Formas y estructuras cinematográficas en dos obras de teatro contemporáneas

El uso sistemático por el llamado «arte cinematográfico» de los dispositivos del teatro durante la mayor parte del período de silencio fue reemplazado gradualmente por una transposición más profunda de elementos dramáticos en el lenguaje cinematográfico. Más tarde, el proceso comenzó a trabajar en la dirección opuesta, y se hizo más frecuente encontrar dramaturgos que utilizaron elementos tomados del cine en sus obras de teatro. Tennessee Williams y Harold Pinter son dos de esos dramaturgos. El objetivo de este ensayo es explorar la evolución sufrida por el teatro en este campo, a través del análisis de "Dulce pájaro de juventud" de T. Williams y "Traición" de H. Pinter.The systematic use by the so-called «art film» of theatrical devices throughout most of the silent period was gradually repaced by a more profound transposition of dramatic elements into the language of film. Later on, the process started working in the opposite direction, and it became more frequent to find dramatists who used elements borrowed from the cinema in their plays. Tennessee Williams and Harold Pinter are two such dramatists. The aim of this essay is to explore the evolution undergone by the theatre in this field, through the analysis of Sweet bird of Youth by T. Williams and Betrayal by H. Pinter.notPeerReviewe

Exiled From the Absolute: Transnationalism, Displacement and Identitarian Crisis in Roman Polanski’s The Ghost Writer

Exiled From the Absolute: Transnationalism, Displacement and Identitarian Crisis in Roman Polanski’s The Ghost Writer Andrés Bartolomé Leal Durante siglos, el devenir e identidad de los humanos ha estado sujeto a la soberanía de la idea de la frontera, entendida como delimitador estático e inamovible de los conceptos y realidades que definen nuestra compresión del mundo. Empezando por la idea de nación y llegando hasta la percepción de nuestro propio cuerpo, la legimitidad de la frontera como organizador de nuestra experiencia vital apenas había sido rebatida. Sin embargo, durante el siglo XX, desde diferentes ámbitos del conocimiento, la supremacía de la idea de frontera ha sido gradualmente erosionada en favor de una percepción de la realidad mucho más difusa y cambiante. El advenimiento del postmodernismo en la segunda mitad de dicho siglo, definitivamente inclino la balanza en favor del subjetivismo y relativismo como estrategias a la hora de afrontar la realidad que nos rodea, basándose en la contestación de la existencia de cualquier absoluto, original o superior. El cine, como la expresión cultural contemporánea más extendida y popular, ha sido un gran epítome y catalizador de estas tensiones. Así pues, el cambio que sus imágenes en movimiento supusieron en contraste con el estatismo de la novela, la pintura o el teatro, artes de las cuales se ha nutrido desde su nacimiento, refleja el cambio en la percepción del mundo que los humanos experimentaron durante este periodo. Además, el cine los ha sustituido en su rol como medio de trasmisión de la cultura y tradiciones propias de una determinada civilización, pasando a ser el principal vehículo para la difusión y perpetuación de sus ‘mitos fundacionales’. Sin embargo, el cine también has sido un vehículo muy apropiado para la contestación de dichas tradiciones y las naciones que se cimentaban en ellas. Debido a la propia naturaleza del medio y a las inmensas posibilidades que ofrece a la hora de representar la realidad o no del mundo que conocemos, el cine en general ha sido utilizado para desmontar todo tipo de perspectivas absolutistas de la realidad y el cine transnacional en particular, aquellas cimentadas en la idea de soberanía nacional. Roman Polanski, un autor sujeto durante toda su carrera a los designios de la justicia, industria y economía internacionales, puede ser tomado como un claro referente de un director transnacional. Un director que no sólo realiza sus producciones al margen de intereses y gobiernos nacionales, sino que usa sus películas para rebatirlos. The Ghost Writer (2010) es un claro ejemplo de esta tendencia. Dicha película centra la trama en los efectos negativos que el exilio y el desplazamiento involuntario tienen para la psique, identidad y futuro de sus protagonistas. Para demostrarlo, la película recurre a la crítica de la identidad de las naciones contemporáneas, corrompidas por intereses económicos internacionales, la fragmentación de la identidad de sus personajes debido a la poca agencia que tienen sobre su movilidad y destino, así como a un estilo visual, fotografía y puesta en escena definidos por los sentimientos de claustrofobia, soledad y alienación. De esta manera, la película describe un mundo en el que las naciones han perdido hace tiempo su soberanía e identidad propia debido a la globalización y al imperialismo cultural, mientras que, por el contrario, los individuos siguen sujetos a sus designios e identidades. La película finalmente argumenta que en este mundo fluido y constantemente cambiante, limitar el movimiento de los individuos en base a fronteras despojadas hace tiempo de su sentido, significa limitar su identidad y posibilidades en la vida, reduciéndolos a la repetición de patrones prefijados, vacíos de significado y hace tiempo caducos

Formas y estructuras cinematográficas en dos obras de teatro contemporáneas

El uso sistemático por el llamado «arte cinematográfico» de los dispositivos del teatro durante la mayor parte del período de silencio fue reemplazado gradualmente por una transposición más profunda de elementos dramáticos en el lenguaje cinematográfico. Más tarde, el proceso comenzó a trabajar en la dirección opuesta, y se hizo más frecuente encontrar dramaturgos que utilizaron elementos tomados del cine en sus obras de teatro. Tennessee Williams y Harold Pinter son dos de esos dramaturgos. El objetivo de este ensayo es explorar la evolución sufrida por el teatro en este campo, a través del análisis de "Dulce pájaro de juventud" de T. Williams y "Traición" de H. Pinter.The systematic use by the so-called «art film» of theatrical devices throughout most of the silent period was gradually repaced by a more profound transposition of dramatic elements into the language of film. Later on, the process started working in the opposite direction, and it became more frequent to find dramatists who used elements borrowed from the cinema in their plays. Tennessee Williams and Harold Pinter are two such dramatists. The aim of this essay is to explore the evolution undergone by the theatre in this field, through the analysis of Sweet bird of Youth by T. Williams and Betrayal by H. Pinter.notPeerReviewe

The Use of Suspense in the Films of Alfred Hitchcock: The Case of Strangers on a Train.

Este trabajo analiza las técnicas narrativas que utiliza Hitchcock para generar suspense en la película Extraños en un tren (1951) con la intención de determinar cómo se han transmitido los significados que el director ha querido poner en manifiesto principalmente mediante dicha emoción. Por un lado, el concepto de suspense se explora a través de las teorías de Meir Sternberg y Bordwell y Thompson para diferenciarlo de las otras dos emociones que son la curiosidad y la sorpresa. Para crear dicho estado de ansiedad el director utiliza diversos métodos que comprenden: el suministro de información, la identificación de la audiencia y subjetividad, el uso de imágenes en lugar de diálogos, la eliminación de personajes estereotipados, la utilización de lugares inesperados, la simplicidad de la historia y las escenas contrastadas. Por otro lado, la incertidumbre sobre la intención del director a la hora de generar tensión en la audiencia, se resuelve a través de la línea teórica de Robin Wood. Así, este trabajo muestra la obtención de un suspense gradual que se logra al interrelacionar las técnicas anteriormente citadas. Con ello, el propósito de Hitchcock es demostrar cómo en un momento determinado, y principalmente a través de la técnica de identificación con dos personajes que se encuentran en una situación inquietante, el espectador se ve forzado a reconocer sus deseos más recónditos.<br /

Comic Irony in City Lights

Este trabajo analiza el uso de ironía cómica por Charles Chaplin para reproducir su interpretación de la sociedad de Estados Unidos en Luces de la ciudad. La combinación de melodrama y comedia slapstick en Luces de la ciudad ofrece una representación irónica de la sociedad que se observa en pantalla. El trabajo se centra en los tres personajes principales, el vagabundo, el millonario y la florista ciega, y define distintos niveles de comprensión de las escenas en las que aparecen. El público, al estar en una posición más elevada de comprensión que los personajes, es capaz de comprender la intención de Chaplin de mostrar sus preocupaciones políticas y sociales. La imposibilidad de Charlie de encajar en la sociedad y el éxito de sus amigos al encontrar su lugar en ésta, concluyen con una crítica de dicho orden social ya que Chaplin utiliza la identificación del espectador con Charlie, el Vagabundo, quién queda fuera de la sociedad al final de la película

The representation of New York in Martin Scorsese’s Taxi Driver (1976).

Este trabajo de fin de grado analiza la representación de la ciudad de Nueva York en la película Taxi Driver, de Martin Scorsese (1976). Para llevar a cabo dicho análisis, este ensayo define, en primer lugar, el contexto histórico de Nueva York durante la década de los 70, así como el panorama cinematográfico de la misma. Por otro lado, se presentan algunas nociones sobre el autor y su obra que son fundamentales para la comprensión del análisis de Taxi Driver y sus implicaciones respecto a la ciudad de Nueva York. Una vez expuesto dicho marco teórico, el trabajo proporciona un análisis cinematográfico de la representación de la ciudad, tratando aspectos como la puesta en escena, la iluminación, el color o el punto de vista narrativo. Este ensayo tiene como objetivo defender la importancia que adquieren la ciudad de Nueva York y su representación en Taxi Driver.<br /

Spaces of Capital/Spaces of Labor (and Everything In-between): Borders in Upside Down

El cine de ciencia ficción a menudo construye mundos imaginarios y futuristas basándose en el presente y el pasado. Recientemente, un grupo de películas entre las que se encuentran In Time (Andrew Niccol, 2011), Upside Down/Un Amor entre Dos Mundos (Juan Solanas, 2012), la última versión de Total Recall/Desafío Total (Len Wiseman, 2012) y Elysium (Neill Blomkamp, 2013) coinciden en su representación de un mundo hiperconectado en el que las fronteras siguen teniendo un papel determinante. Este Trabajo de Fin de Máster (TFM) se centra en la película Un Amor entre Dos Mundos debido a su combinación de una compleja puesta en escena con el fenómeno emergente de las parejas transnacionales. El análisis de esta película se basa en consideraciones teóricas del cine de ciencia ficción, las fronteras, y las interacciones y relaciones transnacionales. Al mismo tiempo, este trabajo emplea el enfoque geográfico aplicado al cine de Mark Shiel y considera los movimientos y actitudes de los personajes en los diferentes espacios fílmicos. Un Amor entre Dos Mundos presenta dos planetas que se encuentran a escasos metros de distancia. A pesar de la cercanía entre planetas, las fronteras (físicas y mentales) mantienen ambos espacios separados. El 'Mundo de Arriba' es una sociedad próspera y moderna, mientras que el 'Mundo de Abajo' se asemeja a una ciudad en ruinas y sin recursos económicos donde impera la pobreza. Sin embargo, la película muestra de inevitabilidad de los contactos espontáneos entre habitantes de ambos planetas en las zonas fronterizas y refleja la tendencia humana de actuar de acuerdo con las necesidades y sentimientos personales, incluso sobrepasando restricciones legales. Al mismo tiempo, Un Amor entre Dos Mundos establece conexiones entre el 'Mundo de Arriba' y los Estados Unidos y entre el 'Mundo de Abajo' y América Latina. La película revela pues las consecuencias sociales y humanas del Tratado de Libre Comercio de América del Norte (North American Free Trade Agreement) en 1994. Un Amor entre Dos Mundos refleja la paradoja de que al mismo tiempo que la información, el dinero y las finanzas encuentran cada vez menos obstáculos en su circulación global; las autoridades frustran los intentos de ciertos grupos de personas por encontrar un trabajo mejor o reunirse con sus seres queridos. En términos generales, Un Amor entre Dos Mundos ofrece una perspectiva cosmopolita, concienciando sobre el mal funcionamiento de algunas estructuras de organización social y el reparto desequilibrado de la riqueza a nivel mundial y presentando el amor transnacional como un fenómeno que favorece el respeto y entendimiento entre culturas

Commodifying the American Other:Irishness in American Gangster Films

Abstract: This dissertation looks at the usage and portrayal of the Irish-American identity in American gangster films through a critical and theoretical analysis of films from the 1930s to the 2000s. The main hypothesis is that in these films Irishness conveys a duality: a studied dialogue between Americanness and Otherness. The hyphenated identity is approached through the study of masculinity, the importance of community, authenticity and through the analysis of its commodification. In the texts and the discourses they construct, Irishness evokes a certain detachment from the mainstream society, as well as a complex, stereotyped uniqueness—violent, unrefined and low-class. The study opens with an overview of the portrayal of Irishness and its relevance in American cultural and social spheres. It then goes on to examine the usage of Irishness in the gangster genre, placing a special emphasis on the view of the genre proposed by Robert Warshow in “The Gangster as Tragic Hero”. The second part of the dissertation consists of a more in-depth analysis of Irisnhess in The Departed, Scorsese’s most thorough take on the issue of Irisnhess so far

The Construction of the Female Monster in Cat People (1942)

El monstruo femenino en el cine ha adoptado diversas formas y significados desde que se estableció el género de terror. En el Hollywood de la década de 1940, Val Lewton fue el encargado de producir una serie de películas de serie B para RKO, nueve de ellas del género de terror, de entre las cuales Cat People/La mujer pantera (1942) fue una de las más influyentes y hoy en día recordadas, con un monstruo femenino como su principal protagonista. Tras analizar las características generales de estas nueve películas, este ensayo pretende indagar en el significado del monstruo en el contexto histórico y social de los 40. Este análisis pretende demonstrar que para su construcción, el monstruo se basa en la gradualidad y sugestión, en una dualidad entre alma y mente, y en la represión del deseo sexual. En esta última característica se pretende encontrar la construcción del monstruo como femenino como la representación del miedo y deseo de la sociedad patriarcal de la época, usando para ello el contraste entre la protagonista, Irena, y la amante de su marido, Alicia, y las teorías psicoanalistas freudianas para un análisis en profundidad de la relación entre mujer, deseo sexual y represión, y pantera