Emeline Jouve, Susan Glaspell’s Poetics and Politics of Rebellion

Il est grand temps de réévaluer l’apport littéraire et théâtral des femmes qui écrivent, et ont écrit, pour la scène américaine. À l’heure où la critique apporte des nuances à la « grande histoire » du théâtre américain, trop souvent résumée à celle d’un réalisme au masculin, il s’avère fructueux de relire les autrices à travers d’autres prismes que ceux de l’histoire culturelle ou d’un féminisme qui court le risque d’abréger l’œuvre à l’une de ses dimensions. C’est l’une des raisons, parmi b..

Translating for the stage, a theoretical approach based on two-character scenes in British drama

Cette thèse propose une réflexion théorique et esthétique sur la traduction du théâtre, à partir d’un corpus de scènes à deux personnages (duos et duels) tirées du répertoire britannique, de l’époque élisabéthaine à nos jours. Selon la démarche traductologique recommandée par Antoine Berman, un parcours historique des théories fait d’abord ressortir la nécessité croissante, dans la pensée de la traduction, de prendre en compte les exigences spécifiques posées par le genre du texte — par sa forme et par son usage. S’impose alors un travail de définition du langage dramatique comme matière vivante et sonore, qui concentre les effets et prépare l’incarnation. Ceci conduit à l’analyse détaillée de sa traduction, depuis l’expressivité des phonèmes jusqu’aux grandes articulations de toute la scène et aux rapports qui s’établissent entre la voix de personnages venus d’ailleurs et l’écoute du public. La traduction participe ainsi à la recréation de l’œuvre théâtrale, tout en permettant d’explorer sa nature paradoxale, entre le dit et l’écrit.The aim of this thesis is to provide a theoretical and aesthetic background for the translation of theatre, basing the analysis on a corpus of two-character scenes (love scenes, duels or witty dialogues), from the Elisabethan age to contemporary British authors. Following the method for translation analysis recommended by Antoine Berman, the thesis begins with a historical overview of translation theories which highlights the growing need to take into account the demands of each genre in terms of form as well as use. It is then necessary to define the language of theatre as acting matter—words which are efficient, resonant, and alive. This leads to a detailed analysis of their translation, from the expressivity of phonemes to the mechanics of a whole scene and to the relationship between the voices of foreign characters and the audience’s perception. Thus, translation becomes a way of participating in the recreation of a dramatic work of art, while providing a way to explore its paradoxical nature, halfway between the spoken word and the written word

Harmony at Harmonia? Glamor and Farce in Hello, Dolly! from Wilder to Kelly

International audienceThis article explores the stage-to-screen reinventions of style, comedy and spectacular effects in Hello, Dolly!, taking into account three diverging versions of the same narrative: Thornton Wilder’s play The Matchmaker (1954), the Broadway show Hello, Dolly! created by Jerry Herman, Michael Stuart and Gower Champion (1964), and its Hollywood adaptation directed by Gene Kelly (1969). As may be expected, the transfer to the musical stage implies shifts in scale and structure, translating physical comedy into choreography; but the screen transposition further introduces alterations in tone, sentimentality and narrative intention which create a greater distance with Wilder’s original farce. Hesitating between a spirit of preservation, a logic of amplification and a “Hollywoodized” romantic intent, Kelly’s film creates an impression of imbalance – without, however, diminishing the value of Barbra Streisand’s vocal and verbal contribution to the role of Dolly