Bioart: Biotechnology and Art

Art has been historically associated with cultural and technological changes in society. Recently imaging, genetics and new biological sciences have been utilized in what is known as Bioart. Visual science digital imaging, photonics, genomics, tissue engineering, and cloning utilize colored pixels. The visual scientist, biologist, geneticist, eyecare practitioner and artist work with a variety of bio-technology images. These images may be considered as an inspiration for Bioart. Internet references to some ophthalmic digital technology sites are provided. The Optometrist may view digital ocular diagnostic and therapeutic images with an appreciation of its aesthetics

Mass participation in art : patterns and unpredictability

A work of art's openness to participation is traditionally a focus for thought and debate on the artists’ role and on the way the participants relate to the artistic process. A recent artistic development in participation art - a formal definition of a work that involves a massive number of participants – calls for a reassessment of participation strategies and the study of the effects of this change on practices where the involvement of the other is simultaneously a method of art making and a field of poetic potential. In this thesis, current theoretical work on the broader context of participation has been critical to define mass participation within that field. However, a shift from views centred on the new status of the participant public and its impact on the social and political context of the artwork towards a view centred on the artists’ options is needed to assess the particularities of this practice. This shift reflects our research position that mass participation follows a process of artists’ gradual ceding of authorial control to external elements. This process, that we will argue to have its roots in ancient art, is further explored by the vanguards of the early twentieth century, and is part of current art practice and discourse. Such timeline has already been clearly described elsewhere. However, the distinctive trait of mass participation, in what relates to that agency transfer is a set of form making strategies which have lately come together even if they have been individually sought throughout modern and contemporary artistic endeavour. As such, the work here documented, involves the systematization of such strategies resorting to two main approaches: on one hand, through practice, dealing with the formal and poetical potential of working with the mass. The main conceptual and implementation themes of four projects, that are accounted for in the second half of this document, establishes the seeds for the proposition of a mass participation strategy; on the other hand, a theoretical generalization effort, that makes for the first half of this document, creates the abstract framework of such proposition. Along with its general technological, cultural and artistic context, mass participation is posited within a critical review of the notions of agency, participation, the mass, and complexity.A abertura de uma obra de arte à participação constitui tradicionalmente um foco de reflexão e debate sobre o papel do artista e sobre as maneiras dos participantes se relacionarem com o processo artístico. Um desenvolvimento recente na arte participativa – a definição formal de uma obra que envolve um número massivo de participantes – apela a uma reavaliação das estratégias participativas e ao estudo dos efeitos desta mudança sobre práticas em que o envolvimento d’o outro é simultaneamente um método para o fazer arte e o campo de um potencial poético. Para esta tese, o trabalho teórico actual sobre o contexto alargado da participação foi crucial para aí inscrever a definição especifica de participação em massa. Contudo, para avaliar as particularidades daquela prática é necessário deslocar as perspectivas centradas no público participante e no seu impacte na obra de arte em direcção a uma perspectiva centrada nas escolhas do artista. Esta deslocação reflecte a posição resultante da nossa investigação de que a participação de massa segue um processo de cedência gradual pelo artista do seu controlo autoral a elementos externos. Este processo, que, segundo nos propomos arguir, tem as suas raízes na arte mais antiga, é explorado de modo mais extensivo pelas vanguardas artísticas do início do século XX e é parte do discurso e da prática actuais. Esta evolução temporal tem sido descrita na literatura relevante; contudo, o traço distintivo da participação de massa enquanto tal, no que respeita a transferência de agência, é conjunto das suas estratégias para a produção de forma, mesmo que tenham sido procuradas individualmente ao longo das experiências artísticas modernas e contemporâneas. Assim, o trabalho que aqui documentamos envolve a sistematização destas estratégias recorrendo a uma dupla abordagem. Por um lado é mobilizada uma prática que recorre ao potencial formal e poético do trabalho com as massas: os principais temas conceptuais e de implementação presentes em quatro projectos, dos quais é dada conta na segunda parte deste documento, formam a raiz da proposta de uma estratégia de participação de massas. Por outro lado, o esforço de generalização teórica que constitui a primeira metade deste documento cria a moldura abstracta dessa proposta. Em consonância com o seu contexto geral no plano artístico, tecnológico e cultural, a participação de massa é postulada no âmbito de uma revisão crítica das noções de agência, participação, massa e complexidade

La virtualidad aumentada: procesos emergentes, arte y medios digitales

Últimamente se publican muchos ensayos críticos sobre internet, las redes sociales y los nuevos medios en general. Del arte digital se critica el lenguaje barroco y repetitivo de sus caprichos biogenéticos sin sustento: emergencia e interactividad, aspectos clave de su estética son simulacros, como evidenciaremos mediante la comparación con lo pintoresco romántico. Es la equivocada relación entre naturaleza y arte, pilar de este kitsch romántico e informático, que debe ser corregida en sentido estético y computacional. Por otro lado, es necesario llevar lo digital más allá de la abstracción de las simulaciones hacia lo que podríamos definir como la ‘virtualidad aumentada’. Para esto, se discutirán las relaciones entre naturaleza, artista, obra y proceso; desde el punto de vista digital, se pondrá en tela de juicio la posibilidad misma de la complejidad y emergencia tecnológica, evidenciando tanto los problemas epistemológicos generados por las interfaces, como el conflicto planteado por la contraposición entre la libertad indispensable en la interactividad y el determinismo impuesto por los algoritmos. Para enfrentar estos problemas, el volver la mirada al legado visual de las culturales ancestrales (en nuestro caso lo precolombino) puede ser un aporte esencial, como en cierto modo intuyeron las vanguardias artísticas. Estas consideraciones permiten implementar estrategias para poner los medios digitales realmente al servicio de la libertad y creatividad de los usuarios. En este sentido, concluiremos mostrando que los procesos de sustitución recursiva como los sistemas-L, basados teóricamente en las gramáticas generativas, permiten desarrollar herramientas digitales abiertas y creativas, donde la naturaleza, la tradición, el arte y la tecnología pueden trabajar en modo armónico y coherente.During the last couple of years, many authors have written about problems arising from the Internet, Facebook, and new media as a whole. There has also been widespread criticism of digital art and the repetitive and baroque aesthetics of biogenetic artworks. Emergence and interactivity –both keywords of the digital artistic rhetoric– are simply simulacra, as the comparison to romantic picturesque will clearly show. The endangered relationship between nature and art, the pillar of romantic and technological kitsch, needs adapting in terms of both its aesthetic contradictions and computational problems. Incidentally, it is vital that the digital aspect is taken from simulation abstractions and placed in a new domain that could be defined as ‘augmented virtuality’. To achieve this, we will discuss the relationships between nature, art, artworks, and processes from a digital media point of view, considering the strong possibility of complexity and technical emergence, along with the struggle between freedom, required by interaction and the algorithmic determinism, and the epistemological problems of interfaces. This will involve delving into the deep meaning of traditional and ethnic visual culture (in our case, pre-Columbian), following the statements of the historic avant-garde. All this gives rise to the possibility of implementing a strategy to place digital media into a new social, creative and democratic domain. To sum up, we will show that string rewriting systems (such as L-Systems), grounded in generative grammar, can develop truly open and creative digital tools, where nature, tradition, art and technology can operate with accuracy and coherence

Two Decades of Evolutionary Art Using Computational Ecosystems and Its Potential for Virtual Worlds

We analyse works of digital art that use a technique from artificial life (ALife) called computational ecosystems (CEs). These are systems running on computers where agents are organized in a hierarchical structure (of a food-chain) and trade token units (of energy and biomass) as a way of promoting community dynamics. We analyse a collection of forty (40) papers communicating works developed in the last two decades. We classify each of these works according to an adapted taxonomy. We then produce a study of cumulative analysis to outline patterns and common features which might define the field. We conclude on the diversity and heterogeneity of the practice, to assert CEs as a multimedia generative tool useful in the construction of bio-mimicking ecosystems as well as in the animation of non-player characters (NPCs) with human-like behaviors in virtual words

Artificialidad y diseño industrial

Este proyecto pretende hacer un análisis científico sobre cómo la artificialidad determina al ser humano, no sólo envuelve el mundo que nos rodea, sino también la forma en que nos construimos como sujetos en el mundo, la forma en que vivimos y la forma en que pensamos, se ve determinada por lo artificial. Esto genera relaciones que se ven reflejadas en la disciplina del Diseño Industrial por lo que este proyecto también muestra cómo una investigación de diferentes temáticas interrelacionadas puede llegar a construir conocimiento sobre Diseño Industrial.Diseñador (a) IndustrialPregrad

WebAL Comes of Age: A review of the first 21 years of Artificial Life on the Web

We present a survey of the first 21 years of web-based artificial life (WebAL) research and applications, broadly construed to include the many different ways in which artificial life and web technologies might intersect. Our survey covers the period from 1994—when the first WebAL work appeared—up to the present day, together with a brief discussion of relevant precursors. We examine recent projects, from 2010–2015, in greater detail in order to highlight the current state of the art. We follow the survey with a discussion of common themes and methodologies that can be observed in recent work and identify a number of likely directions for future work in this exciting area

Signos extremos, super iconos, ultra signos, lo abstracto y el todo, en el arte contemporáneo

[Resumen] Según el filósofo y semiótico norteamericano Charles Sanders Pierce, en atención a la relación entre significantes y denotata, objetos o referentes, sólo resultan tres clases de signos: índices, iconos y símbolos. Intentaremos concluir que estos tres tipos de signos se sustentan en todo caso únicamente en dos tipos de denotación: denotación en el origen (índice) y denotación en el destino (icono y símbolo). Consideraremos como signos extremos aquellos en los que se pone en peligro o se transgrede definitivamente el principio de alteridad del significante con respecto a su denotatum, en el marco de una denotación de destino, a saber: súper iconos y ultra signos. Y también aquellos en los que la denotación de los signos es problemática o podría resultar inasequible, en el marco de una denotación de origen, a saber: lo abstracto y el todo. La cada vez más notable adscripción de los signos utilizados por el arte contemporáneo a los extremos, las tendencias súper icónicas, por un lado, y súper indiciales (súper abstractas, podríamos adelantar), por otro, del arte contemporáneo, que documentaremos en nuestra comunicación, apuntan: 1. A una presencia cada vez mayor de facsímiles, copias completas o ultra signos de las cosas y también de los seres vivos (incluidos los seres humanos) y su «puesta en escena», en nuestras vidas. 2. A la invasión del mundo por lo abstracto. La súper iconicidad conduciría finalmente al ultra signo, una multiplicación ilegítima del ser, una confusión total entre original y copia, que tendría como consecuencia la imposibilidad de mantener la idea de un mundo-centro y actuar en consecuencia. La súper indicidad o súper abstracción conduciría a una musicalización de todo significante y a la percepción de todo por un lado como espectáculo y por otro como estético