Functionality and history of electronics in regards to the performance practice of the following works: Temazcal (1984), Javier Álvarez, and Memory Palace (2012), Christopher Cerrone

Master's Project (M.Mu.) University of Alaska Fairbanks, 2016The Electroacoustic pieces; Temazcal (1984), by Javier Alvarez (b.1956), and Memory Palace (2012) by Christopher Cerrone (b.1984), each employ different types of electronic technologies in their realization through performance. This paper will discuss the origin and history of the technology applied respectively in the works. I will examine the role of percussion within the works, specifically in regards to learning and problem solving through technological challenges in order to effectively perform the compositions. By looking at Temazcal and Memory Palace through the context of their historical significance as electroacoustic works, the inherent functionality of the technology employed in each, and the resultant performance practices that have subsequently developed, a greater musical appreciation and understanding of electroacoustic works, in general, is possible

Mozart and l'impresario

In May 1856, less than a year after opening, Jacques Offenbach’s Théâtre des Bouffes-Parisiens mounted a production of Mozart’s Der Schauspieldirektor entitled L’Impresario. Originally written in 1786 as a play with music consisting of no more than an overture and four numbers, Der Schauspieldirektor posed problems for would-be performers throughout the nineteenth century. Attempts to turn it into a one-act comic opera included adding numbers from Cimarosa’s L’impresario in angustie (1791), and from operas by Dittersdorf and others (1814). Louis Schneider’s solution for Berlin (1845) lengthened the opera by adding in songs and romances from elsewhere in Mozart’s own output. This served as the basis for Offenbach’s version a decade later, when Léon Battu and Ludovic Halévy wrote a completely new libretto to turn the Singspiel into an opéra bouffe for Offenbach’s troupe. L’Impresario enhanced the status of the Théâtre des Bouffes-Parisiens when previously its activities had barely been considered seriously by the press, and also contributed significantly to the enshrinement of Mozart in Paris in his centenary year. Offenbach’s cast, selected from recent Conservatoire graduates, avoided the comic duo who had ensured the troupe’s earlier success in an attempt to sustain an image of the work to equal that of Don Giovanni or Le nozze di Figaro. In complicating the relationship between composer and entrepreneur both on and off the stage, L’Impresario brought Mozart into Offenbach’s theatrical world and invited operatic collusion between what was emerging as high and low art: the reception of Mozart and operetta

Synaesthesia in Cixous and Barthes

1995-01-01

Report—Centre and periphery, roots and exile: Interpreting the music of István Anhalt and György Kurtág. Centre et périphérie, racines et exil : L’interprétation de la musique d’István Anhalt et de György Kurtág. Rozsa Centre, University of Calgary January 22–25 janvier, 2008

Au mois de janvier 2008, le département de musique de l’Université de Calgary a consacré trois jours à un colloque bilingue portant sur la musique et les idées d’István Anhalt et de György Kurtág, examinées sous les angles musicologiques, ethnomusicologiques, pédagogiques et analytiques. Des participants du Canada, d’Europe et des États-Unis ont présenté des communications et participé à des discussions entourant la musique, ainsi que l’identité et l’appartenance à un lieu des deux compositeurs, par le biais d’une large sélection d’oeuvres. La conférence d’ouverture d’Anhalt a abordé des considérations biographiques en rapport avec l’émigration de sa Hongrie natale et l’impact de cet événement sur sa musique, tandis que celle de Beckles Willson s’est concentrée sur le rapport intime qui lie la musique de Kurtág à Budapest. Les présentations subséquentes ont dévoilé de nouveaux aperçus sur la musique vocale des deux compositeurs et sur les oeuvres pour orchestre d’Anhalt et la musique de chambre de Kurtág. Le colloque s’est terminé avec des discussions parallèles concernant d’autres compositeurs, tels que B. Bartók, H. Lachenmann, J. Rea, W. Rihm, R. Schumann, M. Seiber et S. Veress. Six concerts ont aussi accompagné les débats avec des prestations d’oeuvres d’Anhalt, de Kurtág et d’autres compositeurs du Festival de la Nouvelle Musique 2008 du département de musique

"La musique devient ce qu'elle est" : dynamique musicale et traces matérielles

L'un des éléments sur lesquels se fondait la critique adornienne de la musique de Stravinsky relevait de cette fameuse «pseudomorphose de la musique sur la peinture»,' laquelle allait lui permettre non seulement de mettre l'accent sur le statisme de la musique du compositeur russe, mais aussi d'étendre cette lecture a la production musicale du second après-guerre. En effet, dans sa réactualisation de la critique stravinskienne, datant des années 60, le philosophe notait la proximité que lui paraissait entretenir la musique récente avec la musique de Stravinsky, bien qu'elle semblât dériver plus directement de celle de Schônberg: là aussi, la musique ne serait plus en mesure de satisfaire I' "obligation qu'elle a de devenir"