Cidade de Deus, Babel y También la lluvia. Hacia un lenguaje cinematográfico global

After decades of struggle against Western hegemony, the success of Third World cinema both from critics and at the box-office attests to a change in the center vs. periphery scheme of cinematic productions worldwide. The case of Ibero-American movies especially, with productions such as Cidade de Deus (Fernando Meirelles and Kátia Lund, 2003), Babel (Alejandro González Iñárritu, 2006) and También la lluvia (Icíar Bollaín, 2010) provides an alternative to David Bordwell’s confident statement in 1985 that “no absolute pure alternative to Hollywood exists” (Bordwell, 1985, p. 624). Building on recent film scholars’ paradigms of a post-classical and more global cinema (such as Deborah Shaw, 2007 and Eleftheria Thanouli, 2009), this essay offers a close-reading of these three contemporary Ibero-American movies in terms of their similarities from a production, distribution, as well as aesthetic perspective. Through an analysis of shared collaborative strategies and patterns of creation (narratives in “network”, preferences for multiple languages, shooting locations, and protagonists, etc.), the following article argues for a general intent both from Hispanic and Lusophone productions to fight alongside instead of against other cinematic currents in a joint effort to gather strength against multinational exploitation, inequality, exclusion, and other negative consequences of globalization.Después de décadas de luchar contra la hegemonía occidental, el éxito del cine producido al margen de la industria hollywoodense sugiere un cambio en la dinámica centro versus periferia que hasta hoy sigue rigiendo la producción cinematográfica mundial. El caso del cine iberoamericano, sobre todo con producciones como Cidade de Deus (Fernando Meirelles y Kátia Lund, 2003), Babel (Alejandro González Iñárritu, 2006) y También la lluvia (Icíar Bollaín, 2010), llama la atención, ya que parece desafiar la opinión bien conocida de David Bordwell según quien «no absolute pure alternative to Hollywood exists» (1985, p. 624). Tomando como punto de partida esas tres producciones y los paradigmas establecidos por Deborah Shaw y Eleftheria Thanouli, quienes subrayan la existencia de un cine posclásico y global, este ensayo se propone resaltar similitudes estéticas y procesos de producción y difusión parecidos con el fin de entender el éxito reciente del cine iberoamericano en el mercado global. Mediante el análisis de patrones creativos y estrategias de colaboración similares (narrativas en network, multilingüismo, protagonistas y sitios de rodaje múltiples, etc.), el siguiente trabajo describe un intento, tanto por parte del cine hispánico como lusófono, de luchar juntos y no en contra de las demás corrientes cinematográficas, en un esfuerzo común contra la explotación de las multinacionales, la desigualdad, la exclusión, y otras consecuencias negativas de la globalización. Imagen de portada: Federico Rubio. Serie "Obliteraciones", 2018

Hudson river et piraterie : Périple d’une conception ruizienne du cinéma hollywoodien

En 1990, alors qu’il est invité à l’Université de Harvard, le réalisateur chilien Raoul Ruiz profite de son séjour aux États-Unis pour se consacrer à l’étude des séries de télévision américaines. Des expérimentations menées avec ses étudiants naît The Golden Boat, son premier long métrage américain, mais aussi l’une des premières ébauches de sa célèbre critique de la théorie du conflit central et autres contraintes narratives hollywoodiennes. En vue d’éclairer ce paradoxe, ce travail se propose d’étudier les différents procédés, mis en place par le cinéaste, afin de convertir ce qui s’apparente pourtant à un produit type de la globalisation du divertissement en l’une des critiques les plus acerbes de l’industrie cinématographique américaine. De la sorte, nous espérons apporter un élément de réponse à la question de la journaliste Judith Shulevitz (The New York Time et Film Comment) : “What the [he]ck is this film about

Louis Lavoye (1877-1975) dans l’entre-deux siècles : du Conservatoire royal de Liège à la Société liégeoise de musicologie

Depuis sa première nomination au Conservatoire royal de Liège en 1908, en qualité de professeur-adjoint de solfège, Louis Lavoye a fait parler de lui. Ses doctrines parfois modernes, voire révolutionnaires, par rapport à l’enseignement non encore rénové du Conservatoire ont marqué les esprits du XXe siècle. Non content d’être un véritable « maître à penser » , Louis Lavoye était également un « artiste accompli » . Les journaux conservés au Conservatoire royal de Liège parlent en termes très élogieux du pianiste et organiste, dont l’illustre Charles-Marie Widor s’est plu à reconnaître le mérite. À ses talents d’exécutant et d’interprète s’ajoute aussi celui de compositeur. Ses œuvres, qualifiées d’« ensemble riche » , d’une « ardente musicalité » , ont été chaleureusement accueillies. En 1909, Louis Lavoye fait également partie des membres fondateurs de la Société liégeoise de Musicologie, dont il deviendra Président en 1947, puis Président d’honneur en 1972 . Retraité en 1942, il assume encore jusqu’en 1951 l’intérim de la classe d’orgue, libérée par le départ de son titulaire Charles Hens et n’abandonne qu’en 1973, deux ans avant sa mort, la critique musicale qu’il assurait à La Meuse depuis 1922. Malgré cette vie d’intense activité, après sa mort, Louis Lavoye tombe dans l’oubli. Dès lors, cet article se propose d’interroger le travail du musicien et compositeur, mais aussi celui du professeur, critique et musicologue au regard de la situation musicale de la fin du XIXe siècle et de la première moitié du XXe, en vue d’établir une véritable biographie détaillée du Liégeois

Fictions au miroir du double. Raúl Ruiz devant Borges

Fictions au miroir du double. Raúl Ruiz devant Borge

Nuevas perspectivas sobre la transnacionalidad del cinema hispánico de Robin Lefere y Nadia Lie

Enfocándose en el cine hispánico en particular, con un interés equivalente tanto para España como para América Latina, el volumen, dirigido por Nadia Lie y Robin Lefere, Nuevas perspectivas sobre la transnacionalidad del cine hispánico pretende responder a los interrogantes que suscitan estos cambios, intentando no limitarse a los mecanismos de producción y a las estrategias mercantiles, pero atañendo también a las poéticas cinematográficas, a la política lingüística y de subtitulación, así como al concepto de autor. En otras palabras, con el apoyo de investigadores originarios de Argentina, Austria, Bélgica, España, Estados Unidos, Francia, Holanda, Inglaterra, del director de la revista Studies in Spanish and Latin American Cinema, de un documentalista, y del antiguo director del BAFICI, este libro “debate y detalla la fecundidad crítica del paradigma transnacional en los cines español y latinoamericano” (contraportada). Después de un capítulo teórico que se propone deslindar el concepto de lo transnacional, tal estudio se divide en tres partes dedicadas respectivamente a: 1/ la transnacionalidad en el campo de la producción y de la distribución; 2/ los directores de primer orden, cuyas películas se discuten en relación con el tema de la transnacionalidad; 3/ las estrategias de narración en el cine transnacional

Entretenerse con la Guerra del agua: El delirio de Turing de Edmundo Paz Soldán y También la lluvia de Icíar Bollaín ¿Acto de resistencia u oportunismo?

La decisión semejante, por parte de Paz Soldán y Bollaín, de ubicar a sus protagonistas en medio de esas revueltas sin convertirles, no obstante, en rebeldes o líderes incita a las preguntas siguientes: ¿hasta que punto la literatura y el cine pueden usar acontecimientos trágicos para divertir?, ¿será el hecho de entretenerse con la Guerra del agua un acto de resistencia u oportunismo? Mediante el ejemplo de la película También la lluvia y de la novela El delirio de Turing este trabajo se propone demonstrar cómo el uso de géneros mainstream no sólo les permite a Bollaín y Paz Soldán salir de una posición periférica al reivindicarse respectivamente como la primera mujer en tratar la conquista de las Américas --tema dominado hasta ahora por cineastas masculinos-- o como el primer novelista boliviano reciente en adquirir una fama internacional; y consecuentemente imponerse en la escena del entretenimiento global. Tanto en El delirio de Turing como en También la lluvia, el uso de la novela policíaca y del cine épico permite a sus autores mezclar ficción, hechos históricos y indagación, convirtiendo así a estos dos géneros populares en una metáfora del activismo cinematográfico y literario en un mundo globalizado regido por las tecnologías

LA OBRA EN “MATRYOSHKA” DE EDUARDO HALFON: UN PROYECTO LITERARIO GLOBAL

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Una barca chilena en Manhattan : periplo de una concepción ruiziana del cine hollywoodense

Esta presentación pretende analizar The Golden Boat (1990), primera película dirigida en inglés por Raúl Ruiz (1941-2011) y ambientada en Nueva York. Se busca demostrar cómo el director chileno construye una incisiva crítica a la industria cinematográfica estadounidense. La película fue creada para el Metropolitan Museum of Art’s Art on Film Program y reunió a varias figuras artísticas neoyorquinas (tales como Vito Acconci, Kathy Acker, Jim Jarmusch y John Zorn), y a la compañía de teatro The Kitchen. Con un guión basado en la serie policiaca americana Kojack, varias referencias a los pulp novels y a la estética de Welles, esta película podría ser interpretada como un producto de la globalización del cine hollywoodense. Sin embargo, al usar el sentimiento de fatalidad, que convierte en mera ilusión la lucha de sus personajes, Ruiz desafía las convenciones del cine norteamericano y su recurso a la “teoría del conflicto central”. Asimismo, frente a un enfoque provocador de esta película, proponemos analizar el juego de yuxtaposición entre el underground de Manhattan de la década de 1960 y las referencias a telenovelas chilenas de los noventa, como una manera de convertir The Golden Boat en una alegoría del proceso mismo de su realización. No es de extrañar, entonces, que esta producción independiente sufriera la indiferencia financiera y animosidad por parte de los Union workers del ámbito cinematográfico de la ciudad de Nueva York, que trabajaban entonces para la nueva película de Woody Allen, rodada también al 80 Center Street

Une dénonciation ambiguë de l’exploitation. De la métaphore du Sud, de son paradoxe et de son pouvoir critique

Alors même qu’ils proviennent de régions très diverses du globe, rattachées tantôt au Sud, tantôt au Nord, de nombreux romans et films contemporains (1980-2015) jouent d’une figuration identique du Sud. En effet, dans toutes ces œuvres, le Sud fonctionne comme l’allégorie d’un territoire pauvre et exploité par une autre région plus riche, explicitement ou implicitement désignée comme le Nord – cette exploitation est souvent définie comme la cause et la conséquence de la pauvreté du Sud, dont, en un cercle vicieux, il semble ne pas pouvoir sortir. Une première lecture de cette allégorie consiste à voir dans la figuration du Sud une dénonciation du Nord et de son impérialisme – telle lecture est particulièrement admise dans le cas des auteurs dits périphériques ; elle paraît déjà plus problématique au regard de ceux provenant des centres. Si elle est certainement pertinente, cette lecture semble néanmoins incomplète, dans la mesure où elle ne prend pas suffisamment en compte une donnée essentielle : en vue d’assurer leur diffusion, les romans et les films sur le Sud visent à être publiés respectivement par des maisons d’édition et des majors rattachées au Nord que ces œuvres dénoncent. Autrement dit, pour être reçue à l’échelle globale, l’image critique du Sud doit nécessairement et paradoxalement recevoir une forme de caution du Nord. Pensée dans une optique de Littérature Comparée, cette communication se propose d’envisager cette métaphore du Sud et son ambivalence à travers un corpus de romans et de films internationaux, comprenant, entre autres, Babel d’Iñarritu, También la lluvia de Bollaín, Plateforme de Houellebecq ou Vers le sud de Laferrière. Nous entendons ainsi démontrer que la figuration thématique de l’exploitation du Sud par le Nord est le signe d’une lucidité critique de l’œuvre fictionnelle qui pointe, par là, les conditions mêmes de sa production et de sa réception à l’échelle globale