Forms of time and memory in contemporary Latin American Art

[EN] Throughout the history of art, space and time have been approached as separate categories. In effect, the modern conception defined time as the domain where things happen and the space where things are. In this scheme, time is progressive, measurable in terms of events that occur with a homogeneous pattern. The project of modernity, in its relentless search for certainties, has needed this split and others as form-content separation order to erase all uncertainty and instability. In this way some categories of analysis have been left out of the modern gaze, even to this day. The body, the monstrous, the mystery, the time stopped, the intensity, the experience, the complex, the multiple, the suspended, the nonlinear and the suggested are just some of the dimensions with which contemporaneity weaves the plot of its works. Contemporary art reconfigures temporality. Time and space are united with the work, they are the work. It allows new modes of perception and offers us another way of seeing the world cognitive operations. Through the critical analysis of a group of Latin American artists, this text tries to generate a network of links and tensions between their visual productions, their poetics and the contemporary modes of time, materiality and context. Selected artists Ana Mendieta (Cuba), Graciela Sacco (Argentina), Lucy Argueta (Honduras), Jorge Macchi (Argentina), Alfredo Jaar (Chile) and Regina Galindo (Guatemala) have worked in a good part of their production with the body. Present the absent. Single or multiple. As a theme, support, form and content. As a cultural, social and political position. As a temporal becoming, memory and territory in permanent dispute.[ES] A lo largo de la historia del arte, el espacio y el tiempo se han abordado como categorías separadas. En efecto, la concepción moderna definió al tiempo como el ámbito donde las cosas suceden y al espacio donde las cosas están. En este esquema, el tiempo es progresivo, posible de medir en términos de sucesos que se presentan con un patrón homogéneo. El proyecto de la modernidad, en su implacable búsqueda de certezas, ha necesitado de esta escisión y otras -como la separación forma – contenido- , a fin de borrar toda incertidumbre e inestabilidad. De este modo algunas categorías de análisis han quedado fuera de la mirada moderna, aún hasta nuestros días. El cuerpo, lo monstruoso, el misterio, el tiempo detenido, la intensidad, la experiencia, lo complejo, lo múltiple, lo suspendido, lo no lineal y lo sugerido son sólo algunas de las dimensiones con las que la contemporaneidad teje la trama de sus obras. El arte contemporáneo reconfigura la temporalidad. El tiempo y el espacio unidos se construyen con la obra, son la obra. Permite nuevos modos de percepción y nos ofrece otro modo de ver el mundo a través de operaciones cognitivas complejas. A través del análisis crítico de un conjunto de artistas latinoamericanos, este texto intenta generar un entramado de vínculos y tensiones entre sus producciones visuales, sus poéticas y los modos contemporáneos del tiempo, la materialidad y el contexto. Los artistas seleccionados Ana Mendieta (Cuba), Graciela Sacco (Argentina), Lucy Argueta (Honduras), Jorge Macchi (Argentina), Alfredo Jaar (Chile) y Regina Galindo (Guatemala) han trabajado en buena parte de su producción con el cuerpo. Presente o ausente. Único o múltiple. Como tema, soporte, forma y contenido. Como posicionamiento cultural, social y político. Como devenir temporal, memoria y territorio en disputa permanente.Maddonni, A. (2017). Formas del tiempo y la memoria en el arte contemporáneo latinoamericano. En Glocal [codificar, mediar, transformar, vivir] III Congreso Internacional de Investigación en Artes Visuales. Editorial Universitat Politècnica de València. 842-850. https://doi.org/10.4995/ANIAV.2017.5875OCS84285

Migrations, passages and interferences in the production of Graciela Sacco

El siguiente texto está dedicado a la artista argentina Graciela Sacco. Las obras que se consideran en esta oportunidad, pertenecientes a las series Bocanada, Tensión Admisible y M2 están fuertemente vinculadas con acciones que evidencian las injusticias y desigualdades sociales, económicas y culturales de nuestra contemporaneidad. Sus imágenes en ningún caso irrumpen violentamente: se mimetizan con el lugar donde acontecen y lo configuran como espacio privilegiado de diálogo y reflexión.The following text is dedicated to the argentine artist Graciela Sacco. The works that are considered in this opportunity, belonging to the series Bocanada, Tension Admisible and M2 are strongly linked with actions that show the injustices and social, economic and cultural inequalities of our contemporaneity. Their images do not invade violently: they blend in with the place where they take place and make it a privileged space for dialogue and reflection.Trabajo publicado en Queiroz, João Paulo (ed.). Dez anos depois: o X Congresso CSO'2019. Centro de Investigação e Estudos em Belas-Artes (CIEBA), Faculdade de Belas-Artes, Universidade de Lisboa, 2019.Facultad de Bellas Arte

Arte público y muralismo : Propuesta de producción para el taller complementario

La publicación da cuenta de abordajes metodológicos y didácticos en la formación superior de futuros artistas y docentes de arte. Como material de consulta pone a disposición un marco teórico en torno a los contenidos y temas del arte público contemporáneo y una mirada que trascienda los límites del muralismo y el arte público tradicional, incluyendo los materiales, soportes y expresiones contemporáneas.Facultad de Arte

Fragment and Montage in the Visual Arts. Transfers, Migrations and Anachronisms

Un breve recorrido a lo largo de los cambios fundamentales referidos a la lectura y la percepción del tiempo y su impacto en los modelos de análisis utilizados en la historiografía del arte, permite dar cuenta de la importancia del anacronismo y el montaje no solo como otros modos de mirar la historia, sino como mecanismos discursivos en la producción artística visual. La apropiación, el vaciamiento, la fragmentación y la yuxtaposición se presentan como operaciones alegóricas asociadas que generan resignificaciones, valiosas alternativas de acercamiento al objeto de estudio y nuevas capas de sentido ante la lectura crítica de determinados acontecimientos históricos y sus correspondencias en el campo de las artes.A brief tour through the fundamental changes related to the reading and perception of time and its impact on the models of analysis used in the historiography of art allows us to account for the importance of anachronism and montage not only as other ways of looking at history but as discursive mechanisms in visual artistic production. The appropriation, emptying, fragmentation and juxtaposition are presented as associated allegorical operations that generate resignifications, valuable alternatives for approaching the object of study and new layers of meaning in the critical reading of certain historical events and their correspondences in the field of arts.Facultad de Bellas Arte

Nueve variaciones para un bastidor bien tensado : Fragmento, cuerpo y pintura en Ernesto Deira

En el presente texto se reflexiona acerca de la producción del artista argentino Ernesto Deira (1928-1986) a la luz de algunas características que hacen al arte contemporáneo. Tomando como disparador el políptico Nueve variaciones para un bastidor bien tensado (1965), se presentan algunos de sus elementos constitutivos –el cuerpo fragmentado, cosificado y desmaterializado; la indeterminación, la repetición, la seriación, el exceso y el desplazamiento–, como poderosos antecedentes de lo que ocurrirá con las producciones artísticas a partir de los ochenta. Más de treinta años después, buena parte de la obra contemporánea retoma con fuerza estos rasgos, renovando y multiplicando sentidos.Sección: EnsayosFacultad de Bellas Arte

Nueve variaciones para un bastidor bien tensado : Fragmento, cuerpo y pintura en Ernesto Deira

En el presente texto se reflexiona acerca de la producción del artista argentino Ernesto Deira (1928-1986) a la luz de algunas características que hacen al arte contemporáneo. Tomando como disparador el políptico Nueve variaciones para un bastidor bien tensado (1965), se presentan algunos de sus elementos constitutivos –el cuerpo fragmentado, cosificado y desmaterializado; la indeterminación, la repetición, la seriación, el exceso y el desplazamiento–, como poderosos antecedentes de lo que ocurrirá con las producciones artísticas a partir de los ochenta. Más de treinta años después, buena parte de la obra contemporánea retoma con fuerza estos rasgos, renovando y multiplicando sentidos.Sección: EnsayosFacultad de Bellas Arte

Indexical signs of the body: traces of life in the production of Alberto Greco

Este texto propone recorrer parte de la obra del artista Alberto Greco, uno de los antecedentes más significativos de la vanguardia argentina de los años 60. El objetivo es establecer ciertas correspondencias entre sus acciones artísticas y la producción de una selección de artistas contemporáneos latinoamericanos que abordan los conceptos de cuerpo, ausencia, presencia, e identidad.This text aims to trace part of the work of the artist Alberto Greco, one of the most significant history of the art of the 60s Argentina The objective is to establish certain correspondences among his artistic activities and the production of a selection of Latin American contemporary artists who address Body Concepts, absence, presence, and identity.Facultad de Arte

La belleza de la sombra

Este trabajo aborda una aproximación al estudio sobre la sombra en las artes visuales como tema, motivo y discurso estético. Se intenta mostrar cómo, a lo largo de la historia, la sombra ha ganado autonomía a partir de la gradual valoración de sus cualidades narrativas. En este sentido, su vínculo con lo siniestro aparece con fuerza durante el Romanticismo, período durante el cual también surge lo sublime como categoría estética. La sombra en el arte abandona, de a poco, su rol complementario respecto a los efectos de la luz para adquirir una poderosa carga significativa propia. Su relación con el sujeto referente la muestra como el doble que nos presenta el otro lado del ser y, en otras ocasiones, como signo indicial de un cuerpo iluminado.This work deals with the study on shading in visual arts as subject, purpose and aesthetics discourse. It is intended to show how, throughout history, shading has gained autonomy from the gradual valuation of its narrative qualities. In this sense, its bond with the sinister has a strong presence in the Romanticism, a period when the sublime also appears as an aesthetics category. Shading in art abandons, little by little, its complementary role regarding light effects in order to acquire its own powerful significance. Its relationship with the reference subject shows it as the double that introduces the other side of being and, in other occasions, as an indicial sign of an illuminated body.Facultad de Bellas Arte

La belleza de la sombra

Este trabajo aborda una aproximación al estudio sobre la sombra en las artes visuales como tema, motivo y discurso estético. Se intenta mostrar cómo, a lo largo de la historia, la sombra ha ganado autonomía a partir de la gradual valoración de sus cualidades narrativas. En este sentido, su vínculo con lo siniestro aparece con fuerza durante el Romanticismo, período durante el cual también surge lo sublime como categoría estética. La sombra en el arte abandona, de a poco, su rol complementario respecto a los efectos de la luz para adquirir una poderosa carga significativa propia. Su relación con el sujeto referente la muestra como el doble que nos presenta el otro lado del ser y, en otras ocasiones, como signo indicial de un cuerpo iluminado.This work deals with the study on shading in visual arts as subject, purpose and aesthetics discourse. It is intended to show how, throughout history, shading has gained autonomy from the gradual valuation of its narrative qualities. In this sense, its bond with the sinister has a strong presence in the Romanticism, a period when the sublime also appears as an aesthetics category. Shading in art abandons, little by little, its complementary role regarding light effects in order to acquire its own powerful significance. Its relationship with the reference subject shows it as the double that introduces the other side of being and, in other occasions, as an indicial sign of an illuminated body.Facultad de Bellas Arte

Fragment and Montage in the Visual Arts. Transfers, Migrations and Anachronisms

Un breve recorrido a lo largo de los cambios fundamentales referidos a la lectura y la percepción del tiempo y su impacto en los modelos de análisis utilizados en la historiografía del arte, permite dar cuenta de la importancia del anacronismo y el montaje no solo como otros modos de mirar la historia, sino como mecanismos discursivos en la producción artística visual. La apropiación, el vaciamiento, la fragmentación y la yuxtaposición se presentan como operaciones alegóricas asociadas que generan resignificaciones, valiosas alternativas de acercamiento al objeto de estudio y nuevas capas de sentido ante la lectura crítica de determinados acontecimientos históricos y sus correspondencias en el campo de las artes.A brief tour through the fundamental changes related to the reading and perception of time and its impact on the models of analysis used in the historiography of art allows us to account for the importance of anachronism and montage not only as other ways of looking at history but as discursive mechanisms in visual artistic production. The appropriation, emptying, fragmentation and juxtaposition are presented as associated allegorical operations that generate resignifications, valuable alternatives for approaching the object of study and new layers of meaning in the critical reading of certain historical events and their correspondences in the field of arts.Facultad de Bellas Arte