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Utopie et pathologie : le thĂ©Ăątre contemporain Ă la conquĂȘte lâ« espace mental » F. Volchitza Cabrini, Sarah Kane, Martin Crimp, Gildas Milin.
La question de lâutopie est apprĂ©hendĂ©e de façon critique dans les textes dramatiques que nous abordons ici. Tout en sâinscrivant dans des perspectives diffĂ©rentes, les piĂšces contemporaines des Britanniques Martin Crimp (Atteintes Ă sa vie, Face au Mur) et Sarah Kane (PurifiĂ©s, Manque, 4.48 Psychose), celles du Français Gildas Milin (Anthropozoo, LâHomme de FĂ©vrier) et de lâItalienne Francesca Volchitza Cabrini (Si tu me regardes, jâexiste) renouvellent lâangle dâapproche de lâutopie sur la scĂšne europĂ©enne en interrogeant les ressorts des pathologies qui peuvent dĂ©couler des utopies collectives ou individuelles que notre Ă©poque voit apparaĂźtre. Ecrites entre 1997 et 2008, ces piĂšces nous offrent, par-delĂ leurs divergences, des tableaux ou des discours utopiques qui donnent lieu Ă des situations pathologiques, ou bien inversement rĂ©flĂ©chissent des situations pathologiques favorisant des projections utopiques. Sans constituer pour autant des dystopies, elles pointent du doigt notamment les pathologies mentales qui se dĂ©veloppent chez le sujet contemporain, soit en les dĂ©nonçant derriĂšre lâaffirmation satirique dâapparences sociales heureuses et prospĂšres (lâharmonie de façade dans les comĂ©dies de menace de Crimp), soit en exposant la tragĂ©die dâidĂ©aux fantasmĂ©s et hors dâatteinte dans un cadre explicitement pathologique (la psychose chez Kane, lâanorexie chez Cabrini), soit encore en proposant dâinvestiguer « la part dâincertitude, de chaos, dâalĂ©atoire que la science accepte aujourdâhui pour dĂ©crire au mieux la crĂ©ativitĂ© de la nature » Ă travers des visions futuristes techno-scientifiques du monde qui se rĂ©vĂšlent profondĂ©ment ambivalentes (Milin). Il sâagit avant tout de travailler une Ă©criture rĂ©flexive qui « soulĂšve des questions essentielles sur le monde dans lequel nous vivons » (Martin Crimp) dans des registres allant du satirique au tragique en passant par une vraie poĂ©sie du langage. Au final, le rapport ironique de ces piĂšces Ă lâutopie reflĂšte essentiellement lâangoisse sous-jacente, caractĂ©ristique de notre Ă©poque, qui est aussi bien la source que le produit des projections mentales et des fantasmes pathologiques qui constituent le motif central de ces textes pour la scĂšne
Dessins-brûlures et spoken word : des arts de la reliance face à la crise écologique
Nous proposons de mettre en rĂ©sonnance sensible les arts plastiques et les arts de la scĂšne en rĂ©flĂ©chissant Ă la maniĂšre dont le geste artistique et sa rĂ©ception sont travaillĂ©s par la crise climatique. A travers son travail sur les mĂ©gafeux en AmĂ©rique et en Europe (textes et sĂ©rie de dessins Ă lâencre sur papier parfois brĂ»lĂ©, 2018-2022), Elsa Ayache dĂ©fend ainsi lâidĂ©e quâentre lâĂ©vĂ©nement destructeur et sa reprĂ©sentation se trouve un Ă©cart investi par lâart permettant de sâextraire dâune temporalitĂ© de lâurgence. Se rĂ©fĂ©rant Ă une iconographie qui documente les incendies et les interactions entre nature et humanitĂ© dans le cĆur de la catastrophe, la sĂ©rie des âFeux californiensâ se pose comme Ćuvre-question ouverte sur ce que lâon fait, concrĂštement, de ce que lâon voit et de ce Ă quoi lâon assiste. Refusant une spectacularisation des Ă©vĂ©nements, ses peintures, dessins et textes s'appliquent Ă en dĂ©plier, dans lâintime des gestes, une proximitĂ© sensible, signifiante et essentielle. Du cĂŽtĂ© des arts de la performance, Solange Ayache sâintĂ©resse au spoken word et au verbe engagĂ© de Kae Tempest. Avec Let Them Eat Chaos (2016), Ćuvre-concept au croisement du poĂšme Ă©pique pour la scĂšne et de lâalbum de hip-hop, lâartiste britannique n'aborde pas uniquement la crise environnementale, mais offre un tableau sans concession de la crise globale dans laquelle nous sommes plongĂ©s. En pointant nos rapports Ă la Terre, Ă lâAutre et Ă nous-mĂȘmes, son Ă©criture et sa voix mettent en mots et en Ă©motion sensible une mise Ă mal de notre nature et de notre humanitĂ© face Ă lâindividualisme capitaliste de nos sociĂ©tĂ©s nĂ©o-libĂ©rales. A travers le rĂ©cit du quotidien de sept personnages vivant dans la mĂȘme rue du sud de Londres, la souffrance et lâeffondrement intimes de notre ĂȘtre-au-monde et de nos relations sont « croquĂ©s » dans une alternance entre focalisation interne et focalisation externe. Il sâagit de montrer que lâalliance du storytelling et du commentaire Ă©claire, plus quâune correspondance, lâinterdĂ©pendance entre la crise du sujet et la crise du monde. La conscience de cet ĂȘtre-ensemble trouve ainsi les moyens dâadvenir et de se partager dans le temps de la performance et du concert, mais aussi dans les espaces alternatifs et poreux de la lecture Ă voix haute et de lâĂ©coute solitaire. Du papier Ă la scĂšne, du tracĂ© au parlĂ©, ces oeuvres crĂ©ent des espaces-temps oĂč le petit et le grand se donnent en miroir au sein dâun seul et mĂȘme Ă©cosystĂšme, en faisant rĂ©sonner lâindividuel et le collectif, lâintemporel et le situĂ©, le domestique et le politique. Elles jouent sur des temporalitĂ©s multiples qui permettent dâexplorer des vulnĂ©rabilitĂ©s intimes en travaillant avec un mal-ĂȘtre plus vaste, dont la catastrophe Ă©cologique est un symptĂŽme plus encore quâune cause, et rendent possibles une reliance collective.Pour aborder ces questions, l'intervention Ă deux voix proposĂ©e ici fait dialoguer une parole Ă©copoĂ©tique et une parole Ă©cocritique qui interroge la mĂ©thodologie de la recherche-crĂ©ation dans le champ des humanitĂ©s environnementales et des care studies. Cette approche âsympoĂŻĂ©tiqueâ (D. Haraway) nous permet ainsi de mettre en Ćuvre et Ă l'Ă©preuve le concept-mĂȘme de reliance au sein de la recherche en art et littĂ©rature
VulnĂ©rabilitĂ©s (au cĆur) de la forĂȘt : pour une empathie arborescente dans les arts plastiques et de la scĂšne
Ă partir de questions transversales liĂ©es Ă la reprĂ©sentation de la crise Ă©cologique et de l'espace de la forĂȘt dans les arts de la scĂšne et les arts plastiques, nous interrogerons la place, les formes et les effets de l'empathie dans lâart lorsque celui-ci prend pour objet la destruction des poumons de la planĂšte. Au-delĂ des oppositions binaires (distance vs frontalitĂ©, neutralitĂ© vs manipulation, etc.), nous interrogeons, dans le contexte du rĂ©chauffement climatique, la crĂ©ation d'Ă©carts critiques en regard des effets de proximitĂ© affective qu'implique l'empathie, et proposons de rĂ©flĂ©chir aux modalitĂ©s d'une empathie en arborescence en proposant une intervention-performance au croisement de la recherche et de la crĂ©ation. En tant quâartiste, Elsa Ayache prĂ©sente son travail sur les mĂ©gafeux en AmĂ©rique, Australie et Europe (textes et sĂ©rie de dessins Ă lâencre sur papier parfois brĂ»lĂ©, 2018-2021). Ces crĂ©ations offrent le matĂ©riau dâune rĂ©flexion et d'une expĂ©rience sensibles, au fondement dâun questionnement sur le fragile et le vulnĂ©rable, envisagĂ©s comme Ă©lĂ©ments fondamentaux de la relation empathique Ă lâAutre. Dans un mouvement allant du spectaculaire Ă lâintime, et du collectif Ă lâindividuel, son travail ouvre un espace dâautorisation qui invite le spectateur Ă se reconnaĂźtre en lâAutre dans un environnement commun, vital et menacĂ© - la forĂȘt - tout en cheminant vers sa propre singularitĂ© et libertĂ© de ressentir. Du cĂŽtĂ© du thĂ©Ăątre, Solange Ayache fait dialoguer ce travail exploratoire avec une crĂ©ation rĂ©cente de la scĂšne contemporaine en Angleterre. Dans The Encounter (2015), Simon McBurney et son ThĂ©Ăątre de ComplicitĂ© mettent en scĂšne lâhistoire vraie de la rencontre entre un reporter du National Geographic et la tribu des Mayorunas au cĆur de la forĂȘt amazonienne. La piĂšce sollicite lâempathie des spectateurs pour faire communautĂ© autour de la convergence des crises (humaine, morale, environnementale, Ă©conomique). Le travail sur les voix et les images (recours Ă la vidĂ©o et Ă la technologie binaurale) permet de rĂ©flĂ©chir Ă la maniĂšre dont une empathie collective est mobilisĂ©e pour nous inviter Ă ressentir, dans lâici et maintenant de la reprĂ©sentation, et Ă (rĂ©)agir, dans lâaprĂšs-coup du spectacle, Ă l'invisibilisation de la catastrophe dans les mĂ©dias. Dans un dialogue entre arts plastiques et Ă©tudes thĂ©Ăątrales, cette intervention Ă deux voix hybride, « sympoĂŻĂ©tique », pose Ă©galement la question de la place, des formes et des effets de lâempathie comme levier dâune mĂ©thodologie de recherche et de crĂ©ation dans le champ des humanitĂ©s environnementales et des care studies
Effondrements Ă©cologiques et humains dans les arts plastiques et les arts de la scĂšneâŻ: de lâempathie sĂ©lective Ă l'empathie arborescente
International audienceLâinstrumentalisation des mots et des images par les plateformes dâinformation permettent aux mĂ©dias de jouer sur la « corde sensible » de leurs publics (rhĂ©torique du choc et sensationnalisme). Ces procĂ©dĂ©s posent la question des modalitĂ©s journalistiques du voir et du recours au montage (zapping, censure, coupes, diffusion en boucle, direct/live, diffĂ©rĂ©, copier-coller et anachronismes des images...) pour susciter lâĂ©motion Ă des fins essentiellement idĂ©ologiques, Ă©conomiques et politiques. Face Ă ces manipulations mĂ©diatiques, nous proposons dâaborder le phĂ©nomĂšne de lâempathie sĂ©lective de maniĂšre plus large en lâinterrogeant dans le champ de la crĂ©ation au sein des arts plastiques et des arts de la scĂšne. Ă partir de questions transversales liĂ©es Ă la reprĂ©sentation de la crise Ă©cologique, nous interrogerons la place, les formes et les effets du processus empathique dans lâart lorsque celui-ci prend pour objet des Ă©vĂ©nements rĂ©cents, plus ou moins mĂ©diatisĂ©s ou passĂ©s sous silence. Ainsi, lâart peut-il faire contrepoids au silence mĂ©diatique ? Offre-t-il un contrepouvoir, et si oui, Ă quelles conditions ? Ă quels types de gestes artistiques l'Ă©motion empathique peut-elle conduire ? Fait-elle de lâĆuvre un acte engagĂ© ? Par ailleurs, du cĂŽtĂ© de la rĂ©ception, en quoi lâart, lorsquâil sollicite notre empathie, propose-t-il une autre forme de mise en relation au monde et nous invite-t-il Ă agir ? Que peut-on en attendre ? Ces questions nous permettront de nous interroger, au-delĂ des oppositions binaires (distance vs frontalitĂ©, neutralitĂ© vs manipulation, etc.), sur la crĂ©ation d'Ă©carts critiques en regard des effets de proximitĂ© affective qu'implique l'empathie, et de proposer lâidĂ©e dâune empathie non plus sĂ©lective, mais en arborescence. Dans cette optique, en tant quâartiste, Elsa Ayache prĂ©sentera son travail sur les mĂ©gafeux en AmĂ©rique, Australie et Europe (textes et sĂ©rie de dessins Ă lâencre sur papier parfois brĂ»lĂ©, 2018-2021). Ces crĂ©ations offriront le matĂ©riau dâune rĂ©flexion sensible au fondement dâun questionnement sur le fragile et le vulnĂ©rable, envisagĂ©s comme Ă©lĂ©ments fondamentaux de la relation empathique Ă lâAutre. Dans un mouvement allant du spectaculaire Ă lâintime, et du collectif Ă lâindividuel, son travail ouvre un espace dâautorisation qui invite le spectateur Ă se reconnaĂźtre en lâAutre dans un environnement commun, vital et menacĂ© - la forĂȘt - tout en cheminant vers sa propre singularitĂ© et libertĂ© de ressentir. Du cĂŽtĂ© du thĂ©Ăątre, Solange Ayache fera dialoguer ce travail exploratoire avec des crĂ©ations de la scĂšne contemporaine en France et en Angleterre. Deux piĂšces en particulier seront abordĂ©es, qui sollicitent lâempathie des spectateurs pour faire communautĂ© autour dâĂ©vĂ©nements liĂ©s aux crises humaine et environnementale. Dans The Encounter (2015), Simon McBurney et son ThĂ©Ăątre de ComplicitĂ© mettent en scĂšne lâhistoire vraie de la rencontre entre un reporter du National Geographic et la tribu des Mayorunas au cĆur de la forĂȘt amazonienne. Dans Mon Corps Câest le Monde (2020), Gildas Milin aborde la question du terrorisme Ă©cologique autour dâun groupe de jeunes activistes atteints de maladies environnementales, qui font le rapprochement entre la destruction de leurs corps et la destruction du monde. Ici, le travail sur les voix et les images (recours Ă la vidĂ©o et Ă la technologie binaurale) permettra de rĂ©flĂ©chir Ă la maniĂšre dont une empathie collective est mobilisĂ©e pour nous inviter Ă ressentir (dans lâici et maintenant de la reprĂ©sentation) et Ă (rĂ©)agir (dans lâaprĂšs-coup du spectacle) contre la rĂ©duction au silence des minoritĂ©s dans les mĂ©dias (populations aborigĂšnes, handicap invisible...). Dans la continuitĂ© dâune dynamique de travail qui sâest naturellement Ă©tablie Ă partir dâune sensibilitĂ© commune et dans le dialogue entre nos disciplines respectives (arts plastiques et Ă©tudes thĂ©Ăątrales), nous dĂ©velopperons une intervention hybride, « sympoĂŻĂ©tique » . Celle-ci prendra la forme dâun Ă©change performĂ©. Ainsi, cette proposition artistique Ă deux voix posera Ă©galement la question de la place, des formes et des effets de lâempathie comme levier dâune mĂ©thodologie de recherche et de crĂ©ation dans le champ des humanitĂ©s environnementales et des care studies. Elle abordera la question de lâempathie sĂ©lective et du silence mĂ©diatique en croisant rĂ©flexion (Ă©cocritique) et crĂ©ation (Ă©copoĂ©tique), contribuant ainsi Ă penser de nouvelles façons de crĂ©er au sein de la recherche en art et littĂ©rature
Traversées en eaux troubles : porosité des frontiÚres, dérives de la langue et croisement des genres dans The Three Birds de Joanna Laurens
The Three Birds, Joanna Laurensâ debut play, is a retelling of the Greek myth of Philomela which departs, in some respects, from the ancient story as it is related in Ovidâs Metamorphoses. A dramatic starting point of the play as well as of the fable however is the crossing of the Aegean sea, which remains a central dynamic as the characters come and go between Athens, the civilized polis, and Thrace, the barbarian country, passing by Aulis in Boeotia. Although it marks at first the alliance between the two formerly rival kings, Tereus and Pandion, it then reveals and accompanies the literal and figurative uprooting of all the characters, each of them becoming marginalized and being thrown into some form of exile. The protagonists and the objects of the play thus navigate from one place to another, and, from one journey to the other, identities become blurred and perspectives intersect. A line is crossed when Tereus rapes his sister-in-law and cuts her tongue to keep her from telling the truth, but Laurenâs original twist is to make Tereus deep in love with Philomela and driven by his passion, not a Thracian acting under the influence of his barbarian origins. This is where violence starts permeating the play, causing barbarism to cross over all the boundaries, passing through and impacting on each character regardless of their race, sex and age. Echoes and mirror effects show how it pervades the acts and language of each protagonist until the categories of the inhuman and the subhuman meet into the final transformation into birds, breaking down the last boundary which distinguishes between human barbarity, the most extreme form of exile, and literal bestiality, the ultimate deterritorialization. This article looks at how the collapse of certain principles triggers a contagious becoming-barbarian which evolves into a âbecoming-animalâ (Deleuze). Following the quote from Heraclitus âPanta rheiâ (âEverything flowsâ) used by Laurens as epigraph to her play, I propose to see how barbarism goes from one character to another, making ethical postures interchangeable. From transfers to transformations, from alterations to alienation, we will see how the permeability and even vanishing of boundaries is expressed through the poetry of the dramatic language coined by Laurens, resulting in a crossing of genres
Révolution quantique sur la scÚne britannique : quelle place pour le réalisme dans le théùtre des possibles ?
In his book Rewriting the Nation : British Theatre Today (2011), Aleks Sierz underlines the enthusiasm of the British stage of the 2000s for the creation of alternate realities and the exploration of imaginary worlds during the âquantum decadeâ of the 2000s. The quantum revolution indeed provides counter-intuitive descriptions of the world which contradict our everyday perceptions and our relation to reality as we experience it. This article aims to examine how British theatre uses quantum concepts and theories to address metaphorically the limits of human knowledge and objective reality, and the necessary recourse to the imagination in interpersonal relationships. From Michael Fraynâs Copenhagen (1998) to Nick Payneâs Constellations (2012) and Simon Stephensâs Heisenberg (2015), it aims to show how the paradigm shift induced by this scientific revolution which upsets our classical conception of the laws of nature invites us to question and redefine the notion of theatrical realism within the framework of a âtheatre of possibilitiesâ, which takes us beyond the limits of the physical world to the edge of human consciousness, in the impenetrable worlds of the psyche
« Il suffirait de voir qui je suis, ce que je suis : Corps et Voix » : le problĂšme de lâincarnation anorexique dans Si tu me regardes, jâexiste (2009) de Francesca Volchitza Cabrini
« Il suffirait de voir qui je suis, ce que je suis : Corps et Voix » est lâultime rĂ©plique de Si tu me regardes, jâexiste, la premiĂšre piĂšce de lâauteure et metteuse en scĂšne italienne Francesca Volchitza Cabrini. FormulĂ© par Claire, le personnage principal, cet Ă©noncĂ© ouvre lâhorizon dâune rĂ©conciliation entre le corps et la voix de celle qui, Ă la fin de la piĂšce, sâavance pour la premiĂšre fois au miroir dâelle-mĂȘme. Mais câest dâabord le problĂšme de leur articulation quâil rĂ©vĂšle, problĂšme..
Le thĂ©Ăątre « in-yer-head » : Ă©critures de lâespace mental sur la scĂšne britannique contemporaine. Vers une psychopoĂ©tique quantique du drame
Cette Ă©tude sâintĂ©resse Ă lâespace mental comme nouveau terrain dâexploration du drame britannique contemporain, et examine les manifestations dâun mouvement qui « met en piĂšces » les rĂ©gions inexplorĂ©es des pensĂ©es inconscientes et les contrĂ©es impĂ©nĂ©trables du traumatisme. Puisant dans les dĂ©couvertes de la psychanalyse et des sciences cognitives, inspirĂ© par le changement de paradigme de la mĂ©canique quantique et ses interrogations sur le rĂŽle et la nature de la conscience, ce thĂ©Ăątre non plus tant « in-yer-face » que « in-yer-head » sâĂ©loigne de la sensibilitĂ© des annĂ©es 1990. Les piĂšces de Crimp, Kane, Churchill, Cooper, Frayn, Stephens, Payne, Haddon, Ravenhill, Neilson et dâautres dĂ©construisent et reconstruisent le personnage comme la somme virtuelle de tous ses possibles. Le mode dâexistence spĂ©culatif, diffractĂ© et pluriel du sujet renouvelle les dĂ©finitions du rĂ©alisme psychologique et du rĂ©alisme thĂ©Ăątral. Ce travail Ă©tudie les modalitĂ©s de cette « psychopoĂ©tique quantique » autour de concepts clĂ©s comme la probabilitĂ© ou lâincertitude, et montre comment des mĂ©taphores issues de la thĂ©orie quantique comme la dualitĂ© onde-particule ou les mondes multiples servent Ă illustrer lâindĂ©termination de la psychĂ© en Ă©voquant les mĂ©canismes de dĂ©fense et autres symptĂŽmes qui constituent la rĂ©alitĂ© subjective dâesprits affectĂ©s par le traumatisme, la psychose, le stress ou la maladie neurologique. Nous montrons quâen explorant la nature de la conscience, du soi et de la rĂ©alitĂ© ainsi que la condition des femmes, ces piĂšces posent des questions philosophiques sur le libre arbitre et la possibilitĂ© de choix dans un monde devenu plus incertain et imprĂ©visible que jamais.This study asserts that the human mind has become the new frontier in contemporary British drama, and interrogates and assesses manifestations of this movement which stages uncharted regions of thought and the dark territories of traumatic mindscapes. Drawing on theories from psychoanalysis and cognitive science, and inspired by the paradigm shifts of quantum mechanics and its interrogations on the role and nature of consciousness, this new theatre moves from âin-yer-faceâ to âin-yer-headâ and away from the sensibility of the ânasty nineties.â Plays by Crimp, Kane, Churchill, Cooper, Frayn, Stephens, Payne, Haddon and others deconstruct and reconstruct the character as thevirtual sum of all her possibilities. In these mental spaces, the subjectâs speculative, diffracted and plural mode of existence redefines psychological realism and stage realism. Examining the modalities of a quantum âpsychopoeticsâ around key concepts such as probability and uncertainty, I show how metaphors borrowed from quantum theory based on the double slit-experiment, the wave-particle duality, the wavefunction collapse, the observer effect, quantum decoherence, quantum entanglement, and the many-worlds interpretation are used to emphasise the intrinsic indeterminacy of our minds. They evoke a number of psychological defense mechanisms and other symptoms that constitute the subjective reality of disturbed minds affected by trauma, psychosis, stress or neurological disease. By exploring the nature of mind, the self, and reality, and the condition of women, these plays address philosophical questions about free will and choice in a world that has become more uncertain and unpredictable than ever
Lâautre scĂšne dans The Three Birds de Joanna Laurens (2000) : enjeux dramatiques de la rĂ©Ă©criture dâun mythe
La premiĂšre piĂšce de Joanna Laurens, The Three Birds, (2000) propose une rĂ©vision dramatique du mythe grec de PhilomĂšle qui sâinscrit en contrepoint de la fable telle quâelle est relatĂ©e dans les MĂ©tamorphoses dâOvide. Le rapport Ă la langue et Ă la figure du barbare, paradigme de lâAutre, engage une rĂ©flexion sur la question des minoritĂ©s, la voix de lâĂ©tranger et lâidĂ©e dâune rĂ©versibilitĂ© des postures. Barbarismes, irrĂ©gularitĂ©s syntaxiques, « babĂ©lisation » font ici violence au langage ainsi quâaux diffĂ©rentes langues parlĂ©es dans la piĂšce qui sâaltĂšrent et se barbarisent Ă lâimage des personnages, incarnant ainsi dans la chair du verbe la mutilation de la langue qui fait la matiĂšre cruelle du mythe. Au cĆur de la piĂšce, elle-mĂȘme rĂ©Ă©criture dâune autre piĂšce â celle, perdue, du TĂ©rĂ©e de Sophocle â on retrouve en effet lâĂ©criture dâune autre scĂšne â celle, tabou, du viol et de lâamputation de la langue de PhilomĂšle â qui, Ă dĂ©faut de pouvoir se dire, vient sâĂ©crire sur la tapisserie que brode la jeune fille Ă lâattention de sa sĆur pour rĂ©vĂ©ler le crime Ă©touffĂ© par les mensonges en cascades de TĂ©rĂ©e en mĂȘme temps quâelle se reflĂšte dans la trituration du langage. Cet article sâintĂ©ressera donc aux enjeux de la rĂ©Ă©criture en tant que mise en place dâune alternative fondamentale Ă partir dâune perspective neuve â celle du barbare amoureux, ou plutĂŽt de la barbarie de lâamour impossible â qui se reflĂšte dans le motif intradiĂ©gĂ©tique de lâactivitĂ© de tissage en tant quâĂ©criture de « lâAutre » (rĂ©Ă©criture par lâAutre, la femme, de lâautre scĂšne ou de lâautre piĂšce, qui ne peut ĂȘtre dite). Avec la duplicitĂ© intrinsĂšque du langage et lâexploration de son potentiel de transformation, nous verrons dĂšs lors comment lâaltĂ©ritĂ© se donne plutĂŽt Ă voir comme altĂ©ration, voire aliĂ©nation, jusquâau creux de la langue oĂč elle prend naissance pour la faire dĂ©lirer (Deleuze). Le langage de la piĂšce reflĂšte ainsi la façon dont lâhumain vient faire trace dans la langue du barbare et montre comment, par-delĂ lâhumanisation du Thrace, la barbarie vient Ă son tour rĂ©investir lâhumain et marquer de son empreinte lâacte et le langage dâamour devenus viols. En dĂ©roulant Ă lâextrĂȘme le fil tĂ©nu qui sĂ©pare humanitĂ© et barbarie, les expĂ©rimentations poĂ©tiques de Laurens, oĂč le langage et « lâautre » du langage se rencontrent dans leurs contradictions-mĂȘmes, permettent ainsi de renouveler le sens du mythe grec autant que le langage dramatique sur la scĂšne thĂ©Ăątrale Ă lâaube du vingt-et-uniĂšme siĂšcle.Joanna Laurensâ first play The Three Birds (2000) is a retelling of the Greek myth of Philomela in which language undergoes a poetic treatment unprecedented on the contemporary British stage. Mirroring and enacting the charactersâ evolution from innocence to barbarism, language is distorted and altered to an extreme through a creative process involving word coinage (i.e. barbarisms), syntactic irregularities, and âbabelisation,â thus bringing out and performing the violence of the myth. Departing from Ovidâs poem which is itself a reworking of the original fable, as well as from the feminist takes on the story during the second half of the twentieth century, Laurensâ dramatic writing offers a new approach to the language and figure of the Barbarian, a traditional paradigm of the Other. She addresses such issues as the oppression of minorities, the voice of the stranger, and the reversibility of ethical positions by providing a reflection on the intrinsic duplicity of language itself and by exploring its potential for âmetamorphosisâ and manipulation, thus presenting otherness as alienation. At the core of the play, which is a rewriting of another (lost) tragedy â that of Sophoclesâ Tereus â, are Tereusâ lies, which are a rewriting of another (taboo) story â that of Philomelaâs rape and amputated tongue. Although it canât be verbally expressed by the young woman, this traumatic episode is nonetheless revealed through a tapestry she weaves for her sister ProcnĂ© to denounce the crime of the lying husband, the needlework compensating her lost voice. This article thus looks at the issues at stake in Laurensâ rewriting, which can be read as the Other of the Greek myth and its famous feminist interpretations. Not only does her play propose an alternative which stems from an unusual, profoundly humane perspective â the suffering of a man whose love is thwarted â but this reversal is also mirrored in the intradiegetic motif of the tapestry as a writing of the Other (the scene behind the scenes, unheard of) by the Other (the abused, silenced woman). I propose to study how the Other comes to be inscribed at the core of language where it takes shape, rendering it delirious (Deleuze), as humanity can be traced in the Barbarian and barbarism can in turn affect humanity beyond the figure of the Thracian. As the act and language of love are turned into linguistic abuse and physical rape, Laurensâ formal experimentations, where language and the Other of language meet at the crossroad of their own contradictions, allow for a renewal in the meaning of the Greek myth as well as in the dramatic language on the British stage at the start of the twenty-first century
De la mise au silence à la prise de parole : la voix féminine de Martin Crimp à Sarah Kane
Le travail sur la voix dans le thĂ©Ăątre de Martin Crimp (Attempts on Her Life, 1997 ; Fewer Emergencies, 2005) et celui de Sarah Kane (Crave, 1998 ; 4.48 Psychosis, 2000) sâinscrit dans le cadre dâune Ă©criture expĂ©rimentale, post-beckettienne, Ă la recherche de nouvelles contraintes formelles pour le texte et la scĂšne. Si lâespace dramatique, dans un mouvement convergent chez Crimp et Kane, est de moins en moins un espace physique mais devient, selon lâexpression de Crimp, « un espace mental », lâespace scĂ©nique se transforme parallĂšlement en un espace essentiellement vocal oĂč le sujet se donne Ă entendre, ou se donne Ă dire, comme une ombre ou un vestige de lui-mĂȘme. Le prĂ©sent article propose de considĂ©rer ensemble lâimportance de la voix dans les textes des deux auteurs en sâintĂ©ressant Ă lâespace intervocal, transdramatique, qui sâest tissĂ© entre les piĂšces de Crimp et celles de Kane autour dâune voix de femme Ă la fois centrale et spectrale. Polyonyme dans Attempts on Her Life, anonyme dans 4.48 Psychosis, « Anne » est dâabord Ă©clipsĂ©e dans un silence post-traumatique chez Crimp avant dâĂȘtre restituĂ©e sur le devant de la scĂšne sacrificielle chez Kane dans une prise de parole absolue ; sa voix, Ă la fois pleine, riche et percĂ©e de silences, devient le thĂ©Ăątre mĂȘme du drame : elle se donne comme performance et Ă©vĂ©nement dramatique ultime. Dans ces piĂšces ainsi que dans Crave de Kane et Fewer Emergencies de Crimp, la voix fonde ainsi ce que lâon pourrait appeler une « psychopoĂ©tique » de la scĂšne.Dramatic experiments with the voice in the theatres of Martin Crimp (Attempts on Her Life, 1997; Fewer Emergencies, 2005) and Sarah Kane (Crave, 1998; 4.48 Psychosis, 2000) fall within the scope of a post-Beckettian quest for new formal constraints for the text and the stage. While the dramatic space, for both Crimp and Kane, is no longer a physical space but has become, to use Crimpâs words, âa mental spaceâ, it appears that the scenic space has transformed into a sheer vocal space. This article looks at the importance of the voice in Crimpâs and Kaneâs texts, focusing on the intervocal and transdramatic space created between their plays around the voice of a woman both central and spectral. No longer a conventional character, the female subject, whose voice is either heard as a broken embodied token of a disturbed mind, or is silenced and replaced by the alienating narratives of others, is but a mere shadow, vestige or vocal image of herself. Polyonymous in Attempts on Her Life, anonymous in 4.48 Psychosis, âAnneâ, as I will argue, is eclipsed in a post-traumatic silence in Crimpâs play, then restored on the front of a sacrificial stage in Kaneâs, regaining her own power of speech in a poetic language made of echoes. Her voice, fully expanding in the space although pierced with blanks and holes, is the ultimate dramatic event. In these two plays as well as in Kaneâs Crave and Crimpâs Fewer Emergencies, the voice thus appears at the core of what could be called a âpsychopoeticsâ of the stage