Reseña de: K. Meira Goldberg, Ninotchka Devorah Bennahum y Michelle Heffner Hayes

(eds.) Flamenco on the Global Stage: Historical, Critical and Theoretical Perspectives. Jefferson : McFarland (2015

Viñuela Suárez, Eduardo

Spanish

Repositorio Institucional de la Universidad de Oviedo

  
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TRANS 21-22 (2018)  
RESEÑAS / REVIEWS 
 
K. Meira Goldberg, Ninotchka Devorah Bennahum y Michelle Heffner Hayes 
(eds.): Flamenco on the Global Stage: Historical, Critical and Theoretical 
Perspectives. Jefferson: McFarland, 2015, 335 pp. ISBN: 978-0786494705. 
Contiene fotografías, glosario de términos e índice onomástico. 
Reseña de Eduardo Viñuela (Universidad de Oviedo) 
 
 
Es imposible abordar todo el baile flamenco en un libro, parece una cuestión evidente; sin 
embargo, esta obra demuestra que es factible elaborar un volumen que recoja diferentes 
aproximaciones a este mundo y que sirva de punto de partida para establecer diálogos y líneas de 
investigación que avancen en su investigación. Flamenco on the Global Stage: Historial, Critical and 
Theoretical Perspectives ofrece una visión multidisciplinar, históricamente rigurosa y con un marco 
teórico amplio, tomando como ejes el papel del cuerpo y del baile en el flamenco. Este libro 
aglutina investigaciones de autores españoles y anglosajones, contribuyendo a establecer lazos 
entre dos ámbitos distanciados por el idioma y por las diferentes dinámicas académicas, pero que, 
a su vez, trasciende el ámbito académico para incorporar diversas narrativas y experiencias con el 
flamenco ofrecidas también por músicos y bailadores, generando lo que las editoras definen como 
“tensiones productivas” (p. 19) que ayudan a entender mejor el flamenco. Con estas premisas, 
podemos enmarcar este libro dentro de una lógica editorial de colecciones como “The Oxford 
Handbook of” o “The Ashgate Research Companion to” (ambas con varios volúmenes dedicados a 
diferentes aspectos de la música); una línea de publicaciones que ha tenido un importante 
desarrollo en el ámbito académico durante los últimos años y que busca ofrecer al mismo tiempo 
un estado de la cuestión y una visión amplia y variada de un tema particular, de manera que 
resulte interesante a un amplio espectro de la comunidad académica. 
A la hora de situar este libro dentro de los estudios sobre flamenco, son las propias editoras 
quienes se preguntan en la introducción acerca de las razones que han llevado excluir o, al menos, 
dejar en un segundo plano el lenguaje del cuerpo en la historia del flamenco, y lo hacen incidiendo 
en la escasez de trabajos publicados en comparación con el estudio de la música o de la 
instrumentación, especialmente fuera de España (p. 2). Un rápido recorrido por las referencias al 
baile en diferentes fuentes y periodos (desde la literatura del Siglo de Oro hasta la actualidad) sirve 
para justificar la relevancia de esta obra, que propone una mirada crítica a parámetros identitarios 
 2  TRANS 21-22 (2018) ISSN: 1697-0101  
 
como género, etnia, raza o nación para examinar cómo el baile ha contribuido a afianzar o 
subvertir tópicos y mitos en torno a lo español, el vínculo ancestral con el pueblo gitano, los roles 
masculinos y femeninos normalizados o la pureza y autenticidad ligadas al flamenco. 
La naturaleza de este libro y la cantidad de artículos que lo componen (24 en total) hacen difícil 
elaborar una reseña que desgrane cada aportación. Las editoras han optado por organizar este 
material en tres amplios bloques que, a pesar de mantener cierta lógica cronológica y temática, 
podrían haber dado lugar a un mayor número de secciones más reducidas. Sin embargo, la lógica 
de esta organización refuerza el objetivo, explicitado en el título del libro, de abordar la 
performance del flamenco y hacerlo como un espectáculo global, no circunscrito a un ámbito 
geográfico concreto. En este sentido, la obra comienza con un bloque que pone el acento en el 
carácter internacional del flamenco desde su configuración como repertorio. Tras un necesario y 
sucinto recorrido histórico e historiográfico por algunas de las principales etapas del baile 
flamenco a cargo de Marta Carrasco, Kathy Milazzo centra nuestra atención en las Pullae gaditanae 
romanas y su papel en la configuración del imaginario de las bailadoras flamencas como mujeres 
inmorales por parte de los jesuitas (s. XVII) y, más tarde, como figuras sensuales y exóticas dentro 
del influjo romántico, en un discurso que vincula con la “invención de la tradición” de Hobsbawm 
(1983). Apelando a las “comunidades imaginadas” de Anderson (1983), Miriam Phillips ofrece una 
interesante visión de la hibridación del flamenco con el kathak indio (“kathamenco”) como un 
fenómeno nostálgico basado en similitudes estilísticas, pero también en el mitológico origen indio 
del flamenco acompañando a la diáspora del pueblo gitano.  
La influencia de las danzas europeas en las coreografías flamencas guía las aportaciones de 
Ana Yepes, que profundiza en el baile de jácaras y zarabandas del siglo XVII español y la estructura 
de hemiola que compartían con otras danzas del barroco francés para considerarlas como parte 
del flamenco primitivo (p. 64). Asimismo, Rocío Plaza examina el peso de repertorio de seguidillas, 
boleros y, especialmente, fandangos en el siglo XVIII y XIX español dentro del contexto de una 
renovación de la danza en el ámbito europeo marcada por la puesta en escena en los teatros y la 
influencia del ballet francés (p. 73). El romanticismo potencia la presencia de los bailes nacionales 
en los teatros europeos, especialmente en París y Londres, como elemento exótico y de otredad; 
Claudia Jeschke y Robert Atwood defienden la existencia de una “hispanomanía” en los escritos 
sobre danza y en las coreografías europeas del s. XIX. 
La presencia del flamenco en América es prácticamente coetánea a su configuración como 
repertorio. Anthony Shay se centra en la escena de baile en California durante la primera mitad del 
XIX, cuando aún era territorio español, primero, y mexicano, después. Aborda el baile como un 
importante elemento de interacción social en una tierra con una demografía multicultural en la 
que se estaban negociando aún las estructuras políticas (p. 92). Kiko Mora explica la 
internacionalización del flamenco a través del bailable, un espectáculo que combina elementos de 
la escuela bolera y el flamenco mediados por el gitanismo y el pintoresquismo románticos, y 
relaciona la migración de andaluces a Madrid a mediados de siglo con la proyección de este 
espectáculo a otras ciudades de Europa y América. 
La figura de Carmen cierra este primer bloque, como icono internacional del mito 
flamenco. Gerhard Steingress hace un recorrido por la popularización del personaje a través de 
diversas formas artísticas desde el s. XIX y valora tanto su papel en la proyección internacional de 
lo español en el romanticismo, como su valor de signo de la unidad cultural de España (p. 119). 
Una idea que, más adelante, refuerza William Washabaugh en su análisis de la película 
Blancanieves (Pablo Berger, 2012) como reescritura de Carmen, defendiendo la vigencia de esta 
figura como icono de la unidad nacional en el s. XX (p. 272). 
El segundo bloque comienza con un interesante artículo de K. Meira Goldberg en el que 
Flamenco on the Global Stage       3 
 
 
explora la influencia del jazz en el flamenco a principios del s. XX a través de la asimilación de 
pasos del cakewalk. La autora analiza esta relación tanto en aspectos formales de coreografías de 
tango, farruca y garrotín, como discursivos, esgrimiendo la “negritud” de los gitanos como otredad 
africana desde los postulados del orientalismo de Said (p. 136), pero al mismo tiempo interpreta 
esta fusión del flamenco con el jazz como una forma de construir la modernidad de España a 
principios del s. XX. Este fue un siglo de normalización del flamenco, a través de la codificación de 
su baile como repertorio independiente de otras danzas populares españolas, como señala Clara 
Chinoy, reivindicando la labor de las academias abiertas en el Madrid de los años veinte y treinta 
por Francisco León “Frasquillo” y “La Quica”. El éxito internacional del flamenco da lugar a debates 
acerca de su pureza y su mercantilización; Joan Acocella recoge estas tensiones examinando la 
recepción en Europa de El sombrero de tres picos de Falla, mientras John C. Moore hace lo propio 
recorriendo las carreras de Pericón de Cádiz y El Chato de la Isla, quienes conjugaron con habilidad 
su éxito entre los turistas y su autenticidad como naturales de Cádiz (p. 166). En la misma línea, 
Montse Madridejos analiza el impacto del regreso a España de Carmen Amaya en 1947 tras haber 
triunfado en América con su espectáculo flamenco, al igual que hicieran unos años antes en EEUU 
La Argentina, con su “ballet español”, y La Argentinita. Ninotchka Devorah Bennahum interpreta el 
espectáculo de estas dos artistas en el periodo de entreguerras como una expresión del 
modernismo europeo (p. 197), que ellas mismas encarnaban además con su forma de vida. Estas 
tensiones entre la pureza y la espectacularización del flamenco subyacen en la reflexión que Brook 
Zern elabora en forma de diálogo entre un purista y un progresista del flamenco. 
Cristina Cruces-Roldán abre el último bloque analizando cómo el baile flamenco se legitima 
a través de discursos normativos de género y de pertenencia a la etnia gitana (p. 210); desgrana las 
connotaciones de las coreografías masculinas y femeninas, al igual que los roles que ambos sexos 
desempeñan en el flamenco, que no difieren de los señalados por Lucy Green para otros 
repertorios en Música, género y educación (1998), así como las pautas del “baile hacia dentro” que 
identifica al baile gitano. Desde la óptica de la historia contributiva, Loren Chuse rescata el papel 
histórico de las tocaoras en los cafés cantantes y profundiza en el revival actual de mujeres 
guitarristas. Por su parte, Ryan Rockmore se centra en el rol del bailaor masculino en el régimen 
franquista como subversión de la identidad masculina normativa (p. 234) y la transformación de su 
imaginario para adecuarla a la ideología de la dictadura. Nancy G. Heller, por su parte, acude al 
cine para explicar la subversión de los discursos normativos en la democracia analizando La flor de 
mi secreto de Pedro Almodóvar. 
Por último, no podían faltar las aproximaciones al contexto actual: desde la incursión del 
flamenco en la World Music que analiza Jorge Pérez a través del chill-out de Chambao y el hip hop 
de Ojos de brujo, a proyectos como Flamenco Empírico, La Niña NINJA, El niño de Elche o José Luis 
Rodríguez y David Font, con su mezcla de flamenco y electrónica (p. 267), estudiados por Niurca 
Márquez. La renovación también llega en este siglo XXI de la mano de nuevas coreografías como 
las que propone Israel Galván, cuya propuesta es analizada en profundidad por Michelle Heffner. 
Este es un breve recorrido por el contenido del libro; una sucinta descripción de temáticas y 
perspectivas en las que no podemos profundizar en una reseña. Observamos, eso sí, un mayor 
peso en el análisis de las primeras etapas del flamenco, con una documentación interesante y 
detallados estudios de caso, en detrimento de periodos más contemporáneos. Así, en el diálogo 
del flamenco con las músicas populares urbanas pasamos del cakewalk al chill-out sin reparar en 
periodos intermedios como el jazz flamenco, el rock andaluz o el denominado “nuevo flamenco” 
que lo acercó a las dinámicas del pop. De la misma forma, encontramos una llamativa ausencia de 
la influencia del contexto mediático actual en el baile flamenco, tan sólo se menciona brevemente 
el impacto de los “talent-shows” televisivos en la popularización del “Kathamenco” o el papel de 
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webs como YouTube (p. 286). Sin embargo, entendemos la dificultad de elaborar un volumen 
coherente que abarque cuestiones muy diversas entre sí. Por otro lado, este tipo de obras caen 
inevitablemente en la repetición de información cuando se leen de principio a fin: debates 
recurrentes, descripciones de contextos, narraciones históricas… aspectos todos ellos que resultan 
necesarios para comprender las aportaciones de cada autor en su capítulo y que, por otra parte, 
ayudan a establecer conexiones entre los diferentes argumentos y miradas que conforman la obra 
en su conjunto. 
No en vano, parece evidente que Flamenco on the Global Stage: Historical, Critical and 
Theoretical Perspectives está llamado a ser un libro de referencia para cualquiera que busque 
aproximarse a la investigación del baile en el flamenco, y supone una pieza más en el estudio del 
flamenco como fenómeno que trasciende lo musical y que se manifiesta en numerosas 
expresiones artísticas y contextos históricos articulando una gran variedad de discursos. La obra se 
complementa con un glosario de términos, especialmente útil para el lector anglosajón, una 
bibliografía, una reseña biográfica de los autores y un índice onomástico que facilita su uso como 
obra de consulta. 
 
 
 
BIBLIOGRAFÍA 
 
Anderson, Benedict. 1983. Imagined communities. Reflections on the Origins and Spread of Nationalism. 
London & New York: Verso. 
Green, Lucy. 1997. Music, Gender, Education. Cambridge: Cambridge University Press. 
Hobsbawm, Eric y Ranger, Terence (ed.). 1983. The Invention of Tradition. Cambridge: Cambridge University 
Press. 
 
Referencias audiovisuales 
 
Blancanieves. 2012. Dir. Pablo Berger DVD, Cameo Media. 
La flor de mi secreto. 1995.  Dir. Pedro Almodóvar. DVD, Cameo Media. 
 
 
 
 
Cita recomendada 
Viñuela, Eduardo. 2018. Reseña de K. Meira Goldberg, Ninotchka Devorah Bennahum y Michelle Heffner Hayes (eds.). Flamenco on the Global 
Stage: Historical, Critical and Theoretical Perspectives. TRANS-Revista Transcultural de Música/Transcultural Music Review 21-22 [Fecha de 
consulta: dd/mm/aa] 
 
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Flamenco on the Global Stage: Historical, Critical and Theoretical Perspectives. Reseña

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Flamenco on the Global Stage: Historical, Critical and Theoretical Perspectives. Reseña

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