Cet ouvrage collectif, coordonné par l’ethnomusicologue Richard K. Wolf, s’inscrit dans la continuité des débats qui eurent lieu à l’Université de Harvard lors du colloque international « Local Theory, Local Practice : Musical Culture in South Asia and Beyond » (28 février-2 mars 2004). Richard Wolf et onze collaborateurs, la plupart de réputation internationale, poursuivent ici leurs investigations sur les manières de théoriser pratiques et expériences musicales en Asie du Sud. Leurs contrib..

Tallotte, William

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 Cahiers d’ethnomusicologie
Anciennement Cahiers de musiques traditionnelles 
24 | 2011
Questions d’éthique
Richard K. WOLF ed. : Theorizing the Local. Music,
Practice, and Experience in South Asia and beyond
New York : Oxford University Press, 2009
William Tallotte
Édition électronique
URL : http://journals.openedition.org/ethnomusicologie/1781
ISSN : 2235-7688
Éditeur
ADEM - Ateliers d’ethnomusicologie
Édition imprimée
Date de publication : 31 décembre 2011
Pagination : 267-270
ISBN : 978-2-88474-256-6
ISSN : 1662-372X
 
Référence électronique
William Tallotte, « Richard K. WOLF ed. : Theorizing the Local. Music, Practice, and Experience in South
Asia and beyond », Cahiers d’ethnomusicologie [En ligne], 24 | 2011, mis en ligne le 21 mars 2012,
consulté le 20 avril 2019. URL : http://journals.openedition.org/ethnomusicologie/1781 
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Richard K. WOLF ed. : Theorizing the
Local. Music, Practice, and
Experience in South Asia and
beyond
New York : Oxford University Press, 2009
William Tallotte
RÉFÉRENCE
Richard K. WOLF ed. : Theorizing the Local. Music, Practice, and Experience in South Asia and
beyond, New York : Oxford University Press, 2009. 329 p., ill. n.b., exemples audio et vidéo1.
1 Cet ouvrage collectif, coordonné par l’ethnomusicologue Richard K. Wolf, s’inscrit dans la
continuité  des  débats  qui  eurent  lieu  à  l’Université  de  Harvard  lors  du  colloque
international « Local Theory, Local Practice : Musical Culture in South Asia and Beyond2 »
(28 février-2 mars 2004). Richard Wolf et onze collaborateurs, la plupart de réputation
internationale,  poursuivent  ici  leurs  investigations  sur  les  manières  de  théoriser
pratiques  et  expériences  musicales  en  Asie  du  Sud.  Leurs  contributions  sont  toutes
centrées sur quelques questions fondamentales.  Pourquoi élabore-t-on localement des
théories ? Pour quelles raisons et dans quelles circonstances un musicien est-il amené à
formuler (ou reformuler) une théorie, un concept, une idée ? Dans quelle mesure l’acte
même de théoriser une pratique musicale relève-t-il de conduites culturelles, sociales ou
économiques ? S’il s’agit pour les auteurs de traiter ces questions en multipliant les points
de  vue,  leur  intention  est  aussi  de  contrecarrer  cette  mouvance  qui,  au  sein  de
l’ethnomusicologie  nord-américaine,  semble  défendre  l’idée  que  seules  les  questions
relevant explicitement de la globalisation méritent encore l’intérêt des chercheurs. Aussi,
Richard Wolf récuse-t-il  d’emblée (pp. 5-10) toute vision simpliste qui opposerait sans
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nuance  une  réflexion  généraliste  sur  la  globalisation  à  un  travail  ethnographique
pointu – forcément  localisé.  Pour  lui,  l’étude  des  musiques  qui  ne  sont  pas
« prioritairement  concernées  par  le  flux  des  capitaux  et  les  politiques  [culturelles]
néolibérales »  (p. 6)  demeure  donc  un  angle  d’approche  pertinent  pour  saisir  leur
fonctionnement  et  l’inscription  de  ce  fonctionnement  au  sein  de  réseaux  de
communication plus vastes.
2 Dans l’introduction (chap. 1), Richard Wolf revient sur la genèse de l’ouvrage et présente
les textes qui le composent en insistant sur l’intérêt des problématiques abordées. Il nous
rappelle notamment qu’étudier une théorie autochtone permet certes de la décoder, en
tant que système représentationnel ou opérationnel, mais aussi de comprendre les enjeux
que cette théorie véhicule,  en deçà et/ou au-delà d’un horizon que chacun tend à se
représenter avec plus ou moins de précision : théoriser, au sens le plus large, peut ainsi
être envisagé,  parmi d’autres possibilités,  comme un moyen efficace de manipuler sa
propre visibilité ou de se positionner – au sein d’une zone géographique donnée – vis-à-
vis d’une entité extérieure : personne, groupe, institution, État, etc. Ce point, avec toute la
finesse qui se doit,  est replacé dans le contexte des études sud-asiatiques et de cette
discussion, amorcée dès la fin des années 1950 à travers les concepts de « Grande » et
« Petite tradition » (voir Singer 1958), sur le niveau de perméabilité des connaissances
d’un groupe social à l’autre. Cette solide introduction (pp. 5-26) précède douze textes qui,
en dépit d’une certaine autonomie, sont regroupés par thèmes.
3 Afin de justifier  la  structure de l’ouvrage,  Richard Wolf  (p. 24)  s’appuie  sur  l’analyse
sémiotique  de  Charles  S.  Pierce  où  un  signe  est  constitué  de  trois  niveaux :  1.  un
représentamen ou signe matériel ; 2. un objet (de pensée) ; 3. un interprétant. À ces trois
niveaux, qui renvoient respectivement aux parties 1, 2 et 3, s’ajoute un quatrième niveau
(partie 4) : un interprétant pouvant être à son tour interprété. Ces niveaux ne forment pas
une succession temporelle où 1 viendrait avant 2 et 2 avant 3 : ils existent simultanément.
Le parallèle est intéressant puisqu’il permet à l’auteur, en soulignant l’interconnexion des
parties,  de suggérer  une lecture à  la  fois  linéaire et  transversale  et  de présenter  un
ensemble  non seulement  cohérent,  mais  de  facture  harmonieuse.  En  ce  sens,  il  faut
également saluer le  soin apporté à  la  conception générale  de l’ouvrage ;  le  lecteur y
trouvera des cartes personnalisées pour chaque article, de nombreuses photographies en
noir et blanc, d’intéressants exemples audio et vidéo, un excellent glossaire-index de 11
pages, un travail exemplaire de translittération, une bonne bibliographie, forte de 304
entrées3, un index des noms propres et un index thématique.
4 Les douze contributions qui composent le volume suivent des approches assez différentes
et renvoient avec plus ou moins d’adéquation aux questions posées dans l’introduction.
Ainsi,  les  auteurs  des  deux  premières  parties  (chap. 2-7)  analysent-ils  plutôt  des
situations locales et leur rapport au monde environnant que des façons effectivement
locales de théoriser. Susan Reed (chap. 2), en ouverture, s’intéresse aux mécanismes qui
ont  permis  à  la  danse  sri-lankaise  kandyan  de  passer  progressivement  d’un contexte
rituel,  exclusivement  masculin,  à  un  contexte  de  scène,  plutôt  féminin.  Elle  montre
combien  cette  métamorphose  fut  et  demeure  le  théâtre  de  débats  animés  sur  les
spécificités  techniques  et/ou  esthétiques  de  la  danse  et  sur  les  conceptions  locales,
nationales et bouddhiques de la féminité. Amanda Weidman (chap. 3) examine quant à
elle  l’impact  du  violon  sud-indien – en  tant  qu’instrument  d’accompagnement – sur
l’esthétique du chant karnatique au cours du XXe siècle. Son texte est stimulant dans la
mesure où il bouscule l’idée trop rarement nuancée selon laquelle – dans le cadre des
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musiques indiennes « classiques » – les styles instrumentaux seraient modelés par la voix
et non l’inverse. On regrettera seulement que sa démonstration se base sur une histoire
du  violon  karnatique  uniquement  constituée  de  sources  de  seconde  main
(pp. 52-54) – sources que les musiciens eux-mêmes « piratent » allègrement dans leurs
propos. Cette première partie s’achève avec un article de Martin Clayton (chap. 4) qui
colle peut-être plus étroitement à la problématique de l’ouvrage : l’auteur montre en effet
combien  le  plus  globalisé  des  instruments,  la  guitare,  est  l’objet  de  discussions  et
d’interprétations  de  la  part  des  guitaristes  des  grandes  métropoles  indiennes  et  de
quelques zones christianisées (Goa, les territoires du Nord-Est, etc.). L’auteur aborde par
ailleurs (pp. 74-76) la question de l’utilisation in situ d’un vocabulaire musical hybride
mêlant  solfège  indien  (sargam)  et  solfège  occidental  (notation  sur  portées,  grilles
d’accords, etc.). Dans l’article suivant, qui ouvre la seconde partie de l’ouvrage, Gregory
Booth (chap. 5) se penche sur l’organisation socioprofessionnelle des brass bands indiens
(fanfares itinérantes composées d’instruments occidentaux). Il rend compte avec minutie
d’une diffusion géographique en réseaux à partir des grands centres urbains, tels Mumbai
ou Delhi, et montre combien il est important pour les musiciens – s’ils veulent tirer leur
épingle du jeu – de comprendre les règles qui régissent le fonctionnement de leur propre
réseau et des réseaux concurrents. Shubha Chaudhuri (chap. 6) examine de son côté les
transformations  successives  d’un  mythe  local  et  leur  impact  croissant  sur  le
développement  du  patronage  d’une  caste  de  musiciens  professionnels  itinérants  de
l’Ouest du Rajasthan. Gert-Matthias Wegner (chap. 7) clôt cette deuxième partie avec un
texte  où  il  restitue  avec  précision  les  routes  processionnelles  empruntées  par  les
musiciens newars lors des fêtes religieuses célébrées à Bhaktapur, au Népal. Il montre
dans cette étude combien le parcours, les points d’arrêts et les pièces prescrites en tel ou
tel lieu sont inextricablement liés aux conceptions tantriques (bouddhiques et hindoues)
de l’espace : la procession, sonorisée par les musiciens, permet en effet de réactualiser
l’espace urbain (sacré) en redonnant vie au maṇḍala qui le symbolise4.
5 Dans les parties 3 et 4 (chap. 8-13), les auteurs se focalisent sur les manières de théoriser
musique et pratiques musicales. La troisième partie, en toute logique, est consacrée à
l’enseignement, l’apprentissage et la transmission. Rolf Groesbeck (chap. 8) ouvre le débat
en posant la question des rapports entre une pédagogie strictement verticale (de maître à
disciple) et une pédagogie plutôt horizontale (par immersion au sein d’un groupe) dans le
cadre de l’apprentissage des percussions du théâtre dansé kathakali dans une école du
Kerala. Il émet ainsi l’hypothèse selon laquelle les discours habituels sur les relations de
maître à élève(s) pourraient être affinés si l’on prêtait plus d’attention à l’imbrication de
ces deux niveaux, et quel que soit leur poids respectif. Regula Qureshi (chap. 9) attire
quant  à  elle  notre  attention  sur  les  processus  d’« enculturation »  qui  caractérisent
l’apprentissage de  la  musique  hindoustanie.  Elle  montre  notamment,  à  travers  les
enseignements du joueur de sārangī Ustad Sabri Khan, comment les connaissances sont
peu  à  peu  acquises  via  un  dispositif  qui  permet  à  la  fois  l’acquisition  d’un  savoir
relativement fixe et d’un savoir-faire qui offre la possibilité de le développer infiniment
au  cours  d’une  performance.  Elle  propose  par  ailleurs  une  réflexion  intéressante
(pp. 179-182)  sur  la  transmission  de  la  musique  hindoustanie  dans  son  rapport,
aujourd’hui complexe, à la globalisation. David Henderson (chap. 10), en se basant sur son
apprentissage des tablā  et de trois tambours de procession newars, s’interroge sur les
processus de transmission qui lui ont permis d’assimiler un ensemble d’automatismes. Il
discute ainsi des moyens théoriques et pratiques mis en œuvre à cette fin par ses maîtres
népalais en confrontant son expérience aux connaissances actuelles de la neurologie, de
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la  phénoménologie et  de l’anthropologie sur le  corps,  le  langage et  les  sens.  Dans la
dernière partie de l’ouvrage, les auteurs se concentrent sur la performance comme source
et lieu de théorisation. Stephen Blum (chap. 11) étudie le fonctionnement dynamique des
modes de théorisation des  bardes du Khorasan iranien.  Il  montre notamment que la
frontière entre ce qu’un musicien sait ou sait faire (ce que je vois et entends lorsqu’il
joue) et ce qu’il dit savoir ou savoir faire (ce que je perçois et comprends lorsqu’il discourt
ou  enseigne)  demeure  souvent  incertaine.  L’auteur  réussit  de  la  sorte  à  théoriser  la
théorisation d’une pratique musicale au travers d’une étude de cas extrêmement fine.
Sabir Badalkhan (chap. 12) s’intéresse quant à lui au zahīrok – chant baloutche de la région
du  Makran  qui  relève  autant  d’un  genre  que  d’un  corpus  de  séquences  mélodico-
rythmiques. L’auteur insiste sur les rapports entre textes et contextes et sur l’importance
que les musiciens accordent au zahīrok en tant que modèle structurel – à l’origine de
nombreuses musiques baloutches. Richard Wolf (chap. 13) clôt l’ouvrage en portant son
attention sur les commencements musicaux (pièces, séquences, etc.) et les significations
que les musiciens leur donnent au sein de trois traditions : musique karnatique, chants
populaires  tamouls,  musique  instrumentale  des  Kota  (peuple  autochtone  des  monts
Nilgiri). Il montre par exemple que le varṇam (pièce didactique qui introduit la plupart
des concerts de musique karnatique) est non seulement envisagé comme un condensé
grammatical essentiel à la connaissance pratique d’un mode (rāga), mais comme un lieu
stratégique où les musiciens de renom s’emploient à modifier les règles modales relatives
à tel ou tel mode.
6 Au terme de cette lecture passionnante, riche, dense, parfois ardue, il apparaît que la
variété des contributions et des approches constitue au final une force. L’ouvrage trouve
en effet un bel équilibre entre rigueur et ouverture – équilibre qui, au plan scientifique,
est à la fois stimulant et salutaire : stimulant car il engage à réfléchir sur de nouvelles
façons de rendre compte des musiques sud-asiatiques ; salutaire car il s’émancipe de ces
cloisonnements qui ont longtemps réservé aux (ethno)musicologues l’étude des traditions
« classiques » (mārga, classical) et aux anthropologues (de la musique) celle des traditions
« populaires » (deśī, folk) et « tribales » (ādivāsī, tribal). Cette opposition, épistémologique
pour certains, idéologique pour d’autres, est ici ébranlée. On ne peut que s’en réjouir.
BIBLIOGRAPHIE
SINGER Milton, 1958, « The Great Tradition in a Metropolitan Center : Madras », Journal of
American Folklore 71 : 347-388.
WIDDESS Richard, 2006, « Musical Structure, Performance and Meaning : the Case of a Stick-
Dance from Nepal », Ethnomusicology Forum, 15 (2) : 179-213.
Richard K. WOLF ed. : Theorizing the Local. Music, Practice, and Experience i...
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NOTES
1. Les exemples audio et vidéo peuvent être consultés à l’adresse suivante : www.oup.com/us/
theorizingthelocal. Un code d’accès est fourni dans chaque ouvrage.
2. La zone est élargie à l’Iran.
3. S’il est heureux de noter quelques références en arabe, persan, baloutche ou tamoul, on ne
peut que regretter la rareté des références en allemand (7),  français (7),  Italien (1)  et  autres
langues européennes.
4. Sur une thématique proche et en complément des références citées par l’auteur, on pourra
consulter Widdess 2006.
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Richard K. WOLF ed. : Theorizing the Local. Music, Practice, and Experience in South Asia and beyond

http://journals.openedition.org/ethnomusicologie/pdf/1781

Richard K. WOLF ed. : Theorizing the Local. Music, Practice, and Experience in South Asia and beyond

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