« You can dance, you can jive… »

Comment le musée se propose-t-il aujourd’hui comme lieu d’écoute de la musique populaire ? Par la mise en regard de l’exposition « Abbaworld » et des expositions récemment proposées au Musée de la musique à Paris, nous proposons d’explorer les dimensions de l’expérience d’écoute de la musique populaire au musée. Nous indiquons comment le dispositif expositionnel construit le visiteur à la fois comme récepteur et public d’un propos culturel, d’un contenu musical, et d’une pratique. Nous détaillons la façon dont l’expérience de l’auditeur proposée par l’exposition « Abbaworld » dépasse les limites de l’écoute savante, écoute « séquestrée », caractérisée par la tension cérébrale et l’immobilisation des corps, de même que celle des muséographies habituellement produite par les musées, marquées par un discours hagiographique et requérant une compétence (literacy) essentiellement textuelle (visuelle et passant par le medium de l’écriture, plutôt qu’orale et musicale). Se créent probablement ainsi les conditions d’une écoute populaire des musiques populaires.How does the museum offer today a place of listening to popular music? By analyzing the "Abbaworld" exhibition at the Powerhouse Museum in Sydney (December 17, 2010 to June 26, 2011), we explore in this paper the scales of the listening experience as constructed by designers , registered in the exhibitionary device and appropriated by visitors. We attempt to identify, in particular, how "Abbaworld" refers to visitors as receivers and performers of some practices of listening. The immersive and participatory design, co-produced by Polar Studio -producer of the band- and the museum, favors an active and liberating listening practice, which is no longer confined and constrained by individual devices, and which liberates the body itself. Practices of listening associate love and practice of music, reviving the classic sense of amateurism, they join listening and performance (singing and dancing). There individual and collective practices of listening to music are exchanged and shared in an overall system which spreads it (in all spaces), and in which music manifests itself in many forms, formats and modes (videos, mixing, sing-along ...). Thus the exhibition invent what we might consider as popular ways of listening to popular music

« Scribe, dé-scription, description : ce que la sociologie de la traduction fait au terrain. À propos d’un dispositif muséographique »

Cet article s’interroge sur les conditions de production d’un texte scientifique dans le cadre de la sociologie de la traduction. En recentrant l’analyse sur les opérations performatives des acteurs (humains et non humains) qui construisent leur monde, cette approche originale modifie le rapport du chercheur à son objet de recherche ainsi que le statut du texte scientifique produit : celui-ci est une description, organisée narrativement par le scribe-chercheur, des médiations (opérations d’attribution de cause aux objets) réalisées par les acteurs. Après avoir évoqué certaines « manières d’écrire », qui sont autant de manières de décrire, proposées par les auteurs de ce courant, l’auteure soumet au lecteur une relecture de sa propre production descriptive : la description d’un dispositif muséographique d’immersion simulée, visant à faire ressentir par et dans le texte l’effet du dispositif. Les principes et procédés d’écriture mobilisés sont analysés a posteriori, en vue de mieux cerner la genèse et l’opérativité du texte scientifique, mais également de comprendre le plaisir particulier pris à la lecture ce type de texte.‪This article addresses the production of a scientific text within the theoretical frame of the sociology of translation. Focusing on the performative actions both human and nonhuman actors use to build their world, this original approach modifies the link between researcher and object as well as the status of the scientific text, which becomes a description of the operations performed by the actors, which is organized as a narration by the writer-researcher. We first present some ways of writing that are also ways of describing, among several proposed by sociologists. We then propose an analysis of our own descriptive work, namely a description of a simulated immersion exhibit that aims at making people “feel” by and through the text the effects of the exhibit. The principles and ways of writing are analyzed <i>a posteriori</i> in order to apprehend the genesis and operational modes of the scientific text as well as to understand the peculiar pleasure found in reading this type of text.

Reformulation of the museum’s discourse in reflexive ethnographic exhibitions. Limits and ambivalences at the Museum der Kulturen (Basel) and the Neuchâtel Ethnography Museum

In response to the criticisms and suspicions about ethnographic museums, adding sections on collectors and collections has become a common, even ubiquitous, practice. It remains crucial to know how such a critical reflexivity is displayed and how unsettling it is for the museum. The ethnographic museums of Basel and Neuchatel in Switzerland recently presented exhibitions tackling the topic of expeditions ("Expeditions" Museum der Kulturen; "Return to Angola," Neuchâtel Museum of Ethnography). Indeed, the subject of these reflexive meta-exhibitions is the museum itself, whose legitimacy and predatory nature is questioned. Our contribution illuminates how reformist narratives take place in these exhibitions and how, through such self-exhibition strategies, the museum reinforces the legitimacy of Western museums. Through their displays, both exhibitions challenge the established systems of museums’ values. However, ambivalent postures (in the representation of subjects, in the expression of their voices, in the presence of human remains) show the limits of the critical resettling of the museums. In the end, it appears that these exhibitions are neither the place for undermining the Western museum nor places where the voices of others are expressed. Ultimately, the agencies of display contribute to a reinforcement of the museum’s authority and its legitimate right to collect, preserve and display.Face aux critiques et aux soupçons qui pèsent sur les musées d’ethnographie, l’addition de sections sur les collecteurs et les collections est devenue une pratique commune, voire omniprésente. Reste cependant à savoir dans quel but cette réflexivité critique est déployée et dans quelle mesure elle déconstruit le discours muséal. Les musées d’ethnographie de Bâle et de Neuchâtel, en Suisse, ont présenté récemment des expositions prenant pour sujet les expéditions de collecte (« Expéditions », Museum der Kulturen ; « Retour en Angola », musée d’ethnographie de Neuchâtel). Ces méta-expositions réflexives ont pour sujet véritable le musée lui-même, dont elles questionnent la légitimité et la nature prédatrice. Notre contribution éclaire comment se déploie un discours réformiste sur le rôle du musée et plus précisément sur la façon dont, par les stratégies choisies d’exposition de soi, le musée reformule la légitimité de l’entreprise muséale occidentale, sans en saper totalement les soubassements. Les expositions mettent en question, à travers le traitement des objets, les régimes de valeurs qui président à la construction de significations. Cependant, des postures critiques inabouties et ambivalentes (quant aux représentations des sujets et à l’expression de leurs voix, quant à la présence de restes humains) montrent les limites de la reformulation. Apparaît finalement ce que ces expositions ne sont pas : ni des lieux de remise en cause de l’entreprise muséale occidentale ni des lieux où s’exprime la voix des autres. En définitive, les stratégies expositionnelles déployées contribuent plutôt à une réaffirmation de l’autorité muséale et du droit à collecter, préserver et exposer

L’exposition « E Tū Ake » (Maori debout) à Wellington, Paris et Québec. Affirmation culturelle et politiques du patrimoine

L’exposition « E Tū Ake (Standing Strong) » consacrée aux trésors culturels et aux revendications d’affirmation politique des Maori a été présentée au musée Te Papa Tongarewa (Wellington, Nouvelle-Zélande, 2011), au Musée du Quai Branly (Paris, 2011-2012) et au Musée de la Civilisation du Québec (Québec, 2012-2013). Au cours de l’itinérance internationale de l’exposition, dans des contextes culturels divers, les valeurs accordées au patrimoine ont été construites, négociées et contestées entre les musées parties prenantes. Suivant le principe énoncé par James Clifford pour le musée, c’est l’exposition temporaire itinérante qui devient ici « zone de contact » (Clifford, 1997). A partir de l’analyse des mises en exposition et des entretiens menés avec les équipes des musées impliqués, cet article montre comment l’exposition joue sur le croisement des regards internes et externes (à la culture Maori) sur la notion d’art, pour s’assurer une validation multiple de la valeur des taonga et l’inscrire dans une double perspective patrimoniale, à la fois locale et globale. Son discours défend l’idée d’une culture vivante, à appréhender avec des concepts autochtones, tout en se déployant dans les sphères artistiques et muséales internationales. Cette expérience invite l’analyse muséologique elle-même à se « dés-occidentaliser » afin de comprendre les transformations culturelles du patrimoine à l’œuvre dans un monde muséal devenu cosmopolite.The "E Tū Ake (Standing Strong)" exhibition is dedicated to the cultural treasures and the claims of political assertion of the Māori. It was presented at the Museum of New Zealand Te Papa Tongarewa (Wellington, New Zealand, 2011), the Musée du Quai Branly (Paris, 2011-2012) and the Musée de la Civilisation in Quebec (Quebec, 2012-2013). During the international tour in various cultural contexts, the values of heritage were built, negotiated and contested between the different museum stakeholders. Following the principle stated by James Clifford for the museum, it is the traveling exhibition which here becomes a "contact zone" (Clifford, 1997). Through analysis of the exhibition and interviews with museum professionals, this article shows how the exhibition plays on how internal and external viewing of art (from a Māori point of view) cross over to confirm many times over the value of the taonga (treasure/cultural heritage) and enter it in a heritage perspective that is both local and global. It defends the idea of a living culture, understanding it with indigenous concepts, while deploying this culture in international art and museum spheres. This experience calls upon the museum to analyze itself and "de-Westernize" in order to understand the transformations of cultural heritage at work in today’s cosmopolitan museum world

Rhétorique de la transparence et légitimité muséale : à propos de trois expositions d'ethnologie

Crenn Gaëlle. Rhétorique de la transparence et légitimité muséale : à propos de trois expositions d'ethnologie. In: Quaderni, n°52, Automne 2003. Secret et pouvoir : les faux-semblants de la transparence. pp. 93-103

Paysager la nature planétaire ? L’expérience des jardins planétaires et la définition d’une commune nature

Peut-on représenter la nature planétaire ? Cet article analyse deux expositions emblématiques qui ont tenté de figurer un paysage planétaire. « Le Jardin planétaire », à la grande halle de La Villette (Paris, 1999) et le Biodôme de Montréal (ouvert en 1992), où quatre écosystèmes américains sont reconstitués. Les deux expositions proposent aux visiteurs une expérience immersive, censée les sensibiliser à la nécessaire protection du patrimoine naturel commun. Inscrite dans une histoire culturelle des jardins, l’analyse de la scénographie et des usages révèle les paradoxes de la figure symbolique de la nature qui s’inscrit dans les dispositifs, nature à la fois « finie » (totalement appropriée et disparue) et « infinie » (sans étendue et saisie dans son principe). La mise à jour, en complément, du rapport singulier à la technique qui s’exprime dans ces natures reconstituées permet d’éclairer en quoi ces jardins planétaires traduisent (au double sens de transmettre et d’interpréter) une expérience contemporaine de la nature.Crenn Gaëlle. Paysager la nature planétaire ? L’expérience des jardins planétaires et la définition d’une commune nature. In: Analyse culturelle du paysage : penser le paysage. Actes du 135e Congrès national des sociétés historiques et scientifiques, « Paysages », Neuchâtel, 2010. Paris : Editions du CTHS, 2013. pp. 101-114. (Actes des congrès nationaux des sociétés historiques et scientifiques, 135-13

Dynamiques de (contre-)monumentalisation dans la politique mémorielle nord-américaine : les mémoriaux aux vétérans du Vietnam et aux vétérans de la Corée à Washington D. C.

International audienceLes mémoriaux de guerre expriment dans le présent et pour le futur les relations qu’une société entretient à un moment donné à son passé. Auxmains de divers acteurs (vétérans, designer, architectes, gouvernements, associations, collectifs….), qui y éprouvent leur légitimité, ils sont inscrits dans les dynamiques sociales, et sont parfois l’objet de controverses. Concernant l’histoire des guerres, les mémoriaux ont souvent privilégié l’honneur aux combattants et la promotion de l’héroïsme. Les mémoriaux développaient alors un langage formel et symbolique favorisant les représentations littérales ou métaphoriques, suscitant solennité et respect. Qu’en est-il cependant lorsqu’il s’agit de guerres perdues ou dont l’issue s’est avérée incertaine ? Que peut-on alors commémorer et sous quelle forme ? Les choix socio-sémiotiquesdes mémoriaux aux guerres perdues soulignent les enjeux mémoriels et les tensions dans les discours tenus sur le passé. Une description analytique détaillée de leur matérialité, du rapport au temps et à l’espace qu’ils articulent, des positions qu’ils ménagent aux spectateurs-visiteurs permet d’éclairer les effets symboliques qu’ils produisent et la place qu’ils tiennent dans la culture mémorielle.Le cas des mémoriaux aux vétérans du Vietnam (1982, complété en 1984) et de la Corée (1995) érigés sur le mall de Washington suite à l’engagement de l’armée des Etats-Unis dans les deux conflits permet de comprendre les dynamiques de contre- et re-monumentalisation dans la société américaine contemporaine. Le choix des localisations, des langages architecturaux, des sculptures figuratives ou allégoriques, de la position attribuée aux visiteurs dépend à la fois de controverses internes (de gouvernance) et publiques (mobilisations, dans le contexte national et international), mais aussi des rapports qui se sont développés entre les deux monuments, l’un prenant le contrepied de l’autre, dans un moment de « backlash » mémoriel. S’ils ont plusieurs points communs (une architecture centrée sur un mur de granit noir, une position symétrique sur le mall, un parcours avant tout émotionnel dépouillé d’éléments de contextualisation), les deux mémoriaux adoptent des choix très différents quant au réalisme des figures et à l’engagement des visiteurs à l’égard du monument. A cet égard, le monument à la Corée paraît, à sa conception, favoriser une re-monumentalisation, au profit de la restauration d’un sentiment de fierté patriotique et de respect du sacrifice des soldats. Cet effet symbolique cependant, peut être modulé par les interprétations des visiteurs, qui s’avèrent plus diverses que ne l’escomptaient les concepteurs

Stratégies et dispositifs culturels dans la construction d’un espace culturel. Les politiques muséales de Luxembourg et Grande Région – Capitale européenne de la culture 2007

International audienc

La valorisation des sites industriels en Grande Région : vers un patrimoine transfrontalier ?

International audienc

Au parc du haut-fourneau U4 : la construction du patrimoine par ses publics

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