. Finally, I will propose that the non-sense constructed by this writing process should not be forced into a meaning, but should be read as a fluid linguistics, which in some instances will be concretely a linguistics of fluids. By this I intend to point out that the meaning of the constructed non-sense will never be fixed nor unique. The work only becomes meaningful because it remains permeable to meanings. These three steps all participate in the "undoing of meaning"; relying on a process involving destruction within construction to then allow reconstruction. Mimesis, logos and sense need to be taken apart before these concepts can be thought anew. It is the rigidity of the conventional systems of apprehension which has to become permeable to allow a fluid multiplicity of meanings. In conclusion I will draw some parallels between performance art and feminism in their appropriation of the concept of mimesis and their approach to language outside the structure of logos and I will suggest that the performances which explore and expose these concepts adopt a feminist philosophical strategy. 1 I chose to use this spelling closer to the French spelling of “non-sens”, which does not have in French the colloquial use it has in English and is more directly related to the philosophical concept. The hyphenated word better translates the idea of a reverse image of the word “sense”

Bootstrapping Information from Corpora in a Cross-Linguistic Perspective

The achievements of Romance language corpus-driven studies deserve more attention from the scientific community at the world level for both their quantity and quality. This book contains papers given at the 3rd International LABLITA Workshop in Corpus Linguistics (Italian Department, University of Florence, June 4th-5th 2008 ), and it aims at integrating new ideas and results derived from Romance language corpora in the framework of the overall achievements of Corpus Linguistics. The volume contains the contribution of a leading scholar of Corpus Linguistics (Douglas Biber), and a set of articles presented to Biber by notable European researchers and those from other countries. Papers report on long-term studies ranging from Italian to Spanish, French, Brazilian Portuguese and Japanese

Functions of Liminality in Literature: A Study of Georges Bataille\u27s Le Bleu Du Ciel , Julien Green\u27s L\u27Autre , and Assia Djebar\u27s L\u27Amour, La Fantasia .

The term liminality originated in the work of two socioanthropologists, Arnold van Gennep and Victor Turner; it is descriptive of the middle phase in a rite of passage. Whereas the betwixt and between transitional pattern is temporary in tribal societies, it often becomes a way of life in the twentieth century. Although their projects differ greatly, Victor Turner\u27s and Jacques Derrida\u27s mutual interest in border spaces brings them both into this discussion. Some of the same phenomena described by the sociological term, liminality, is discussed philosophically as undecidability and aporia. Liminality functions to link and to investigate three disparate twentieth-century novels written in French: Georges Bataille\u27s Le Bleu du ciel, Julien Green\u27s L\u27Autre, and Assia Djebar\u27s L\u27Amour, la fantasia. Transgressivity, by its violation of convention, places one in liminality as is evident in Le Bleu du ciel. Religious experience is undeniably liminal, and in L\u27Autre the experience of liminality results in Christian conversion. Communitas is a spontaneous bonding that occurs among those undergoing liminal experiences together, and in L\u27Amour, la fantasia, the narrator writes for a community of women telling the stories of human suffering in Algeria\u27s past. The schema for investigating each text is: the authority of the author since each of these writers is marginal to the commonly-accepted canon of French literature; the narratorial voice as it moves from one male to a male-female combination, to a proliferation of women\u27s voices; and feminine presence which evolves in these novels as women become more prominent. The notion of liminality is useful not only in the analysis of literary texts, but it can also be seen as descriptive of the transitional state that literature and literary studies have entered during the past thirty years. Deconstruction and feminism are discussed as the catalysts prompting this sense of displacement in literary studies. Derrida uses the term ecriture to denote writing that disturbs the logocentrism of literary and philosophical thinking. Feminists writers like Helene Cixous and Luce Irigaray have borrowed this term to signify a style of writing they call ecriture feminine that explores women\u27s language and literary production

Reviews of recent publications

Elisabeth Bronfen. Over Her Dead Body: Death, Feminity and the Aesthetic by Lisa Maruca Jacques Dupin: Selected Poems. (Translated by Paul Auster, Stephen Romer, and David Shipiro.) by Maryann De Julio Carolyn A. Durham. The Contexture of Feminism: Marie Cardinal and Multicultural Literacy by Yolanda Astarita Patterson Mike Gonzalez and David Treece. The Gathering of Voices: The Twentieth-Century Poetry of Latin America by Steven F. White Emily D. Hicks. Border Writing: The Multidimensional Text by Roselyn Constantino Robin Régine. Socialist Realism: An Impossible Aesthetic by Peter Hitchcock Kari Weil. Androgyny and the Denial of Difference by Brigitte Rousse

Lights, camera, action! Light, canvas, stillness. A look at the intermedial relationship between cinema and Edward Hopper´s paintings

The following work analyses the relationship between painting and cinema, focusing on the figure of the American painter Edward Hopper and the influence that the artist both received from cinema and has had in cinema. The first chapter discusses Intermediality and general aspects that link both arts, such as atmosphere, light, and shadow. I will stress that Hopper transposes to his paintings some of cinema´s atmospheres, characteristics, themes, and techniques, and film directors influenced by the painter transpose to their films some of Hopper´s painterly style, atmospheres, and themes. The second chapter approaches Hopper´s life and overall oeuvre, as well as the main themes of his work. I will identify the influences suffered by his work and the importance of his marriage in the development of his craft. I will discuss his main themes: city, alienation, loneliness, silence, stillness, light, shadow, and windows. The third chapter points out the influences operated by cinema on Hopper´s work. I will analyse the artist´s major paintings representing stage and cinema. I will explore how Hopper´s works developed a close relationship with film, on a reciprocal inspiration based on the depiction of the “American Way of Life”. I will argue that not only did he choose to paint cinema halls throughout his career, but he also took inspiration and adopted techniques from cinema. The last chapter identifies and analyses concrete examples of the painter´s influence on cinema. I will discuss how film noir brought to the big screen the "American nightmare." I will explain the paternity of the term film noir. I will explore the fact that cinema has also been influenced by Hopper’s paintings. I will analyse films by Alfred Hitchcock, Michelangelo Antonioni, David Lynch, Wim Wenders, and Todd Haynes that manifestly display Hopper´s pictorial influence, as well as other directors and films.O trabalho que se segue analisa a relação entre a pintura e o cinema, focando-se na figura do pintor americano Edward Hopper e na influência que o artista recebeu do cinema e tem exercido no cinema até aos dias de hoje. O primeiro capítulo aborda a Intermedialidade e aspectos gerais que ligam ambas as artes, como a atmosfera, a luz e a sombra. Edward Hopper transpõe para as suas pinturas algumas das atmosferas, características, temas e técnicas do cinema, e realizadores influenciados pelo pintor transpõem para os seus filmes alguns dos estilos, atmosferas e temas pictóricos de Hopper. O segundo capítulo aborda a vida de Hopper bem como os principais temas da sua obra. Em 1923 Hopper casou-se com a também artista Josephine Verstille Nivison. Esta aliança é fundamental para entender o artista e a sua obra, já que Jo se tornou um elemento indispensável na execução da sua arte. Foi a única modelo feminina do marido e tornou-se a sua assistente de estúdio. Embora fascinado pelos mestres flamengos, Hopper foi influenciado principalmente pela paleta dos Impressionistas. Outra grande influência na obra de Hopper foi o cinema. Ao trabalhar nas suas pinturas, Hopper deu forma às influências cinematográficas que recebeu desta recente invenção. As suas pinturas exalam uma atmosfera de solidão urbana e possuem um carácter indescritível. A melancolia paira sobre a maioria das suas pinturas mais famosas, nas mulheres que pintou em quartos de hotel (Hotel Room), nos clientes de um “diner” (Nighthawks), ou na jovem mulher que bebe o seu café sozinha num restaurante automático (Automat). Hopper transformou cenas normais da vida quotidiana em pinturas de beleza e construiu uma narrativa ambígua, intemporal e universal. Personagens absortas, muitas vezes mulheres, são observadas por um voyeur, e pelo espectador que contempla a pintura. As suas pinturas, uma mistura do comum e do estranho, são instantaneamente reconhecíveis. Hopper deu forma visual ao anonimato, ao isolamento, ao tédio, à solidão e estagnação da vida americana do século XX. O artista encenou a vida quotidiana em restaurantes - Chop Suey (1929) e Tables for Ladies (1930), e em escritórios - Conference at Night (1949), Office in a Small City (1953) e New York Office (1962). Tinha relutância em colocar as suas pinturas no contexto da época, mas algumas revelam várias mudanças sociais que ocorreram na sua época. Hopper sempre preferiu pintar o vazio: as suas cidades estão desertas, os seus apartamentos têm pouca mobília, as suas paisagens são vastos espaços nos quais emergem, à distância, uma casa, um farol. A falta de acção, os espaços, e os silêncios constituem a acção nas pinturas de Hopper. Ele escolhe precisamente os momentos em que nada acontece, e nada é ouvido, para aumentar o mistério em torno das suas cenas. Este minimalismo desperta a imaginação do espectador, que é convidado a entrar nas pinturas e a decifrá-las. Hopper era um mestre da luz. Os personagens das suas telas estão imóveis, sentados, deitados ou em pé sob um brilho branco. Estão como que estacionados na tela, à espera de serem "iluminados". A luz oferece a possibilidade de redenção, é um raio de esperança na dura realidade do dia-a-dia. A contribuição de Hopper para a pintura moderna é que ele tornou o tédio épico, sacralizando os momentos de desatenção banal da vida quotidiana, tendo "salvo" a realidade com a luz. Hopper entendeu que não necessitava de pintar assuntos solenes ou temas nobres; bastava-lhe uma passagem de nível, uma casa, um telhado, um bar, um quarto de hotel ou uma personagem absorta. As pinturas de Hopper incluem frequentemente janelas, e os seus edifícios estão muitas vezes situados em ângulos que sugerem que os seus personagens estão posicionados tanto diante como atrás de janelas. A janela é como a abertura de um grande espaço obscuro, que lenta e firmemente separa a luz da escuridão. As suas janelas conferem-nos uma visão interna do seu mundo pessoal. Cidade, alienação, solidão, silêncio, quietude, luz e sombra são temas recorrentes na sua obra. O retrato realista de Hopper de cenas urbanas comuns leva o espectador ao reconhecimento da estranheza em ambientes familiares. O terceiro capítulo aponta as influências operadas pelo cinema sobre a obra de Hopper. O artista prestou inúmeras homenagens à sétima arte na sua obra. No entanto, nos seus quadros o ecrã ou o filme são dificilmente visíveis, em prol dos espectadores que estão absortos nos seus pensamentos, em momentos em que não há projecção (chegada, intervalo,) ou da arrumadora pensativa. Há também que mencionar a questão da absorpção nas pinturas de Hopper. Os seus personagens estão geralmente absortos nos seus pensamentos, reflectindo sobre as suas vidas, e alheios ao facto de estarem a ser observados por um voyeur/pintor (Hopper), e pelo voyeur/espectador que contempla a pintura. Os temas das pinturas de Hopper nem sempre provieram da observação directa da vida real; desde o início da sua carreira até à década de 1940, procederam predominantemente do cinema noir. Tal como nos seus filmes preferidos, as suas obras são sobre "a cidade", representando uma noção abstracta de espaço urbano em vez de uma cidade específica. O voyeurismo é outra característica do cinema que as pinturas de Hopper partilham. Hopper não só escolheu pintar salas de cinema ao longo da sua carreira (Two on the Aisle, 1927; Sheridan Theatre, 1937; New York Movie, 1939; First Row Orchestra, 1951 e Intermission, 1963,) o que demonstra a importância destes lugares para ele, como também se baseou na cinematografia e em técnicas cinematográficas que se tornariam a marca registada do seu estilo. Realizadores e cineastas da Europa Central destacaram-se no desenvolvimento do chamado cinema noir. Ao introduzir um novo conjunto de valores estéticos e culturais na indústria cinematográfica americana, estes cineastas desencadearam um processo de transformação do paradigma clássico de Hollywood. O cinema noir trouxe o "pesadelo americano" para o grande ecrã, retratando uma sociedade impulsionada pelo dinheiro e a alienação causada pela vida nos grandes centros urbanos da América. O termo cinema noir foi inventado por dois críticos de cinema franceses para definir um conjunto de filmes cujo tema principal era a ocorrência de um crime. Após a libertação da França em 1944, os ecrãs franceses foram inundados com filmes de Hollywood, entre eles este novo tipo de filmes sobre crimes. As cenas urbanas de Hopper estão imbuídas de desespero e tristeza ao ponto de inspirarem o cinema noir. As suas obras e o cinema noir partilham uma relação tão profunda que, ao conectarem-se entre si, criam uma visão de um país e do seu povo. O último capítulo identifica e analisa exemplos concretos da influência do pintor no cinema. Se o pintor gostava do cinema, os cineastas apreciavam as pinturas de Hopper (e ainda o fazem). A atmosfera, por vezes ameaçadora e misteriosa, que Hopper criou em algumas das suas obras através de formas, luz e ângulos incomuns, inspirou muitos cineastas a criar as suas atmosferas. A sua importância para o cinema é imensa: ajudou a ensinar ao novo meio que, numa narrativa, o momento de pausa, de reflexão, de devaneio, não é menos importante do que o da dança ou do combate, do movimento gracioso, violento ou desordenado. Hopper ajudou a integrar o momento da pintura no cinema. Há tantas referências ao trabalho de Edward Hopper no cinema que me foi necessário destacar apenas as mais conhecidas. Falarei sobre o trabalho de diferentes cineastas, que têm uma relação directa e reconhecida com a obra de Hopper, começando por Alfred Hitchcock e Michelangelo Antonioni, passando por David Lynch e Wim Wenders, e terminando com Todd Haynes

Framing French Culture

Throughout this book, the concept of framing is used to look at art, photography, scientific drawings and cinema as visually constituted, spatially bounded productions. The way these genres relate to that which exists beyond the frame, by means of plastic, chemically transposed, pencil-sketched or moving images allows us to decipher the particular language of the visual and at the same time circumscribe the dialectic between presence and absence that is proper to all visual media. Yet, these kinds of re-framing owe their existence to the ruptures and upheavals that marked the demise of certain discursive systems in the past, announcing the emergence of others that were in turn overturned