Huber, Hans Dieter

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Alle hundert Jahre ein fin de siede
„Der Gegenstand, den ich mir erträume, ist der 
Ort, der vom Werk spricht, vom Werk des Men­
schen, so wie es heute denkbar ist. Aber dieser 
Ort, der vom Werk spricht, sagt unfehlbar 
etwas über den Menschen, er sagt vor allem 
etwas über den Menschen, über den Menschen 
des Werkes, so wie er heute denkbar ist.
Diesen Ort gibt es zur Zeit nicht. Deshalb kann 
ich ihn mir nur erträumen.“
(Remy Zaugg)1
Die Malerei - das zeigt sich an den hier einge­
sandten Werken deutlich - befindet sich 
momentan in einer schwierigen Situation. Ein 
Rückgriff auf ältere kunsthistorische Positionen 
des Tafelbildes wird sichtbar: abstrakter 
Expressionismus, Hard-Edge-Malerei, Pop-Art, 
Pattern-Painting etc.. Die Grenzen und Möglich­
keiten der einzelnen künstlerischen Stile werden 
quasi in einem Rückblick rekapituliert und 
getestet. Im Aufgreifen und Zitieren bekannter 
kunsthistorischer Stile werden allerdings die 
symbolischen und geistesgeschichtlichen 
Umfelder, die sich mit diesen Stilen verbinden, 
zwangsläufig mit zur Sprache gebracht. Die mit 
dem abstrakten Expressionismus, dem Kon­
struktivismus und der Pop-Art in Verbindung 
stehenden, damals innovativen Geisteshaltun­
gen, werden in einer Zeit der Stagnation und 
Restauration am Ende des Jahrhunderts noch 
einmal heraufbeschworen und auf ihre Wirk­
samkeit überprüft. In einer, gesellschaftlich 
gesehen, schwierigen Zeit, werden revolutionäre 
Phasen der Kunst zum Vorbild genommen und 
als romantisches Ideal zitiert.
Die Zersplitterung eines einheitlichen künstleri­
schen Paradigmas am Ende des 20. Jahrhun­
derts und die zahlreichen Retro-Bewegungen zu 
Beginn der 80er Jahre können als Phänomene 
eines neuen Historismus bezeichnet werden. So 
findet sich am Ende des vorigen Jahrhunderts 
eine ähnliche Situation in Kunst und Architek­
tur, in der wichtige Wegbereiter der Moderne 
abseits der großen Hauptströmungen ihr künst­
lerisches Programm formulieren. Gleichzeitig 
begegnet man den traditionellen Strömungen 
der Salon- und Historienmaler, zu ihrer Zeit 
hochgeschätzte und hochdotierte Künstler, 
deren künstlerische Ansätze jedoch keine 
Anknüpfungspunkte für die jüngere, um 1885 
geborene Künstlergeneration bot, derjenigen 
Generation, die um 1910 die Grundlagen für die 
Kunst des 20. Jahrhunderts schufen. Die für 
den Beginn unseres Jahrhunderts tragfähigen 
Positionen wurden von Außenseitern formuliert, 
von Vincent van Gogh, Paul Cezanne und 
Edvard Munch.
1853 beschrieb der französische Kunstkritiker 
Theophile Gautier die Situation der Kunst mit 
Begriffen, die 134 Jahre später wieder eine 
gewisse Gültigkeit erlangen: „Heutzutage hat 
die Kunst lediglich totgeborene Ideen und For­
meln zur Verfügung, die nicht mehr mit ihren 
Bedürfnissen übereinstimmen. Daher kommt 
diese Ängstlichkeit, diese Unbestimmtheit, diese 
Weitschweifigkeit, diese Gewandtheit, von 
einem Extrem ins andere zu verfallen, dieser 
Eklektizismus und dieser Internationalismus, 
dies selbstverständliche Bewegen in allen mög­
lichen Welten, das von (...) einem weitausho­
lenden Manierismus zu einem wohlüberlegten 
Brutalismus führt. Es ist klar, daß etwas getan 
werden muß, doch was?“2 
Die gleiche Frage stellt sich heute, 1987, in 
unveränderter Form.
Die plastischen Arbeiten, im weitesten Sinne 
ihres Begriffes, befinden sich gegenüber der 
Malerei in einer günstigeren Ausgangsposition. 
Aufgrund ihrer stärkeren, vom Medium her 
bedingten Reflexion von Material und Umge­
bung scheint es den dreidimensional arbeiten­
den Künstlern leichter möglich zu sein, traditio­
nelle Themenstellungen, Techniken und Mate­
rialien aufzugeben und sich dadurch in experi­
mentelles Neuland vorzuwagen. Hier entwickeln 
sich zur Zeit wichtige künstlerische Paradig­
men, deren Tragfähigkeit für zukünftige Ent­
wicklungen bei weitem noch nicht ausgelotet 
oder erschöpft ist.
Heute, am Ende des 20. Jahrhunderts, stellt 
sich für die traditionellen Kunstgattungen 
außerdem die Frage, ob und inwieweit sie in 
der Lage sind, auf die Herausforderungen der 
populären Künste wie Rockmusik, Film und 
Unterhaltungselektronik zu reagieren. „Wir müs­
sen uns damit vertraut machen, daß die Popu­
lärkultur (.. .) Spitzenleistungen hervorbringen 
kann, die eine echte Herausforderung für die 
klassischen Künste darstellen.“3 Ferner läßt 
sich beobachten, daß wichtige Neuerungen in 
der bildenden Kunst nicht mehr nur von tradi­
tionell ausgebildeten, „akademischen“ Künstlern 
formuliert werden, sondern von Persönlichkei­
ten, deren Ausbildung in Fächern wie Philoso­
phie, Naturwissenschaften, Design, Film oder 
Musik erfolgte.
Was ist mit den rauhen, schrägen, schwierigen 
Arbeiten, den Stücken, die sich gegen Einord­
nung, Kategorisierung, Stile, Ausstellungsbedin­
gungen sträuben? Arbeiten, die aus sich heraus 
ihre Wirkung und ihre eigene Logik entfalten, 
die ihre Kraft und Stärke nicht aus der Anleh­
nung an irgendeinen Stil beziehen, deren Exi­
stenz allein schon genug Phänomen ist. Arbei­
ten, die Staunen hervorrufen, daß es so etwas 
überhaupt gibt.
Viele der in der Ausstellung „Forum junger 
Kunst“ gezeigten Arbeiten können mit einem 
Werkbegriff der klassischen Moderne nicht 
mehr ausreichend beschrieben und verstanden 
werden. Viele Künstler greifen industrielle Pro­
dukte und Fertigungsmethoden auf, entwickeln 
einen neuen, offenen Werkbegriff, dessen 
Inhaltlichkeit erst noch im Fortgang der künst­
lerischen Entwicklung genauer bestimmt und 
präzisiert werden muß. So gesehen gibt das 
„Forum junger Kunst“ die Umbruchstimmung, 
die sich in der Auseinandersetzung mit künstle­
rischen Traditionen einerseits und radikalen 
außerkünstlerischen Neuansätzen andererseits 
bekundet, in komprimierter Form wieder.
Die Ressourcen der bildenden Kunst am Ende 
des 20. Jahrhunderts scheinen erschöpft, abge­
grast und verbraucht. Zu viele einzelne tum­
meln sich auf diesem Feld. Das Wiederverwen­
den historischer Konzepte, das Recycling von 
Expressionismus, Hard-Edge, Pop-Art stellt für 
die Zukunft keine tragfähige Lösung dar. Wenn 
es uns heute gelingen soll, für das 21. Jahr­
hundert den künstlerischen Boden vorzuberei­
ten, dann müssen der Begriff des Kunstwerkes 
und der Begriff des Künstlers gleichermaßen 
kritisch auf ihre Tragfähigkeit hinterfragt und 
diskutiert werden.
Mein besonderer Dank gilt dem engagierten 
und selbständigen Einsatz meiner Mitarbeiterin, 
Frau Ria Reinig, ohne die die organisatorische 
Bewältigung dieser Arbeit nicht möglich gewe­
sen wäre. Herrn Hanns Hubach, der sich bereit­
erklärte, im Rahmen eines Praktikums an der 
Städtischen Kunsthalle in unserem Team mitzu­
arbeiten und der diese Aufgabe mit großem 
Einsatz bewältigte, gilt ebenfalls mein Dank.
Mannheim, im Oktober 1987
Hans Dieter Huber
Anmerkungen:
1) Remy Zaugg. Das Kunstmuseum, das ich mir 
erträume oder Der Ort des Werkes und des 
Menschen. Köln 1987, S. 9.
2) Theophile Gautier. De l’Art Moderne, in: 
L'Artiste, X, 1953, S. 135.
3) Birgit Hein. Über Film, in: K Kunstzeitschrift, 
Mai 1985, S. 44.
Originalveröffentlichung in: Reinig, Ria ; Hubach, Hanns ; Huber, Hans Dieter (Hrsgg.): Forum junger Kunst 1987 : Städtische Kunsthalle 
Mannheim, 21. November 1987 - 10. Januar 1988 (Skulptur) ; Staatliche Kunsthalle Baden-Baden, 19. Dezember 1987 - 17. Januar 1988 
(Malerei) ...., 1987, o. S.


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