囚われる人

　六本木アートナイト2019 に出品した作品「囚われる人」について、準備から展示に至るまでのプロセスを報告する。「囚われる人」は、自動販売機に人が押し込められているように見える映像インスタレーションである。実際には、鉄製フレームにより構成されるケースにPCと2 台の43 インチ液晶TV、TV 前面にポリカーボネイトハモニカボードを組み込んだ装置にスタジオで撮影した映像を送出しているに過ぎない。しかし、撮影時の工夫と装置の構造を組み合わせることで、あたかもすりガラスの向こう側に人が存在するかに錯覚する効果を得ることができる。この装置を街中の自動販売機と並置することで、貨幣経済に生きる私たちを俯瞰できる機会を設けることができるのではないかと考えた。私たちは自分の時間、すなわち寿命を切り売りすることで生計を立てている。人はその中で様々な選択を繰り返し生きていて、ともすると振り回される。しかし、世界に目を向ければ選択の余地のない人々があり、劣悪な環境に生きる人がいる。信じがたいことだが、ネット上には、金銭で売買される子供たちや臓器売買の悲劇が多数報告されている。「囚われる人」は、目新しい実在感豊かな表現で目を引くが、自動販売機を貨幣経済を俯瞰するためのフレームとして捉え、少なくとも自覚を促すことを目的とした作品である。This is a report on the entire process of creation of “Entangled”, an artwork exhibited at Roppongi Art Night 2019. “Entangled” is a video installation in which people look as if they are trapped into a vending machine. It a projection of studio-filmed videos played on two 43 inch LCDs with polycarbonate boards attached, all cased in a steel frame case. Filming techniques and the unique construction of the projection device creates the illusion of real people being behind a frosted glass. The objective was to offer an opportunity to recognize the broad conception of people living in a monetized economy. We all make our living by selling our time, which in essence is selling small bits and pieces of our lives for money. Life is about continuous and repetitive decision-making which at times unfortunately end up throwing ourselves around. However, there are people in the world who don’t have the governance to make their own decisions, such as children in human trafficking or victims of tragic organ trades. “Entangled” is not just an eye-catcher with its new type of realistic presence, but an artwork that looks at vending machines as a frame through which we can view ourselves living in a monetized economy

「無知の知」からはじめる形態認識/ブログサービスを活用したデッサン教育の試み

3 次元コンピュータグラフィックス（以下３DCG）は、ハードとソフトの進歩により、画材としての成熟期を迎えつつある。少なくとも理屈の上では、形作れないものはないと言わねばならない。円錐や球体を胴体や頭部に見立てることがアイディアとして許容された時代は、はるかかなたに過ぎ去り、人間をリアルに作ることが当たり前になった現在。CG クリエイターは、細密な肖像画を描く画家と同じくらいの描写力を要求されてもおかしくはない。ゲーム制作に代表されるCG 業界は、社会人になろうとする学生に、この要求を突きつける。一方、高校までの美術教育は、寛容な放任主義であるか、教員任せの個人主義的な教育に終始している場合が多い。自由であれ、と教えられてきた学生は、大学受験の段階になって初めて、技術が必要だと打ち明けられる。従来であれば、この歪みは美術予備校が引き受けてきた。しかし、大学全入時代に入り、この役割は大学の初等教育として扱わねばならなくなった。しかし、CG コースにおける本来のカリキュラムに加えて、継続性が必要なデッサン教育を扱うことは容易ではない。また、格差が大きいことが、問題を複雑化させている。本稿では、この問題に対応するために行ったブログサービスを活用したデッサン教育のあり方とその成果について報告する。With the improvement of 3DCG hardware and software, the 3DCG tools have reached its maturity stage. Thinking logically, every model can be made with 3DCG. Nowadays, 3DCG creators are capable of creating a model so realistic that they are able to provide the same quality of art as the professional artists. So, the CG based Industry making games expects these qualities of the graduating students. But the process of fine art education till high school is without any interference policy from the teacher allowing the student to practice the art by themselves which will result in lack of basic art knowledge that must be practiced before going to the university.They finally realize the lack of basic art knowledge when they appear in the entrance exam of the university. That’s why the university should bear the responsibility of teaching them the basic art which was being taught by the art preparation school so far. In the CG course curriculum it is not easy to teach every student the knowledge of art due to the disparity between students.To overcome these difficulties and get the progressive result from a student this blog design education system is thought

探る人／小さなモニターを用いた映像インスタレーション

　映像を用いたインスタレーション作品は多くの場合、画面を大きく、あるいは大規模に扱う傾向にある。筆者自身、自ら考案した3DCGキャラクターの設定値に合わせた展示に拘って来た。これは、とかく再生装置の規格に支配されがちな映像表現の枠組みから離れるための試みであったともいえる。そして、この方向では一定の成果を挙げてきた。しかし、当然ながらスクリーンおよび再生装置が大がかりになるうえ、再生環境も整えなくてはならない。このため、展示の機会は極めて限られてしまうという欠点がある。また、街中では駅構内などを中心にデジタルサイネージが広く普及し、単純に映像作品を眺めるのとは異なる使用方法が目新しいものではなくなり、当初は高精細に感じていた大画面映像も粗さが気になるようになった。そこで、発想を転換し、スマートフォンやタブレットPCの進歩により高精細化した小型モニターを用いた作品を検討することにした。小さな画面であっても、装置のデザインと設置の方法により、観客の印象に残る作品の制作は可能だと思えるヒントを落選した二つのコンペ企画の立案を通して得たからである。本稿では、この発想から制作までの経緯と今後の構想について述べる。　Installation artwork involving video images have a tendency to use large or large scale screens. The author, too, has long pursued displaying his original 3DCG characters at the actual size he envisioned the character to be. This was an effort to set his artwork free from the conventional framework of imaging which tends to be limited by the standards of the reproduction system, and has accomplished a certain level of success in this direction. Naturally, such artwork require large scale screens and reproduction systems and the environment needs to be set up for the reproduction as well. Thus, exhibition opportunities are extremely limited, which is a disadvantage. At the same time, digital signages have become a norm in the streets, especially in train stations. Even if they are creatively used, there is no freshness in artwork using these screens which were once perceived as high definition but now feels rather coarse. For these reasons, the author decided to change his approach to utilize small-sized monitors which now have high definition with the evolution of smartphones and tablet PCs. This comes from hints learned through participating in two unsuccessful competitions; powerful artwork capable of leaving a strong impression to the audience can be created using small sized screens if the reproduction device is creatively designed and displayed. This paper will elaborate on how this idea started through its production process as well as on the author’s future artwork plan

Quon/テクスチャリングとカスタマイズの手法

Quon は、2009 年に神戸ビエンナーレに出品した3DCGZOO において立体映像として発表した。しかし、このキャラクターをインスタレーション作品の一部としてだけ制作しているわけではない。遅々として進まないが、彼らが主人公として活躍する映像作品を制作することを前提としている。つまり、できるだけあらゆる動作、表情が可能な有能な役者として成立することを目標にしている。架空のキャラクターだからこそ詳細な質感表現にこだわり、表面的な信憑性を重視している。その方法論についても本稿で言及する。一方、動作に関しては、効率的なアニメーション制作のためにキャラクターをカスタマイズすることを重視している。カスタマイズの要点は、体の各部分が主たる動作に連動する仕組みを構築することである。最も代表的な例として、歩行動作におけるつま先と重心の連動をあげることができる。このようなカスタマイズを施すことで単純にアニメーションさせる要素を減らすことができる。この例であれば、3 つのアニメーションすべき要素を2 つにすることができる。しかし、実際には単純に作業量が減るということ以上の様々な恩恵をもたらす。それは、アニメーターにキャラクターが潜在的に持っている動きの可能性を気付かせるという効果だ。[Quon] issued an announcement as a 3D Image in 3DCGZOO that had been exhibited in the Kobe Biennale in 2009.This character was not produced as a part of the installation work only.We required to produce it as an active 3D Image as a main character but unfortunately it did not advanced at all. For the efficient animation production the most important point is the customization or set up of the character.The point that should be considered in the customization process is to construct the mechanism that each part of the body synchronizes withthe main action performed.For example,thesynchronization of the gearing of the center of gravity withthe movement of the toe in a wallking action which cansimply decrease an element that an animation processneeds by customizing in this way.In the case of the exampleabove the element count of the animation process isdecreased from three elements to two elements.Not onlythe element count is decreased but also different otherbenifits are provided to the animators for easy animationprocess.Also,this introduce the animator with the possibleproperty of movement and potential of the character

柔軟な表情を可能にするセットアップ手法/エンベロープによるフェイシャルセットアップについて

3DCG キャラクターを活き活きと表現するためには、表情が豊かでなくてはならない。豊かな感情表現を実現するために必要なのは、優れたアニメーターであり、キャプチャーをする場合には、訓練された役者だ。そして、忘れてはならないのが、3DCG キャラクターのフェイシャルセットアップである。優れた入力があっても、キャラクターの側に豊かな表情が出力できるポテンシャルがなければ意味を成さない。従来、フェイシャルセットアップはシェイプアニメーションを応用することで対応してきたが、より高度な感情表現を求めるには、限界があることがわかってきた。これに変わる方法として、スケルトンやコントロールスプラインを用いて表情筋を擬似的に表現する方法が考えられる。しかし、もともとの構造が複雑であるため、手法も複雑になり、方法論に多様性があるため、確定させることが困難であった。本稿では、授業化も視野に入れて考案したエンベロープによるフェイシャルセットアップの手法を報告する。To represent a 3DCG character with lively expression, facial expression plays a vital role. That means the facial expression must be very rich and delicate. To achieve such rich emotional facial expression in a character one should be an excellent animator or in the case of facial motion capture, there is a need of a very trained actor. Also, the main point to consider is the facial setup of 3DCG characters. Even with excellent data input, if there is no potential to output rich facial expression on the character side, it does not make any sense. Traditionally, facial setup was performed using shape animation but it was found that there is a limitation to determine advanced emotional facial expression.So to overcome these limitations of shape animation an alternative method is thought, which is setting up the facial muscles using a spline control and skeleton. However, because the original facial structure of human being is complex, the process of setting up the face with spline control and skeleton is a very complex method. In this paper, there is the explanation of the method of facial setup which can be enveloped and used and also will be taught in the classroom

GIMON/ハードウェア編

　神戸ビエンナーレ実行委員会より依頼を受け、神戸ビエンナーレ2015において、招待作家として出品した映像インスタレーション作品「GIMON」のうち物理的な構成要素について述べる。2014年11月、「神戸市役所に隣接する東遊園地（神戸市中央区加納町6丁目）における映像インスタレーション作品」制作の依頼を受諾した。公園という公的空間において、40日を越える長期にわたり、映像を連続して上映することは、当初、無謀とも思える困難が予想された。限られた予算で、堅牢かつ不特定多数の人間を対象とした安全性を確保した構造物を構築しなくてはならないからだ。当然ながら、美術作品である以上、総合的なデザイン性も重要である。ある程度以上の大きさがなくては、屋外において見栄えがしないであろう事も予想できた。また、鮮烈な映像を送出するための仕組みを考案しなくてはならない。本稿では、これらの諸問題を如何に解決し、作品が実現するに至ったか、その経緯について報告する。This study will elaborate on the physical structure elements of “GIMON”, a video installation work exhibited at the Kobe Biennale 2015 Japanese Guest Artist Exhibition by the request of the Organizing Committee for KOBE Biennale. It was November 2014 that a request to create a “video installation work at Higashi yuenchi Park, adjacent to the Kobe City Hall (6 chome, Kano-cho, Chuo-ku, Kobe City), was received. To continuously play a video in a public space such as a park for as long as 40 days initially seemed tremendously difficult if not impossible. This is because a robust structure, securing the safety of an undetermined number of viewers, needed to be created within a limited budget. Needless to say, the structure itself is part of the artwork and the overall design was important. It also needed to be of substantial size to be presentable outdoors. Further, a mechanism to showcase video with fresh and vivid impact had to be created. This study will report on the process of how these difficulties were overcome and how the installation work came to life

スケッチと実用データを繋ぐスカルプトモデリング/スカルプトモデリングを組み込んだワークフローの検討

オリジナルキャラクターをデザインし、アニメーション可能な3 次元コンピュータグラフィックスオブジェクトを制作するためには、多くのプロセスを経なくてはならない。特に、アイディアスケッチの段階から、コンセプトモデルに至るプロセス、すなわち2 次元から3 次元への変換において、形態を完全に把握することは困難だ。このプロセスを従来のポリゴンモデリングだけで乗り切ろうとすると、多くの時間と妥協を余儀なくされる。結果的に試行錯誤の余地は極めて少なくなり、品質に影響する。これを解消するには、モデリングプロセスの中にスカルプトモデリングを導入することが効果的であることが予想できる。ただし、すべての対象に同じように効果があるとはいえないし、アニメーションで用いるには不都合な要素を含む。複数のソフトを場面やスキルに応じて使い分ける必要もある。これらを踏まえ、新しいキャラクターを設計し、アニメーションを前提としたオブジェクトとして成立するまでのプロセスを実践した。学生の制作に効果的であることを念頭にワークフローを構築することも目的としている。本稿は、これらのプロセスを報告するものである。To make an original character which can be animated in the 3D Computer Graphics,one should pass through a great deal of processes.Especially,process from the idea sketch to the conceptual model and then converting the 2D model completely to the 3D model is a tough process.Using only the polygon modeling to overcome the process mentioned above consumes great time and efforts. In spite of such hard efforts it is not sure that the quality will be better and error will be less in the models. So, to overcome these the sculpting modeling process is used along with the polygon modeling process which will give the better result comparing to the polygon modeling process only. However,it cannot be said that the process will influence equally to every type of subject because the animation process follows after the modeling process. But,with the skills of different 3D software and utilizing it correctly will allow one to get best final result .In this manuscript, there is the explanation from setting up a new character considering the workflow of animation process in prerequisite which will help the students in systematic work flow of the modeling process

挟まる人

　六本木アートナイト2018 に出品した作品「挟まる人」について、準備から展示に至るまでのプロセスを報告する。「挟まる人」は、ビルとビルの隙間に3m以上の普段着の巨人が挟まって足掻いているように見える映像インスタレーション作品である。実際には、六本木ミッドタウン向かい側にある70cmほどの隙間にスクリーンとプロジェクターを設置するためのやぐらを建て、1台のPCから1つのムービーファイルを3台のプロジェクターを用いてスクリーンに投影している。縦型48：9 という見慣れない映像フォーマットと現場の照明に合わせたライティングなどの効果により通りの向かい側からは実在感豊かな表現となった。　都市に暮らす人々は、多かれ少なかれ窮屈な思いをしている。代表的な例は満員電車だろう。その最小限の空間でさえ人々は様々な想いを抱き生きている。あるいは、ある共感が働いているようにすら思う。本物の嫌悪を多くの人が抱くのであれば、放置したままにするだろうか？ 「挟まる人」には、何より鑑賞者の口元を緩める力があるように思う。そして、それは都市に暮らす人々の皮膚感覚を呼び覚まし、ある共感を呼ぶのではないかと推察する。展示は大変好評であったし、展覧会後の外部評価も高い。個人的にはこれまで執着した3DCG を用いた表現を排し、新しい領域に踏み出した記念すべき作品である。This is a report on the entire process of creation of“Trapped”, an artwork exhibited at Roppongi Art Night 2018. “Trapped” is a video installation artwork in which giantpersons sized over 3m are trapped in between buildings. Amovie file is projected via a PC from a tower built in a narrow strip of space between two buildings facing RoppongiMidtown. The tower housed three projectors that projected the artwork onto a screen with an unusual dimension of 48:9. Coupled with lighting effects, a realistic sense of existence was created when seen from the opposite side of the road. People living in big cities have a sense of being constraint. A typical example is the packed train during　commute hours. People are stuffed into minimal space while they all live with different and diverse thoughts and feelings inside, which leads to the formation of synesthesia. “Trapped” has the power to bring a small smile to the audience. The artwork awakens senses of physical contacts and thus creates a sense of empathy or synesthesia. The exhibition was very well received by the public and also highly recognized by third parties. Personally, this is a commemorable piece of work in which I venture out to a new field stepping away from my expertise, 3DCG

3DCGZOO/立体映像を用いたインスタレーション

2009 年10 月3 日～11 月23 日まで開催された「アートインコンテナ」国際展は、神戸ビエンナーレにおけるメインコンペティションであり、輸送用コンテナ内部を展示空間とし、その限られた空間を構成する作品を競うものである。3DCGZOOは、神戸ビエンナーレ2007 で発表したCGZOOの映像部分を立体映像に置き換え、完成度を高めることを目的に計画した作品である。この作品を実現するためには、リアプロジェクションによる立体映像投影を可能にするために拡散効率が高いスクリーンが必要だ。3DCGZOO で用いたDLC スクリーンは、東北大学大学院工学研究科内田研究室が開発し、リンテック株式会社で制作された非常に高性能なスクリーンであり、問題を解決する唯一の方法である。また、立体映像を制作・再生するための方法/音楽が単なる繰り返しにならないための方法/不特定多数の観客に立体視用のメガネを配布することなく円滑に鑑賞させるための方法など、多方面にわたる工夫も必要だったため、研究・実現した。映像の内容である3DCG キャラクターのテクスチャ制作やカスタマイズについても、これまでとは違うアプローチを試みている。この論で取り上げるには煩雑であること、会期以降、新たな試みを重ねていることから別に「Quon」として発表する。October 3,2009 “Art In Container” international exhibition was held until November 23,2009 as the main competition in the Kobe Biennale.In this competition every competators a re provided with a transportaion container free space to exibit their work.3DCGZOO is the project that I exhibited there.3DCGZOO replaces an image part of CGZOO announced by Kobe Biennale in 2007 with the stereoscopic vision to achieve the completeness and perfection of the CGZOOproject.In order to achieve the perfection and to enable the 3D image projection by rear projection, diffussin effecient and very hig quality screen was used which is the DLC screen.The DLC screen used in 3DCGZOO is a very effecient screen that the Tohoku University Graduate School of Engineering Research Course Uchida Laboratory developed and was produced by Lintec Co.Ltd..Moreover,It was necessary to research a new method for the production and reproduction of a stereoscopic vision including the sound system.It was necessary to devise it to appreciate without distributing stereoscopic glasses to the unspecified number of spectators

GIMON/コンテンツ編

　神戸ビエンナーレ実行委員会より依頼を受け、神戸ビエンナーレ2015において、招待作家として出品した映像インスタレーション作品「GIMON」のうち表現内容の考え方、制作方法について述べる。神戸ビエンナーレ2007での受賞が招待理由であることから、その点に配慮しながら、現時点で掲げている研究テーマとすり合わせ、コンセプトをまとめることとした。琳派に代表される古典的な日本美術は、現代においても独特の美を放つ。私は、その魅力の根源を「共存の精神」に見出そうとしている。仮にこの考えが正しいとすれば、媒体や技法が異なった表現であっても、日本美術の伝統を継承することは、可能なはずである。混迷する世界情勢を考える時に、日本人が養ってきた共存の精神は、その解決の糸口になると思える。日本固有の文化を、現代的な手法に置き換えつつ、その精神を継承することができるのであれば、時代や場所を超えて応用可能な普遍性を有することが証明されるはずである。This study will elaborate on the production scheme and how the artistic presentation was derived for “GIMON”, a video installation work exhibited at the Kobe Biennale 2015 Japanese Guest Artist Exhibition by the request of the Organizing Committee for KOBE Biennale. The concept was shaped by taking into consideration the fact that the invitation was based on a specific prize-winning work exhibited at the Kobe Biennale 2007 and blending this with the author’s current research theme. Rimpa and other classical Japanese arts continue to present unique beauty that remain an appreciable value to date in the modern world. The author seeks the origin of the beauty in the “spirit of coexistence”. If this assumption is correct, regardless of media or technique of the artistic presentation, an artwork should be able to inherit the tradition of Japanese arts. When looking at the turmoil now engulfing the world, the spirit of coexistence long cherished by the Japanese seems to be a viable clue to finding a way out. If the spirit unique to Japanese culture can be inherited while replacing the techniques involved to modern techniques, the existence of a universal framework that can be applied regardless of time and place will be proved