MUHNAC: 'Artistas, Património e o Museu' Estudo do Caso: Ação Educativa com crianças

This article aims to problematize the educational program that was carried out on the occasion of the exhibition "Heritage Artists and the Museum", which took place between February 1-28, 2022 at the Natural History Museum of Lisbon. The contemporary art collective exhibition and associated events aimed to reflect in a critical way on museums as 'media' for information transmission. This article problematises the educative program, which combined metodologies from the disciplines of sociomuseology and education with the objective to develop inclusive and anti-hegemonic solutions for thinking and experiencing the 'display' and museological content – for a non-specialised public and children. KEYWORDS:  inclusive education; sociomuseology; learning action methods; schools; contemporary art; MUNHAC.Este artigo tem como objetivo problematizar o programa educativo que foi realizado por ocasião da exposição "Artistas, Património e o Museu", que decorreu entre 1-30 de fevereiro de 2022, no Museu de História Natural de Lisboa. A exposição coletiva de arte contemporânea e os eventos associados tiveram como objetivo refletir de uma maneira critica sobre os museus como ‘média de comunicação’ de informação. Este artigo problematiza o programa educativo, que combinou metodologias do campo da sociomuseologia e da educação com o objetivo de desenvolver soluções inclusivas e anti-hegemónicas para pensar e experimentar o 'display' e conteúdos museológicos – para um público não especializado e crianças. KEYWORDS: educação inclusiva; sociomuseologia; métodos ativos de aprendizagem; escolas; arte contemporânea;  Museu Nacional de História Natural e da Ciência da Universidade de Lisboa (MUNHAC)

‘It doesn’t reveal itself’: erosion and collapse of the image in contemporary visual practice

The article explores the extent to which ‘pictorial art’ resists legibility, transparency and coherence. The analysis of three artistic case studies, Idris Khan, Maria Chevska and Jane and Louise Wilson, serves to investigate established hierarchies in our perception of visual referents. In the discussion, the article inquires the means of erosion, veiling and dissemblance as ways to critique assumption of the homogeneity of the image. All artists cast a view of the external world by diverting it, defacing it and distancing themselves from the external environment. However, the distancing is never disconnected from the everyday and never succumbs to abstraction. The article argues that the crisis of the image offers a productive framework that allows artists to draw attention to the absence of logical structure and the instability of the visual sign

The catalytic space

INHALTSVERZEICHNIS Einleitung 1 1\. Intensität. Der performative Raum 16 „… es ist eine Performance des Raumes, nicht von mir oder dem Publikum“ 1\. Ein nomadischer Begriff 16 2\. Performativität als Behauptung 20 2\. 1. Hervorbringung einer Realität 21 2\. 2 Artikulation und Oszillation 34 2\. 3. Erkanntes Erscheinen 39 3\. Performativität als Bewegung 58 3\. 1.Zwischen den Bildern 58 3\. 2. Das Werk ist, was es wird 60 2\. Verlorene Orte. Der katalytische Raum 68 1\. Einführung 69 1.1. „Man hält sich stets sowohl vor als auch hinter dem Problem auf.“ 70 1.2. Das inexistente Werk 76 2\. Dekonstruktivierte und dekonstruierte Werke 96 2.1. Manifest – Architektur 96 2.2. Ideatisches Palimpsest ohne Hierarchie 98 2.3. Zeitliche und Räumliche Lücke 108 2.4. Der bösartige Raum 114 3\. Die Materie des Virtuellen 119 3.1. Aktualisierung der Virtualität und Realisierung des Möglichen 119 3.2. Bauen in Suspension 123 3\. Konzepte sind mentale Bilder. Der postkonzeptuelle Raum 133 1\. Einführung 13r 2\. Ein Tisch ist auch ein Tisch und ist auch nicht ein Tisch 137 2.1. Yuxtaposiciones 139 2.2. Unbesetzt – Leere Ausstellungen 155 2.3. Zero – Materialität und Performativität 161 3\. Postkonzeptualismus: „Ausstellungen bedeuten eine Ausübung von mentaler Flexibilität” 165 3.2. Konzeptkunst, Konzeptualismus, Postkonzeptuelle Kunst 166 3.3. Leap into documentation 181 3.4. Konzeptuelle / Kontextuelle Kunst 184 3.5. Tautologie 185 4\. Ein unwahrscheinlicher Raum 188 4.1. Zerstörung 188 4.2. GUTAI 196 4.3. Ei Arakawa: Painting Action 204 5\. Deaths of Art 215 4\. Virtualität 224 1\. Einführung 225 2\. Undarstellbarkeit 227 2.1.Digitale Erscheinung 228 2.2. Die Kehrseite des Schattenspiels 238 2.3. Eine Frage der Dichte 250 2.4. Boris Groys: der submediale Raum des Verdachtes 254 3\. Darstellbarkeit 259 3.1. Ruins are a space for thinking 260 3.2. Soziale Raum-Zeit 277 3.3. Humor. Das Neue 280 4\. Das Werk als Simulakrum 286 4.1. Das Ereignis 286 4.2. Illusion, das Mögliche 292 4.3. Concepts are mental images 304 Schlusswort 320 Appendix 331 Bibliographie 385Meine Recherche verfolgt das Denken über Virtualität in Kunstwerke postkonzeptuellen Natur, die anhand Raum, eine Virtualität durch analoge Mittel vermitteln, und zugleich eine Assimilierung der Problematiken der virtuellen Erfahrungen im digitalen Zeitalter bedeutet. Objekt der Untersuchung sind die Arbeiten einiger junger Künstler, und ihre eigenen theoretischen Überlegungen zu Raum, Virtualität, Performativität, die aus intensiven Interviews mit ihnen extrahiert werden. Die Arbeiten, die von Skulptur, Installation zu Animation u.a. reichen sind minimal bis zur vollständigen Abwesenheit von Objekten und Situationen und manifestieren fluktuierend, oder anhand überlappenden Temporalitäten. Die prozessuellen Arbeiten sind site-spezifisch, vertreten nicht die subjektive Position ihres Autors und basieren auf Interaktion und konzeptuelle Beteiligung ihrer Rezipienten. Die virtualisierte Realität, die das digitale Zeitalter gebracht hat, wird mit der Auffassung von Virtualität bei Gilles Deleuze konfrontiert, wobei das Virtuelle als Reales das jedoch nicht aktuell ist, verstanden wird. Hinterfragt wird in wieweit die virtuelle Dimension von Situationen/Objekten, die ausschließlich durch analoge Darstellungsmitteln zum Vorschein gebracht wird, erneuernd ist, eine Quelle von Kreativität darstellt und welche Rolle Performativität und eine postkonzeptuelle Positionierung zum Kunstobjekt darin spielen kann. Performativität, als Wirkungsmacht der räumlichen Beziehungen, macht nicht-manifestierte Potentialitäten einer Situation erfahrbar, die ereignishaft, durch das Werk, manifestieren. Als ein Versuch der Auflösung der Kunst, hat sich die Konzeptkunst in den so genannten post-konzeptuellen Bewegungen verlängert, die die Unmöglichkeit dieser Auflösung in das Innere des Werkes aufnahmen. Durch Dokumentation, verstanden als eine kreative Intervention, die in diesen Arbeiten eine konstitutive Rolle spielt, wird das aufgelöste Objekt erhalten, und wird der Zugang zu der virtuellen Präsenz des dokumentierten Objektes ermöglicht. Somit wird ein Raum erfahrbar, den ich in der Arbeit als eine katalytische Präsenz bezeichne, einen performativ wirkungsvollen Raum, der das Werk in die Bahn seiner Transformationsprozesse bringt und die direkte, leibliche Erfahrung einer virtuellen Dimension erlaubt. Der Begriff des katalytischen Raumes bezeichnet einen Treffpunk von Bereichen: Konzeptkunst und Minimalismus in Kunst einerseits, konjugiert mit Performativität, eine ereignishafte, transformative Architektur anderseits und dazu Virtualität – die nicht von der Einbindung von digitalen Medien bestimmt ist. Problematiken wie das Neue, Kreativität, Simulakrum stehe im Mittelpunkt und drücken das Bewusstsein der virtualisierten Realität aus.My investigation is concerned with virtual space in conjunction with contemporary conceptual art. I am basing my research on intensive interviews with around 5-7 artists. The artworks concerned are architectural and deal explicitly with the problem of transformable space and investigate the domain of the virtual. They are constructed around empty space, absence of action and narration, the reverse side of visibility, but are based exclusively on analogue means of representation. The virtual space thus resulting is dependent on the interaction with the spectator and a temporary actualization of otherwise unmanifested spatial potentialities. Performativity is a key concept, which refers to the experienceable side of the virtual space and its efficacy. My investigation makes an analysis of the virtual in contemporary art, detached from the digital techniques, with which is has been associated in the last decade. I prolong the philosophical problematics posed by the digital era, by investigating their relevance for analogue forms of built environments, which will offer new layers of signification in both architecture and visual art. I considered the minimal and conceptual art of the neo-avant-gardes as a tendency of art’s own dissolution, which has been impossible. As a consequence, I analyzed virtual spaces as actualization of an idea, performed at the reception of the work, which concomitantly makes the work unnecessary, therefore materially dissolute it. The "performative turn" of the ‘90s, concerned with the participative nature of art, describes a work which manifests actively in a certain environment, only by being there. From here I have made possible a conjugation between performativity and the concept of interactivity, understood since the digital era as the capacity of a participation and intervention into a foreign reality. I have showed that the virtual spaces, constructed with sculptural means of representation, emerge therefore in the moment of their "actualization" through their reception and simply by being experienced physically. The attempt of making an analysis of the works under the aspect of the relation virtuality-actuality avoids its equation with the visible – invisible of the work (as layers of its visuality). Virtuality and actualization are understood, contrary to that, and with relevance in the field of media studies, as structuring layers of the work and as concepts, which explain processes of work constitution, independent of the narrative subject of the work and of the fluctuating of the different hypostases of its manifestation (moments in which the work appears through presence or absence). My investigation that tries to avoid an dominant art-historical approach, shows that the theoretical thinking of the artists themselves can be an innovatory and regenerative starting point for an analysis of contemporary art

Trigger Point : Lisbon

Trigger Point: Six speculative guides to Lisbon reimagine the contemporary urban environment by exploring overlooked livelihoods, traces of profound social mutation, and the scars of past natural disasters, economic crisis and human conflict. These propositional interpretations of Lisbon are the result of innovative collaborations across Art, Architecture, Civil and Territorial Engineering, Physical and Human Geography and Social Anthropology