나혜석, 박래현, 천경자를 중심으로

An art work is the unique result of the artist as a creative subject, but many art works reveal the relation between the artist and other outside elements because the artist's point of view is accomplished within the connection of the elements. Every artist has different relationships with social and cultural contexts according to their gender. Therefore, works of female artists reflect the femininity, that is, the image of female subject different from of male. What they are woman much influences on their creative results just like Simone de Beauvoir, a French female philosopher, once said in her book『The Second Sex Le Deuxie｀me Sexe』(1949): she always wrote about herself with a female perspective. The femininity based on the sexual identity emphasizes the woman's sexuality and searches for the difference between male and female, yet women haven't taken an active part to build and reveal the femininity under the paternalism; men distinguished male from female according to yes or no of the penis which meant the superiority of men. The femininity has been constructed by male perspective and used to justify men in oppressing women. Thus, the femininity is always down for discussion among feminists. Feminists also try to create the totally new femininity and analyze the social and cultural construction under the paternalism. The aesthetic theory based on the feminism brought the change of the point of view on the femininity, and this affected a lot female artists' activity and gave a chance to look back the female art in the past. Female artists had a difficulty in expressing the femininity as a subject because women had traditionally been others in the art field. They were also sexually discriminated because of men's misusing the concept of the femininity, and in addition, the feminity itself and female artists' works were defined to be vulgar. Regardless of this social environment, many Korean female artists worked very actively, and their works reveal their unique femininity within social and cultural contexts. Korean female artists began working when the modern society had just started, and they succeeded to achieve their works uniquely by recognizing the reality and identifying the ego. Especially, we should pay attention to the femininity in art works of female artists in the modern age, when the nationalism and the modernism swayed the whole country. In Korea, the modern female artists generally mean those who worked from 1940s to 1960s. Many female artists as well as those who are mentioned in this treatise are included in this classification. However, it is difficult to study those artists because there is very little amount of document about them, and they didn't work very long. So female artists who can be studied now are three; Rah Hae-seok, Park Rae-hyeon and Cheon Kyeong-ja. Many people were interested in not only their works, but in their private life, and they helped to build the image of Korean female artists. Particularly, these artists' works show various femininity constructed upon the women's real life in that age and the relation with the feminism which today's female artists want to express. We can read their own point of view on the femininity in their writings and also find out how the feminity is revealed in their paintings. We're going to look at Korean female artists' works with the feminist point of view by studying the femininity in their works. We can also think how their works have inspired artists in later ages and influenced on the feminist art. Rah Hae-seok usually painted with a feministic consciousness and received the trend of western art field. Some of her works reveal the liberalistic feminism which is very humanistic and enlightening. We can also see her progressive spirit toward the woman body through her nude paintings because the body is painted as the pure modelling element, not as the object of sexual pleasure. On the other hand, in her portraits, we can see the dual ego which has the masculinity and the femininity, or the western world and the oriental, and this shows her strong self-consciousness. Those self-consciousness speaks for her strong will against the real world. Park Rae-hyeon believed in the existence of the beauty that only women could express, and she insisted that women should show their creativity to the world. Park tried to express the situations women are in, usually woman had to be shunned by men. In contrast, she also tried to show richness and fecundity from maternity. The representative 'female imageries' like the concentric circle, the core, the circular form, the bag-like-form and the black core which remind us of Julia Kristeva's chora are appeared in her paintings through the feminine aesthetics. In addition, the female imagery in her tapestries are expressed through the techniques of handcraft with materials such as thread, a string and a fabric. The feminity in her works shares female beauty and traits based on the modern feminism, and those beauty and traits are essentialist and separatist. Cheon Kyeong-ja represented the female figure based on her literary attainments and imagination and constructed the femininity in the consistent style. Figures which are symbolically reappeared in her works reveal woman mind and consciousness against the men's discussion. Cheon's female figures have the autography, the narcissism, the madness and fantastic aspects, and these aspects are considered to show women's incompleteness and their passive and escapist inclinations. Yet feministic approach toward her paintings says that those aspects were the only way to protect women from the paternalism. Like this, three artists above are much different from each other. Rah worked as a feminist rather than an artist and expressed the feminism in her paintings, and Park and Cheon worked as an artist, and they tried to reveal the essentialism. But they are in common, too; they saw the world with the eyes of women and expressed the feminity with a new way. They also much influenced on female artists in later ages. The femininity in various female artists' works reflects their effort and identity to overcome their situation by obeying or disobeying the men's superiority. It also represents historical, social and cultural ideas and requests on ladies in the modern age. Therefore, we've been studying art works of female artists in the feminist way by analyzing the femininity in them, and through this, we could have the new chance to think about how they contributed to developing the feminist art. We may be able to get closer to the feminism theory and the basic goal of the feministic study on art through this treatise. We can find how many works have been painted by female artists from the past to the present, invent a new language for this kind of art and create a new way of expressing feministic art. Female artists in this treatise are feminists because they tried to take an active role despite they were belonged to the Confucian culture, and to the society that nationalism and the modernism were mixed up. They also tried to recognize the reality correctly and to study self-ego hard. All these facts show that they constructed the basis of the feminist art in the later ages by revealing their identity before the modern feminism started. ;미술 작품은 미술가의 시선이 만들어 낸 독자적인 결과물이다. 미술가의 시선은 외부 요소들과의 관계 속에서 만들어지는 것이므로 미술 작품에는 미술가와 외부 환경과의 관계가 드러난다. 미술가들은 성별에 따라 사회문화적 관계 속에서 고유의 시선을 만들어내기도 하는데, 여성이 미술 작품의 창조적 주체인 경우 남성과는 다른 여성의 모습, 여성성(femininity)이 반영된 것을 볼 수 있다. 시몬느 드 보부아르(Simone de Beauvoir)가 『제 2의 성 Le Deuxie｀me Sexe』(1949)에서 자신에 대해 무엇인가를 쓰려고 할 때에는 여성이라는 자각과 함께 출발하게 된다고 언급했듯이 여성의 성 인식은 창작 활동에 중요한 영향을 미친다. 여성성은 여성의 성 정체성과 관련해서 여성의 섹슈얼리티를 부각시키고 여성의 차이를 탐색하려는 개념이다. 역사적으로 여성성은 여성에 관한 가부장적 요구에 따라 구축되었으며 여성에 대한 억압과 차별을 정당화하는 데에 이용되어왔다. 미술 영역에서도 여성은 남성에 의해 재현되고 감상되는 존재였으며 여성 미술가가 주체로서 여성성을 드러내는 일은 매우 드물었다. 고대 그리스 시대 이전부터 여성 미술가들이 활동해왔지만, 여성의 사회적 역할과 지위가 미술에도 반영되어 여성적 유형이라는 성 차별적 범주가 형성되었고 여성성, 여성 미술은 저급한 것으로 규정되었다. 1970년대에 들어서야 미술에서 창조적 주체로서의 여성과 여성성이 보다 적극적으로 논의되었고 이를 바탕으로 페미니즘 미학이 전개되었다. 우리나라의 경우에는 근대를 기점으로 여성 미술가들이 본격적으로 활동을 시작했다. 이들의 출현은 구한말 신분 제도의 붕괴로 인한 여성 의식과 민중 의식의 성장, 여성 교육에 대한 인식 변화, 서구 문물의 유입에 따른 것이었다. 미술계에서는 일본과 구미 지역에 유학하는 여성이 등장했으며 1920년을 전후하여 국내의 여성 미술 교육 기관을 통한 활동도 이어졌다. 이러한 시대적 상황 속에서 한국 근대 여성 미술가들은 현실과 자아에 대한 인식을 바탕으로 독자적인 작품 세계를 구축하면서 사회와의 관계 속에서 형성된 다양한 국면의 여성성을 드러내었다. 일반적으로 한국 근대 여성 미술가란 해방 전부터 1960년대 이전까지 작품 활동을 한 여성 미술가들을 지칭한다. 당대에 많은 여성들이 미술 활동을 했으나 대부분 단발적인 활동에 그쳤다. 그러나 본 논문에서 다루고 있는 나혜석, 박래현, 천경자는 연구가 가능할 만큼의 많은 작품을 평생에 걸쳐 제작했음은 물론 그 안에 현대의 페미니즘 시각에서 거론될 수 있는 특성들을 보여주고 있다. 또한 이 세 작가의 작품은 당대 여성의 현실을 바탕으로 한 여성성이라 판단되는 양상들을 충분히 지니고 있다. 게다가 자신의 삶과 사상, 작품 세계에 대한 많은 글은 이를 통해 이들의 작품에 나타난 여성성의 근거를 확인할 수 있는 계기를 마련한다. 본 논문은 이러한 작품 분석을 통해 페미니즘 미학(feminist aesthetics)을 바탕으로 나혜석, 박래현, 천경자 등의 한국 근대 여성 미술가들의 작품에 나타난 여성성을 연구해보았다. 나혜석의 초기 삽화에는 가정 안팎에서 겪게 되는 근대 여성의 현실이 여과 없이 드러난다. 그는 과중한 여성의 가사 노동과 근대 신여성의 사회적 위치를 사실적으로 그려내어 남녀차별적인 사회에 대한 비판 의식을 보여준다. 또한 가사 노동과 사회 활동을 완벽히 수행하는 신여성의 모습을 재현함으로써 나혜석 자신이 추구한 이상적 여성상을 보여주었다. 나혜석의 여성 누드화는 당시의 다른 미술가들이 다루던 방식과 달리 여성 신체를 적나라하게 드러낸다. 이것은 여성도 남성과 동등한 인간이라는 인식을 바탕으로 여성의 신체를 새롭게 이해했기 때문이다. 그리고 그의 자화상에는 남성성과 여성성, 서구와 동양의 민족성을 공유하는 외향 묘사를 통해 현실 저항과 극복의 의지를 표출하는 자아가 반영된다. 박래현은 여성만이 표현할 수 있는 미(美)가 존재한다고 믿었고 여성의 창조력 발휘를 주장했다. 또한 모성에 대한 지속적인 탐구를 바탕으로 작업을 진행했다. 박래현의 작품에는 한국 근대 시기의 어머니상이 등장하며, 가족의 생계유지와 남성의 쾌락을 위해 역할이 이분되는 여성의 현실이 드러난다. 더불어 가슴과 엉덩이가 과장된 볼륨으로 그려진 여성상들은 고대 여신상이 지니는 조형적 특성을 가지는데 이것은 다산, 풍요의 의미와 태초의 모성 신앙을 부각시킨다. 이 외에도 본질주의적인 페미니즘 미학이 추구하는 대표적 '여성 이미지(female imagery)'인 동심원적 형태와 구멍, 원형, 자루 모양이 나타나는 한편 줄리아 크리스테바(Julia Kristeva)의 코라(chora)를 연상시키는 검은 구멍이 보인다. 더 나아가 그의 태피스트리 작업에는 '여성 이미지'들이 실, 노끈, 천과 같은 재료를 통해 그동안 여성의 영역으로 간주되었던 수공예적 기법으로 표현된다. 천경자는 문학적 소양과 상상력을 바탕으로 여성 도상을 창조했고 일관된 양식으로 여성성을 나타냈다. 기호화된 현실 초월적인 여성 도상들은 남성에 의해 부과된 여성성과 내면적 자아 사이를 왕래하는 여성의 이중 심리를 드러낸다. 여성을 투사하는 천경자의 상징물인 뱀과 꽃은 각각 강한 생명력과 유혹의 힘을 가진 존재, 아름다움과 허망함이라는 양면성을 지닌 존재로 그려져 일반적으로 통용되는 여성성을 암시한다. 또한 그의 자화상에서 꽃 장식, 동공이 열린 눈 등을 통해 나타나는 광기와 환상은 여성에게 억압적인 현실을 극복하려는 저항 의지를 담아낸다. 천경자의 작품에 나타나는 자전성(autobiography), 나르시시즘(narcissism)적 성향, 광기, 환상성 등은 그동안 여성만이 갖는 불온한 특성이자 도피적인 성향으로 인식되기도 하였다. 그러나 페미니즘 입장에서 이러한 특성들은 가부장적 억압에서 여성 스스로 자신을 방어할 수 있었던 유일한 수단으로 재평가되고 있다. 이들의 작품에 드러나는 현실 비판 의식은 사회 비판 의식을 직접적으로 드러내는 한국의 현대 페미니즘 미술과 연관성을 가지며, 아시아 여성으로서의 정체성 탐구는 제 3세계 여성 미술과 연결점을 찾을 수 있다. 모성, 여성을 암시하는 이미지들은 페미니즘 미술에서 현재까지도 여성의 정체성을 탐구하는 중요 소재이며 태피스트리는 실과 천, 누비나 재봉, 수예처럼 여성 수공예를 적극적으로 도입한 작업과 연관된다. 그리고 여성의 경험, 여성적 모티브의 재현은 여성적 감수성과 여성 개인의 삶을 중심 서사로 끌어들이는 페미니즘 미술의 한 흐름으로 이어진다. 나혜석, 천경자, 박래현는 한국의 남성을 중심으로 한 유교적 전통과 민족주의, 서구의 남성을 중심으로 한 모더니즘이라는 거대 담론 속에서 전문적 직업을 가진 여성으로 활동했다는 점, 작품 속에서 여성의 현실을 인식하고 자아를 탐구했다는 측면에서 페미니즘적 의미를 갖는다. 이와 같은 연구 과정을 통해 이 세 명의 여성 작가가 여성의 표현 언어를 개발하며, 여성 미술의 형식과 의미들을 창안해내는 데에 하나의 기반을 제공했다는 사실을 확인 할 수 있었다.논문개요 = ⅵ Ⅰ. 서론 = 1 Ⅱ. 여성과 미술 = 4 A. 페미니즘 = 4 B. 여성 : 표현 대상에서 표현 주체로 = 10 1. 표현 대상으로서의 여성 = 10 2. 표현 주체로서의 여성 = 16 Ⅲ. 미학적 표현 대상으로서 여성성 = 21 A. 본질주의적 여성성(essentialist femininity) = 23 B. 사회문화적 여성성(sociocultural femininity) = 30 Ⅳ. 한국 근대 여성 미술가의 작품에 나타난 여성성 = 40 A. 한국 근대 여성 미술가 = 40 B. 나혜석의 작품에 나타난 여성성 = 43 1. 현실 비판적 여성 = 44 2. 순수 조형 요소로서의 여성 신체 = 50 3. 저항적 자아 = 55 C. 박래현의 작품에 나타난 여성성 = 58 1. 현실 수용적 여성 = 59 2. '여성 이미지(female imagery)' = 64 3. 현모양처로서의 자아 = 70 D. 천경자의 작품에 나타난 여성성 = 74 1. 현실 초월적 여성 = 74 2. 여성을 투사하는 상징물 = 82 3. 광기와 환상 속의 자아 = 88 Ⅴ. 근대 이후 한국 페미니즘 미술과의 관계 = 94 Ⅵ. 결론 = 102 참고문헌 = 106 도판 = 114 도판목록 = 133 Abstract = 14

문해 환경과 발달에 대한 부모 인식과 유아의 문해 인식도

The purpose of this study is to examine parental perceptions of the importance of home literacy environment and literacy development and explore the relationship between children's written language awareness and parental perceptions of young children's emergent literacy. For this purpose, these questions have been set up in this study: 1. How are parental perceptions of home literacy environment? 2. How are parental perceptions of the factors of early literacy development? 3. How are parental perceptions of adult roles in promoting early literacy development? 4. Are there relationship between children's written language awareness and parental perceptions of home literacy environment? The subjects were 81 children aged 4 years old from 1 public and 4 private kindergartens in Seoul and their parents. Children's home background were various. Questionnaire were given out to the parents and the children were tested of written language awareness. The data were analyzed by means of percentage, chi-square and t-test. The results of this study were analyzed as follows : 1. On the whole, parental perceptions of home literacy environment were high. Simple literacy artifacts, such as book, pencils, and paper were as the most important kinds of materials to have in home for developing literacy. Natural interactions with books were viewed as the most important kind of activity. Though both were perceived important, children's participation in the activity was more important than seeing adults doing the literacy activity. 2. Parents tended to see the child's own aptitude or disposition towards literacy learning and the formal literacy instructions as the most central feature of early literacy development. 3. Regarding what parents can do to help children's literacy development, parents focused on books they could read to children and formal literacy instruction. 4. There was a positive relationship between children's written language awareness and parental perceptions of importance of home literacy environment. Especially, there was a significant positive relationship between children's metalinguistic awareness and parental perceptions.;본 연구의 목적을 유아의 문해 발달을 위한 가정 환경에 대한 부모의 인식과 유아의 문해 발달에 영향을 미치는 요인, 그리고 유아의 문해 발달을 위한 성인의 역할에 대한 부모의 인식을 전반적으로 살펴보고, 그러한 부모 인식의 정도에 따라 유아의 문어 인식도에 차이가 있는지를 살펴보는 것이다. 이러한 목적을 위해 본 연구에서 분석하고자 하는 구체적인 연구 문제는 다음과 같다. 1. 가정의 문해 환경에 대한 부모의 인식은 어떠한가? 1-a. 유아가 가정에서 상호작용할 수 있는 문해를 위한 자료에 대한 인식은 어떠한가? 1-b. 문해 발달을 위해 장려할 수 있는 유아의 활동에 대한 인식은 어떠한가? 1-c. 유아의 문해발달을 위한 성인의 모델 행동에 대한 인식은 어떠한가? 2. 유아의 문해 발달에 대한 부모의 인식은 어떠한가? 2-a. 유아의 문해 발달에 영향을 주는 요인에 대한 부모의 인식은 어떠한가? 2-b. 가정의 문해 환경에 대한 부모 인식에 따라 유아의 문해 발달에 영향을 주는 요인에 대한 인식에 차이가 있는가? 3. 유아의 문해 발달을 위한 부모 역할에 대한 부모 인식은 어떠한가? 3-a. 유아의 문해 발달을 도울 수 있는 부모의 역할에 대한 부모의 인식은 어떠한가? 3-b. 가정의 문해 환경에 대한 부모 인식에 따라 유아의 문해 발달을 위한 부모의 역할에 대한 인식에 차이가 있는가? 4. 가정의 문해 환경에 대한 부모인식에 따라 유아의 문어 인식도에 차이가 있는가? 본 연구의 대상은 서울 시내에 위치한 5개의 공·사립 유치원에 다니는 가정 배경이 다양한 만 4세 유아 81명이었다. 부모에게는 질문지를 배부하여 유아의 문해에 대한 인식을 알아보았고 유아에게 Evans와 Taylor가 개발한 도구를 기초로 수정한 문어 인식도 검사를 실시하였다. 본 연구의 분석 결과는 다음과 같다. 1-a. 부모들의 「문해를 위한 자료」, 「문해를 위한 유아의 활동」, 「문해를 위한 성인 모델 행동」에 대한 전반적인 인식은 비교적 높게 나타났다. 문해 자료에서는 책이나 연필, 종이와 같은 간단한 문해자료가 유아의 문해발달을 위해 중요하다고 생각하였다. 1-b. 문해를 위한 유아 활동에 대해서 부모들은 책과의 자연스러운 상호작용을 가장 중요하게 생각하였다. 1-c. 문해를 위한 성인 모델 행동에서도 부모들은 책이나 신문, 잡지를 읽는 모습을 보여주는 것이 가장 중요하다고 하였다. 그러나 성인의 모델 행동보다는 유아의 활동을 더 중요시 하였다. 2-a. 유아의 문해 발달에 영향을 미치는 요인에 대해서는 유아 자신의 흥미나 발달적 행동 특징, 그리고 형식적인 읽기, 쓰기 교수를 가장 중요하게 지각하였다. 2-b. 위와 같은 현상은 가정의 문해 환경에 대한 부모 인식이 높은「상」집단과 「하」집단에서 모두 나타났지만 「상」집단이 「하」집단 보다 다양한 요인에 대해서 언급을 하였다. 3-a. 유아의 분해 발달을 위한 부모의 역할로는 책을 많이 읽어주는 것이 가장 중요하다고 지적하였고 다음으로 형식적인 읽기, 쓰기 교육을 따로 시키는 것이 중요하다고 언급하였다. 3-b. 위와 같은 현상은 가정의 문해 환경에 대한 인식이 높은 「상」집단과 「하」집단에서 공통적으로 나타났지만 「상」집단에서는 성인의 상호작용이나 모델 행동, 아동의 흥미와 발달 촉진 등 부모의 역할에 대한 인식이 더 다양하고 강하게 나타났다. 4. 가정의 문해 환경에 대한 부모 인식이 높은 「상」집단이 「하」집단보다 유아의 문어 인식도 점수가 높았고 그 중에서 특히 메타 언어적인 인식이 높았다.목차 = ⅳ 논문개요 = ⅵ Ⅰ. 서론 = 1 A. 연구의 필요성 및 목적 = 1 B. 연구 목적 및 문제 = 5 Ⅱ. 이론적배경 = 7 A. 유아의 문해 발달에 대한 관점의 변화 = 7 B. 유아의 문어 인식의 발달 = 11 C. 풍부한 문해 환경으로서의 가정 환경 = 16 D. 관련 연구 = 22 Ⅲ. 연구 방법 = 26 A. 연구 대상 = 26 B. 연구 도구 = 27 C. 연구 절차 = 30 D. 자료 분석 = 31 Ⅳ. 결과 및 해석 = 33 A. 가정의 문해 환경에 대한 부모의 인식 = 33 B. 유아의 문해 발달에 영향을 미치는 요소에 대한 부모 인식 = 39 C. 유아의 문해 발달을 위한 부모의 역할에 대한 인식 = 44 D. 집단에 따른 유아의 문어 인식도의 차이 = 50 Ⅴ. 논의 및 결론 = 52 A. 논의 = 52 B. 결론 = 55 참고문헌 = 57 부록 = 62 ABSTRACT = 7

A Study on the Abject Somatic Symptom and Artistic Sublimation Shown on Women's Art : Feminism Art

인간의 몸은 개인의 정체성을 알려주는 물리적인 특성들을 지니고 있다. 그러나 인간은 몸과 대비되는 것으로 여겨지는 정신을 가진 존재이기도 하다. 몸과 달리 정신은 감각 기관을 통해 느끼거나 측정할 수 없는 비물질적이고 초월적인 것으로 여겨져 왔다. 정신을 우선시 하는 전통은 고대 그리스 시대에서부터 모더니즘(modernism) 시기까지 이어졌고 인간의 육체는 죄와 욕망, 질병과 죽음을 상기시키는 공포의 대상이었다. 몸과 정신의 이분법은 주체와 객체, 인간과 자연, 유럽과 제 3세계, 문명과 야만, 이성과 감성, 남성과 여성 등의 대치(對峙)점에서 모든 실재(實在)를 이분법적으로 구별하는 위계질서로 이어졌다. 1960년대 이후 포스트모더니즘(postmodernism) 시대에 들어서면서 과거의 이성 중심주의는 비판되었고 몸에 대한 보다 적극적인 탐구가 이루어졌다. 포스트모더니즘은 세계를 다양함과 차이의 생성이라는 관점에서 읽어내기 시작했고 다원성과 주변부에 대한 관심은 몸, 여성, 인종 등, 그동안 기준에 부합하지 못해 비정상적이거나 저급한 것으로 여겨졌던 것들에 대한 재해석으로 이어졌다. 그런데 사회 속에서 이루어지는 차별의 기준은 대부분 육체적 차이에 근거하기 때문에 페미니즘(feminism), 탈식민주의(post-colonialism), 동성애자 인권 운동 등은 몸에 대한 탐구를 중요시할 수밖에 없다. 그 중에서 여성의 몸은 가부장제에서 억압되어온 대상으로서 남녀 차별을 정당화하는 근본적인 원인이었기 때문에 페미니즘 이론가와 미술가들은 이것을 중요한 논제로 다룬다. 이들은 남성의 편견, 욕망, 환상 등을 만족시키기 위해 만들어졌던 여성의 몸을 재해석하고 새로운 몸을 보여준다. 여성의 몸을 다시 생각하는 과정에서 일부 여성 미술가들은 추하고 기괴하며 혐오스럽다고 치부되었던 여성의 몸과 몸의 작용들을 작품의 전면(全面)에 내세운다. 또한 의도적으로 여성의 몸을 역겹게 변형시키거나 더럽히고 심지어 잔혹하고 폭력적인 형상들을 여기에 결합시킨다. 여성 미술의 이러한 경향은 1970년대 후반에서 1980년대 초반부터 두드러지게 나타나기 시작했으며 오늘날까지 지속되고 있다. 여성의 몸을 표현하는 이 새로운 시도들은 동시대에 활동했던 페미니스트들의 이론과 긴밀하게 연결된다. 그 중에서 줄리아 크리스테바(Julia Kristeva)의 애브젝트(abject) 이론은 정신분석학, 언어학과 문학 이론, 문화 비평을 바탕으로 여성의 몸과 여성성을 재조명하고 있으며, 비천하고 공포스러운 여성의 육체성’과 ‘예술’을 매개체로 하여 가부장제에 저항하고 그것을 해체할 수 있다는 명제(命題)에 논리적 근거와 이론적 바탕을 만들어주었다. 의도했든 의도하지 않았든 간에 여성의 몸이 가진 물질적 과잉과 죽음을 강조하기 위해 여성의 몸을 제시하는 예술가들이 혐오감을 배치하는 것은 크리스테바의 이론적 관심과 동일하다. 애브젝트는 주체(subject)와 객체(object)의 경계선에서 주체도 대상도 아닌(neither subject nor object) 더럽고 천하며 역겨운 어떤 것으로서 주체가 주체성(subjectivity)을 형성하기 위해서 억압하고 밀어내야 하는 존재이다. 크리스테바는 『공포의 권력-애브젝션에 관한 에세이 Power of Horror-An Essay on Abjection』(1980)에서 애브젝트를 다음과 같이 정의한다. 애브젝트는 주체의 정체성과 통일성, 체계, 질서를 무시하고 위협하는 중간적인 것, 모호한 것, 복합적인 것이다. 애브젝트는 주체 안에 존재하는 친숙한 것이지만 어느 순간 주체의 정체성에 위협을 가하는 이방인으로 돌변하며 자아와 타자 사이의 경계를 흐려버린다. 애브젝트는 육체적인 영역과 사회적인 영역 모두에서 경험되므로 체액, 분비물, 배설물, 시체, 여성, 어머니뿐만 아니라 금기, 범죄, 도덕적 위반 행위, 반역, 혼성 문화(hybrid culture) 등도 애브젝트에 포함된다. 크리스테바의 애브젝트 이론은 뚜렷한 특징으로 분석될 수 없는 것, 즉 개인적이고 문화적인 삶의 표현될 수 없고 이질적이고 급진적인 타자성을 분석하려는 것이라 할 수 있다. 크리스테바는 주체가 애브젝트를 추방하고 배재하고 밀어내는 현상을 애브젝션(abjection)이라 정의한다. 애브젝션은 극도로 강한 어떤 감정인데 이 감정은 신체적이기도 하고 상징적이기도 하며 거리를 두고 싶은 어떤 외적 위협에 대항하는 인간의 반항심이기도 하지만 그 위협이 외적 위협일 뿐만 아니라 우리 내부의 위협일지도 모른다는 인상을 주는 감정이다. 이것은 분리의 욕망이며 독립하고자 하는 욕망이며 또한 그렇게 하는 것이 불가능함을 전하는 감정이기도 하다. 애브젝션은 특히 불확정적이고 유동적인 경계를 지닌 대상들에게서 유발된다. 크리스테바는 애브젝션을 통해 주체, 사회, 문화, 종교가 자신들을 위협하는 것을 추방하고 자신들의 구조를 확립해왔다는 것을 밝힌다. 동시에 애브젝트의 전형을 괴물과 이방인, 여성에서 찾으며 이들이 어떻게 희생양이 되었는지에 대해 논한다. 특히 여성은 역사 속에서 규범적 인간으로 간주되어온 남성을 기준으로 하여 남근의 결핍, 생식기의 과잉으로 정의 내릴 수 없는 모호한 괴물이자 이방인이 되었다. 주체의 발달 과정에서 애브젝트로 추방되는 것도 어머니의 세계인 기호계이다. 따라서 크리스테바는 가부장제에서 여성이 애브젝트로서 존재해왔다고 주장하며 여성성은 애브젝트의 핵심적인 속성인 불결함, 모호함, 죽음, 추함, 비정상성을 포함하는 것으로 여겨져 왔다고 거듭 말한다. 크리스테바에게 이것은 새로운 사회로 향하는 긍정적 힘으로 작용한다. 역사 속에서 애브젝트로 존재해온 여성만이 애브젝트를 상징계(the symbolic)의 질서로 정화시키려는 시도를 하지 않고 있는 그대로 보여줄 수 있기 때문이다. 크리스테바에 의하면 여성은 가부장제의 핵심부가 아니라 주변부에 위치해왔으므로 기존 체계가 가지고 있는 타자적 혹은 주변적 현상을 볼 수 있다. 따라서 여성을 통해 애브젝트가 상징계에 모습을 드러내는 것은 배재와 분리를 바탕으로 위계질서가 만들어지고 유지되는 사회의 고유성을 위협할 수 있으며 주변부와 소수가 온전한 사회의 일원으로서 살아갈 수 있는 새로운 사회를 가능하게 한다. 여성은 경계를 무시하며 상징계와 기호계, 언어와 비언어, 정신과 육체를 자유롭게 이동할 수 있는 경계선적인 존재이다. 여성은 주체와 대상, 선과 악, 문명과 자연을 나누는 관습적인 경계를 위반하며 주체 내면에 억압된 낯선 것들을 꺼내고 주체를 공포에 떨게 만든다. 이런 의미에서 여성은 매우 탁월한 타자이자 주체라 할 수 있다. 크리스테바는 애브젝트가 특히 ‘육체적 징후(somatic symptom)’와 승화(sublimation)로서 경험된다고 말하면서 승화 작용을 통해 애브젝트가 가진 표면적인 공포와 불결함이 해소되고 주체가 그것을 긍정적으로 활용할 수 있게 된다고 말한다. 크리스테바는 모든 애브젝션의 양상들이 연결되며 특히 애브젝트의 표출이 몸의 영역에서 가장 활발히 이루어진다고 반복해서 말한다. 『공포의 권력-애브젝션에 관한 에세이』에 기술된 내용들을 바탕으로 하면 애브젝트의 ‘육체적 징후’는 상징계를 벗어나는 상상계-기호계-적인 욕망과 육체 자체, 혹은 몸의 작용들, 의식에 대비되는 무의식, 보편성을 띠지 못하는 기형적인 육체와 괴물, 종양이나 암처럼 비정상적으로 증식된 육체와 그것이 암시하는 질병과 죽음 등으로 해석될 수 있다. 한편 크리스테바는 오늘날 애브젝트를 승화시킬 수 있는 통로로서 예술을 지목한다. 그에 따르면 사회적 코드(code) 내에서 애브젝트의 희생과 폭력이 통제되고 승화되는 두 가지 방법이 있는데 그것은 종교와 예술이다. 크리스테바는 예로부터 종교가 애브젝트를 억압하고 정화하거나 순화시킴으로써 사회의 금기와 질서를 유지해왔다고 말한다. 그러나 이러한 종교의 역사적인 형식이 붕괴된 오늘날 애브젝트가 자신의 모습을 드러내는 대표적인 통로는 예술이다. 애브젝션의 힘은 권위의 신비를 벗기는 데에 있기 때문에 애브젝트가 발현되는 예술은 주체의 권위는 물론 사회적으로 통용되는 질서와 규범에 문제 제기를 하고 그것을 공격한다. 키키 스미스, 신디 셔먼, 한나 윌케, 주디 시카고, 아나 멘디에타는 애브젝트의 육체성에 근거하여 이러한 특성을 공유하는 대표적인 여성 미술을 창조한다. 이들은 이성 중심적인 모더니즘적 이분법이 해체되기 시작하고 현대적 페미니즘이 전개되어 여성의 육체에 대한 관심이 증폭되던 1970년대를 전후하여 활동을 시작했다. 이것은 줄리아 크리스테바가 애브젝트의 개념을 만들고 이론화한 시기와 동일하다. 또한 이 다섯 명의 여성 미술가는 전 작업에 걸쳐 애브젝트의 ‘육체적 징후’를 지속적으로 보여주었다. 또한 세계를 중심과 주변, 주체와 대상으로 나누는 사회를 비판하고 다원성이 공존하는 사회를 지향한다는 공통점을 갖는다. 여성에 의해 만들어지는 미술 속에 등장하는 애브젝트의 ‘육체적 징후’들은 여성 억압과 타자화의 현실을 시각화시켜 인식하게 해준다. 억압으로부터의 해방은 억압 자체에 대한 인식 없이는 불가능하다. 여성 미술에 재현된 애브젝트의 ‘육체적 징후’는 가부장적 사회에서 여성에게 가해졌던 차별과 억압을 비판하고 여성 차별을 가능하게 한 근본 원인이었던 모든 이분법적인 사고를 문제시하여 가부장적 지배와 사회 관념으로부터 자유를 확보할 수 있는 바탕을 제공한다. 그리고 비천한 것으로 여겨졌던 여성의 신체적 속성들을 역이용하여 가부장제의 질서로부터 자유로운 대안적인 여성상을 창조한다. 이들의 작품은 미술에서 재현되었던 대상화된 여성상으로부터의 해방이자 여성이 주체가 되어 새로운 여성 정체성을 구현할 수 있는 바탕이 된다. 위의 특성들은 여성 미술이 지속적으로 지향하는 목적을 수행하는 것이며 페미니즘적 의의를 갖는다. 남성 중심적인 서양 미술의 역사에서 감춰지고 곡해된 대표적인 대상이 여성의 몸이었기 때문에 여성 스스로 만들어내는 몸의 어휘는 새로운 저항의 힘을 갖는다. 넓은 의미에서 여성 미술에 나타난 애브젝트의 ‘육체적 징후’는 성, 인종, 정신과 몸, 인간과 자연, 문명과 원시, 고급과 저급, 정상과 비정상, 미와 추를 대립적으로 나누는 획일성이 가져오는 힘의 불균형을 해체하고 다원성이 공존하는 새로운 세계로 안내한다. 크리스테바의 이론과 그것이 적용되는 혹은 그것으로 분석 가능한 여성 미술은 이분법적 세상을 폐쇄적이지 않고 열려 있는 구조로 생각하게 이끈다. 무법(無法)의 윤리-여성 윤리-가 지배하는 세계는 우리가 억압시켜온 다수의 타자들을 포용하는 것으로 연결된다. 이것은 크리스테바가 애브젝트 이론을 통해 추구했던, 어느 누구도 주변화 되지 않고 자신의 특성을 드러낼 수 있으며 차이를 표현할 수 있는 세계를 이끌어낸다.;The human body has physical and physiological properties. From birth, the woman's generative organs are different from the man's and so are the physical conditions. Although its causes and ends differ from each other, the lifespan, disorders and illnesses of the human body are the substantive conditions of human life. Meantime, the human body is, as Mary Douglas argued, a strong symbol and the surface imprinted with the metaphysical practice of culture such as sociocultural rules, basic custom, order of rank, and philosophy. Or, conversely, the rules and the order may be reinforced through concrete bodies. The female body, in patriarchal context, is the object of being discriminated against and the fundamental cause to justify the discrimination. Thus, for feminist theorists and female artists, the reinterpretation of the body is an important issue. The female body involving gender gap, not the universal human body, can aggressively challenge to the notion of gender and the gender structure in patriarchy. The abject female body represented by particularly using fragmented bodies, the organs, humors, secretions and excreta of the body, and corpses goes against the ideal of standardized and classical body: complete and closed body. It also evokes fear of the robust and solid body of modernism and demolishes the boundary of dichotomy between normality and abnormality, man and woman. "Abject", as something that is neither the subject nor the object on its dividing line, is the term Julia Kristeva used to name filthy and vulgar and disgusting objects. The abject obscures and subverts the demarcation between inside and outside, the subject and the object, ego and the other. As the abject itself is a compositive mixture which is ambiguous not to acknowledge boundary or realm and positions at gap, it shows impossibility to clearly disentangle and differentiate between proper and improper things, order and disorder, clean and unclean things, thereby threatening identity, system and order. Uncontrollable humors and excreta, and corpses symbolizing death are the typical abject found in the body. The abjection is termed the contradictory psychological phenomenon that the subject banishes and excludes the abject, but it is concurrently fascinated with the abject. The abjection is the physical and symbolic feeling and reaction of the subject to the abject and the resistance of the subject to the external threats the subject wants to put some distance. The variable female body that menstrual blood is excreted and its appearance changes by pregnancy and childbirth was contrary to the concept of complete body and abhorrent to masculine notions. The woman's body which bears life has once become a cult figure, however, the woman who gives life with death becomes the abject horrifying across the boundary between life and death. Christeva mentioned that the maternal thing had something uncertain to call abjection, and that she grasped childbirth as fright and beauty, and suffocating moment with hesitation between the culmination of massacre and life, inside and outside, ego and the other, and life and death is not irrelevant to it. The mother psycho-analytically existing in the imaginary is the abject to be pushed out for the subject to enter the symbolic. Therefore, the abject women's bodies found in female artists' works more strongly express the meaning of dismantlement and subversion than those in male artists' works so that they can challenge the immovable masculine value and resist to overcome the otherness of female. Moreover, the abject female body changes to the destructive force that threatens socially agreeable boundary and discipline, thereby querying social taboo and existing gender identity. And this becomes an impetus to de-construct the dichotomous modernism ideology. Kiki Smith, Cindy Sherman, Hanna Wilke, Judy Chicago and Ana Mendieta are the major female artists who have explicitly illustrated the discourse on body and the concept of abject of post-modernism era and have steadily reinterpreted the female body, and this thesis focuses on their works. Kiki Smith criticizes by representing the fragments of body the dualism of modernism and the power imbalances based on it. The dismantled parts of body made by Smith maximize the limits and animality of human beings. Smith also displays the reality of women who could hardly have any free will on their own body through the images of women with hateful and shabby looking. At the same time, by reproducing the mother's body experiencing pregnancy, childbirth and nursing, she dismantles the boundary between the subject and the world, and shows the moment of abjection. Smith eventually creates the female beast of half-man-half-beast and gets rid of the dichotomous borders between human beings and animals, normality and abnormality, and men and women, and invents new female identity. Cindy Sherman embodies amorphous substances and creates the volatile body twisted inside out like Mobius strip by reversing the inside and the outside of body. And, with the body emphasized with its pores and grotesquely transformed, she conflicts with the memorial and classical body. Sherman's abject body blurring boundaries carries the grotesque world coexisting the cycle of life and death and rebirth, and fear and comedy. Concurrently, Sherman creates an android, the hybrid which has multiple gender identity and combines artifacts and natural objects, and realizes post-gender and post-human and de-constructs not only the definition of man and woman but also the myth of human beings itself. Hannah Wilke metaphorically expresses the woman's humble status eliminated from history by making vulva images out of eraser and chewing gum, nontraditional and glutinous materials. The combination of the sticky and easily transformable chewing gum with saliva and the female genitals, a social taboo, subverts the tacit rules on the materials of arts and makes artistic experience ignoble. The female genital images which constantly come into Wilke's works embody the resistance to the patriarchal society that women were deemed taboo, and the emancipation and regeneration of women. In the course, positive 'female imagery' and feminine aesthetics are created, which are based on women's physical and psychological experience and are not overwhelmed by patriarchal suppression and culture. Meantime, by photographing herself struggling with illness and exhibiting it, Wilke shows the process of experiencing death. The fact of human life coexisting death and suffering from disease destroys the boundary between beauty and ugliness, youthfulness and death, health and illness, the subject and the object. Judy Chicago unearthed the women's history veiled and contracted in patriarchal society and showed promise of the collaboration based on fellowship among women. For materials, she aggressively chooses embroidery and ceramics regarded as female stuff and dismissed, thereby disintegrating dichotomous ranking relations not only in theme but also in technique. Chicago addresses women's issues as well as race discrimination and environmental problems so that she explores the power imbalances produced by bias in various fields. Meantime, with the representation of female genitals and menstrual blood, a typical 'female imagery', Chicago reverses the social norms which has oppressed women's bodies. Moreover, she reinterprets the value of woman's pregnancy and childbirth, and emphasizes that woman's body in which those processes are carried out is never abject but has the grand logic of life like Mother Nature. Ana Mendieta reproduces ancient rites through the performances with animal blood. It is to restore the priestess in primitive culture which is before western androcentric society repressed human nature in the name of reason. Meanwhile, by transforming her own body and placing it in twilight zone which is ambiguous between men and women, Mendieta suggests the changeable and various gender identity socioculturally made. Furthermore, through the arcane 'female imagery' projected onto nature, she attests to the correlation among mother, goddess and the earth, and represents their common characteristics: fear and sanctity of them. Performed based on the earth in which many living creatures' life and death are carried out, Mendieta's work brings the death with which must be gone through for resurrection, the de-construction of Dasein and the reunion with Mother Earth. As a result, the representation of the abject female body actively deconstructs the stereotype of woman's body shaped in conformity of man so that it resists the patriarchal gender notions and the gender structure and creates an alternative female identity. It also shows the ambivalent process of transforming, which contains something destructive but reproductive, end and beginning in a body. By exposing distorted and hidden taboo, it is imbued with the resistance to patriarchal society, and the emancipation and regeneration of women. That the woman as an agent represents the abject attributes through the woman's body is to deconstruct not only the dichotomous order of rank and the power relations, flesh and soul, man and woman, but also the ideologies of reason-dominated, western-centeredness, imperialism and androcentrism. At the same time, it extends the realm of arts by disintegrating the absolute standard of beauty and ugliness and its boundary. Therefore, the representation of the abject female body performed in feminism arts should not be narrowed to feminism discussion only. As the concrete evidence which goes against soul, idealism and rationalism, it has significance of the art of post-modernism era that the body is explored and reinterpreted.Ⅰ. 서론 1 Ⅱ. 몸 담론과 페미니즘 13 A. 포스트모더니즘 시대의 몸 13 B. 페미니즘 18 C. 줄리아 크리스테바의 페미니즘 24 Ⅲ. 페미니즘 미학과 여성의 몸에 대한 재해석 34 A. 페미니즘과 몸 34 B. 섹스, 젠더, 섹슈얼리티 38 C. 포스트 젠더 46 1. 제 3의 젠더 46 2. 사이보그 55 Ⅳ. 애브젝트와 애브젝션 62 A. 말하는 주체 62 B. 애브젝트와 애브젝션 68 1. 애브젝트 68 2. 애브젝션 73 3. 애브젝션의 사회적 적용 76 C. 애브젝션의 조정: 여성 혐오 82 1. 기호계 코라 82 2. 이름 없는 타자인 괴물 87 3. 스타바트 마테르 92 D. 애브젝트의 예술적 승화 102 Ⅴ. 애브젝트의 육체적 징후와 표상 113 A. 애브젝트의 육체적 징후 113 B. 애브젝트의 육체적 표상 116 1. 부정한 것 116 a. 음식물 116 b. 배설물 123 c. 시체 126 2. 매혹적이고 혐오스러운 여성의 몸 132 a. 결핍된 성기 132 b. 월경혈 139 c. 삶과 죽음의 근원 144 C. 여성의 몸을 통한 애브젝트의 승화 149 Ⅵ. 여성 미술에 나타난 애브젝트의 육체적 징후와 예술적 승화 153 A. 신디 셔먼의 영혼 없는 혼성체 154 1. 영혼 없는 육체 154 2. 모호한 잡종 158 B. 키키 스미스의 디젝트 163 1. 애브젝트에 점령당한 주체 163 2. 동화될 수 없는 괴물 166 C. 주디 시카고의 우리 안의 이방인 170 1. 낯선 주변인 170 2. 추방된 어머니 174 D. 한나 윌케의 애브젝션의 문 177 1. 여성의 문 177 2. 야누스의 얼굴 180 E. 아나 멘디에타의 시원적 모신 184 1. 번제의 피 184 2. 복원된 지모신 187 Ⅶ. 결론 191 참고문헌 196 도판목록 205 도판 209 Abstract 22

유아의 이야기 짓기와 극화활동의 연계가 유아의 이야기 구조 및 탈상황적 언어 발달에 미치는 영향

본 연구의 목적은 유아의 이야기 짓기와 극화의 연계활동이 유아의 이야기 구조 및 탈 상황적 언어 능력에 미치는 영향을 밝히는 것이다. 즉, 이야기 짓기와 극화 활동을 연계하여 경험한 집단과 이야기 짓기만을 경험한 집단간 유아들의 이야기 구조와 탈상황적 언어 능력에 차이가 있는지를 알아봄으로써 현장의 교사들에게 유아들의 이야기 짓기와 극화의 연계활동에 대한 새로운 인식을 제공해주는 것이다. 이와 같은 목적을 위해 다음과 같은 연구문제를 설정하였다. I. 이야기 짓기와 극화의 연계활동이 유아의 이야기 구조에 미치는 영향은 어떠한가? I-1. 이야기 논리의 일관성에서 두 집단 간에 차이가 있는가? I-2. 이야기 형태에서 두 집단간에 차이가 있는가? I-3. 이야기 구성요소에서 두 집단간에 차이가 있는가? II. 이야기 짓기와 극화의 연계활동이 유아의 탈상황적 언어 능력에 미치는 영향은 어떠한가? II-1. 단어 정의하기에서 두 집단 간에 차이가 있는가? II-2. 그림 묘사하기에서 두 집단간에 차이가 있는가? 본 연구의 대상은 서울에 소재한 어린이 집 두 곳의 5세아 남녀 총 44명이었다. 연구자는 실험집단과 통제 집단을 각각 22명씩 나누어, 실험집단에는 주 2회 12주 동안 이야기 짓기와 극화 활동의 연계를 실시하였고, 통제집단에는 이야기 짓기만 실시하였다. 연구절차는 유아의 탈상황적 언어능력을 알아보기위한 사전검사. 12주간의 처치, 그리고 사후 검사의 순으로 진행되었다. 사전×사후 검사에서 유아의 탈상황적 언어 능력을 측정하기 위해 사용한 도구는 Foley(1992)등의 선행연구에서 사용한 검사 도구를 수정한 것이고, 유아의 이야기 구조 수준을 측정하기 위해 사용한 도구는 Knipping(1987)의 이야기 분석 도구를 수정하여 사용하였다. 수집된 자료는 이야기 구조 분석을 위해서는 빈도 분석과 공분산분석을 사용하였고 탈상황적 언어 능력분석을 위해서는 공분산분석을 적용하여 분석하였다. 본 연구의 분석 결과는 다음과 같다. 첫째, 이야기 짓기와 극화 활동의 연계를 경험한 집단과 이야기 구성요소에 차이가 나타났다. 이야기 짓기와 극화의 연계 활동을 경험한 유아들이 이야기 짓기만 경험한 유아보다 이야기 논리의 일관성과 이야기 형태가 더 높은 수준으로 발전하였다. 또한 이야기의 구성 요소에서도 등장인물의 수가 늘어났고 이야기 시작이나 끝, 대화의 사용에서도 더 높은 수준으로 발전하였으며 주제도 더 다양하게 나타났다. 둘째, 이야기 짓기와 극화의 연계활동을 경험한 집단과 이야기 짓기만을 경험한 유아들 간에 단어 정의하기와 그림 묘사하기에서 차이가 있었다. 이야기 짓기와 극화의 연계활동을 경험한 유아들은 이야기 짓기만을 경험한 유아보다 단어 정의하기에서 문장구조, 표현적 특징, 기능설명에서 더 높은 점수를 받았으며 그림 묘사하기에서도 단어의 수, 형용사와 부사의 수, 문장의 수, 수정한 횟수, 참조적 설명, 위치 설명, 명사의 총수, 어휘적 명사의 수, 주제 단어 수, 상상적인 설명, 인물의 내적 표현이 더 많이 나타났다. 즉, 실험적 유아들은 이야기 짓기와 극화 활동에 참여함으로써 탈상황적 언어능력이 발달하였다고 볼 수 있다. ; The purpose of present study is to find out the effect of story dictation and dramatization on children s story construction and decontextualized language. To meet the above purpose, two research questions have been set up as follows: I. What is the effect of the story dictation and dramatization on children s story construction? 1. Is there any significant difference in experimental group in the coherence of children s story in comparison with control group? 2. Is there any significant difference in experimental group in the narrative form of children s story in comparison with control group? 3. Is there any significant difference in experimental group in the components of children s story in comparison with control group? II. What is the effect of the story dictation and dramatization on children s decontextualized language? 1. Is there any significant difference in experimental group in the word definition in comparison with control group? 2. Is there any significant difference in experimental group in the picture description in comparison with control group? The children in two day care centers in Seoul, chosen for the subject of this study. Forty four children(24 boys and 20 girls) were randomly selected from two day care centers. Twenty two experimental subject were participated in story dictation and dramatization activities and control subject, in story dictation activity during twelve weeks. The experimental procedure were pre-test, story dictation and dramatization as treatment, and post-test. The pre-test, and post-test for deconxtualized language were recorded. Children s stories were filed and classified by two trained rators. The data were analyzed by frequency and ANCOVA for statistical control. The result of the study are as follows: 1. The story dictation and dramatization brought an effective result to facilitate high leveled story construction. The story dictation and dramatization significantly raised the experimental subject s levels of the story coherence, narrative form, opening and ending. And character number were raised and the theme of stories were varied. 2. The story dictation and dramatization brought an effective result to develop decontextualized language. The story dictation and dramatization significantly raised the experimental subject s use of decontextualized language on word definition task and picture description task.논문개요 ------------------------------------------------------------ ⅸ I. 서론 ------------------------------------------------------------- 1 A. 연구의 필요성 --------------------------------------------------- 1 B. 연구의 목적 및 문제 --------------------------------------------- 9 II. 이론적 배경 ----------------------------------------------------- 11 A. 이야기 구조 ----------------------------------------------------- 11 B. 탈상황적 언어 --------------------------------------------------- 24 C. 유아의 이야기 짓기와 극화 활동 ---------------------------------- 34 III. 연구방법 ------------------------------------------------------- 46 A. 연구대상 -------------------------------------------------------- 46 B. 연구도구 -------------------------------------------------------- 48 C. 연구절차 -------------------------------------------------------- 57 D. 연구가설 -------------------------------------------------------- 65 IV. 연구결과 -------------------------------------------------------- 66 A. 이야기 짓기와 극화의 연계활동이 유아의 이야기 구조에 미치는 영향 66 B. 이야기 짓기와 극화의 연계활동이 유아의 탈상황적 언어능력에 미치는 영향 -------------------------- 87 V. 논의 및 결론 -----------------------------------------------------117 A. 논의 ------------------------------------------------------------117 B. 결론 및 제언 ----------------------------------------------------127 참고문헌 ------------------------------------------------------------130 부록 ----------------------------------------------------------------142 영문초록 ------------------------------------------------------------15

국립대학법인화 추진과정의 한·일간 비교연구

학위논문(석사)--서울대학교 행정대학원 :행정학과 행정학전공,2006.Maste

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