Beaucage, Réjean

Érudit

Érudit est un consortium interuniversitaire sans but lucratif composé de l'Université de Montréal, l'Université Laval et l'Université du Québec àMontréal. Il a pour mission la promotion et la valorisation de la recherche. Érudit offre des services d'édition numérique de documentsscientifiques depuis 1998.Pour communiquer avec les responsables d'Érudit : info@erudit.org Compte rendu « Nouveautés en bref » Réjean BeaucageCircuit : musiques contemporaines, vol. 17, n° 3, 2007, p. 125-128.   Pour citer ce compte rendu, utiliser l'adresse suivante : URI: http://id.erudit.org/iderudit/017598arDOI: 10.7202/017598arNote : les règles d'écriture des références bibliographiques peuvent varier selon les différents domaines du savoir.Ce document est protégé par la loi sur le droit d'auteur. L'utilisation des services d'Érudit (y compris la reproduction) est assujettie à sa politiqued'utilisation que vous pouvez consulter à l'URI https://apropos.erudit.org/fr/usagers/politique-dutilisation/Document téléchargé le 10 février 2017 02:17Nouveautés en brefR é j e a n  B e a u c a geBrian Current : This Isn’t SilenceWorks for symphony orchestra/œuvres pour orchestre symphonique-Centrediscs/Centredisques, 2007, CMCCD 12607Un disque canadien regroupant cinq œuvres orchestrales d’un jeune compositeur (1972) est une rareté (on est tenté d’écrire « une ano-malie ») à saluer. Originaire d’Ottawa, Brian Current a étudié la musique à l’Université McGill (Montréal), auprès de John Rea et Bengt Hambreaus, avant de compléter un doctorat en composition à Berkeley (Californie). Le présent disque regroupe toutes ses œuvres pour orchestre (le Concertino for Flutes & String Orchestra [2002, rév. 2004] étant pour « grand ensemble », ici, les cordes de l’ensemble New Music Concerts, sous la direction du compositeur).La musique de Current est vive, énergique et, par moments, même agres-sive. Dès l’ouverture, avec la pièce-titre (1998, rév. 2001), l’auditeur a l’im-pression d’arriver en pleine séance de torture, les cordes et les percussions martelant à l’unisson tandis que quelqu’un pousse des cris à contretemps. This Isn’t Silence, en effet ! Les choses n’en restent pas là, mais il y a dans tout ce qui suit beaucoup de pizzicato, de grincements divers, de petits cris et une joyeuse luxuriance au sein de l’orchestre (Winnipeg Symphony Orchestra/Andrey Boreyko, pour cette pièce).Vient ensuite For the Time Being (CBC Radio Orchestra/Bramwell Tovey), une œuvre qui n’est sans doute pas étrangère à la possibilité même de pro-duire ce disque, puisque c’est grâce à elle que le compositeur a obtenu en 125actualités126circuit volume 17 numéro 32000 le prix du jury et le prix du public au Forum international pour les jeunes compositeurs du Nouvel Ensemble Moderne (enregistrement dispo-nible sur le disque « Forum 2000/2002 » ; NEM/Lorraine Vaillancourt, paru chez ATMA) ; c’est aussi cette pièce qui remportait en 2001 le grand prix du Concours national des jeunes compositeurs de la Société Radio-Canada.La présentation chronologique des œuvres permet d’apprécier l’évolution du compositeur à travers l’assurance que gagne son écriture. Il est surtout réjouissant de constater qu’entre la première œuvre et les plus récentes (Kazabazua [2003, rév. 2006] et Symphonies in Slanted Time [2005], tou-tes deux interprétées par l’Esprit Orchestra et Alex Pauk), le tranchant ne s’émousse pas et le grain reste à certains endroits assez rude, ou dur ; le com-positeur sait jouer de la masse orchestrale et il ne s’en prive pas. Voici donc un disque qui ne nuira certes pas à la carrière de Current et qui risque de faire beaucoup d’envieux parmi les jeunes compositeurs canadiens.MC Maguire : Meta-ConspiracyTzadik, 2007, 8034Si j’ai évoqué une certaine agressivité à propos de la musique de Brian Current, dans le cas de Michael C. Maguire, on peut carrément parler de violence, du type « Massacre à la tronçon-neuse »... Dans une « déclaration de l’artiste » inscrite sur son site Internet, le compositeur explique : « As a composer I have created a very personal post-modern hybrid which is a quirky synthesis of the historical and modern western tradition, as well as combining styles of popular music and the various primitive and high cultural traditions of world music » ; ce qui n’est pas dit ici, c’est qu’il fait tout ça simultanément ! Enﬁ n, presque. La musique de Maguire évoque immédiatement celle de l’électroacousticien Paul Dolden, qui construit ses œuvres en accumulant des centaines de pistes, éventuellement d’un même instrument, pour donner au son d’ensemble une texture et une profondeur incomparables (enﬁ n, jusqu’à maintenant). Les œuvres de Maguire comptent jusqu’à 400 pistes, et, de plus, elles sont mixtes : A Short History of Lounge (2001-2006) est écrite pour piano (David Swan) et ordinateur (for piano and cpu), tandis que Got that Crazy, Latin/Metal Feelin’(2003-2006) est écrite pour guitare électrique (John Gzowski) et ordinateur (on aimerait entendre la version originale pour petit ensemble, guitare élec-trique et ordinateur, une commande de Vancouver New Music).127actualitésMalgré son titre, A Short History of Lounge n’évoque ce genre musical qu’à travers une ligne de basse vaguement jazzée qui revient tout au long de l’œuvre par bouffées (Maguire parle d’une rumba boulézienne) ; l’ensemble, outre certains passages où le piano est à découvert, distille une énergie pro-che de celle du rock, et rappelle à l’occasion le type de déﬂ agration sonore propre à quelques œuvres de Xenakis. Cependant, si la première écoute ris-que fort de déclencher un mal de tête, les écoutes subséquentes permettent de traverser le brouillard qui entoure la musique. La piano s’éclaircit, on croise un orchestre symphonique dans un fragment de ce qui semble être du Bruckner, et on distingue mieux le travaille époustouﬂ ant d’assemblage de la multitude de pistes où s’entrecroisent diverses qualités de sons électroniques. Bref, la sensastion d’écouter 12 stations de radio simultanément s’amenuise pour permettre à l’auditeur courageux d’appréhender l’imaginaire multipis-tes du compositeur.L’autre œuvre au programme est de la même eau, mais avec un peu plus de rafﬁ nement, ou, enﬁ n, un chaos moins forcené. L’utilisation de la guitare électrique et des voix la rapproche à de nombreux moments du style de rock progressif « symphonique » qu’on trouve chez nombre de formations euro-péennes (on pense à Yes, particulièrement), davantage que du heavy metalauquel le titre renvoie. Payton MacDonald : Works for Tabla and PercussionShawn Mativetsky, tabla ; William Paterson University Percussion EnsembleATMA Classique, 2007, ACD2 2393Le projet du compositeur étatsunien Payton MacDonald n’est ni le premier ni, sans doute, le dernier des exercices visant à fondre les cultu-res de l’Est et de l’Ouest en un nouvel alliage multiculturel. De Debussy à Gilles Tremblay, et des Beatles à Led Zeppelin, ceux qui font la musique en Occident ont souvent été fascinés par les rythmes complexes et les harmonies étranges de l’Orient. Les véritables mutations sont rares, et les placages d’une culture sur l’autre n’ont pas souvent plus d’impact sur l’âme de la musique qu’un simple tatouage peut en avoir sur celui qui le porte. On ne peut guère s’interroger très longtemps sur l’authenticité du sentiment qui anime les deux protagonistes principaux de ce programme : Payton MacDonald est percus-sionniste au sein de l’ensemble Alarm Will Sound, l’une des formations les 128circuit volume 17 numéro 3plus intéressantes à avoir vu le jour ces dernières années. Basé à New York, AWS a fait paraître jusqu’à maintenant trois disques consacrés à la musique de Steve Reich et un quatrième qui regroupe des transpositions pour ensem-ble de la musique électronique d’Aphex Twin. MacDonald est diplômé en percussion et en composition (Université du Michigan et Eastman School of Music) et poursuit l’apprentissage du tabla auprès de Pandit Sharda Sahai, comme Shawn Mativetsky. Ce dernier détient une maîtrise en musique de l’Université McGill, où il enseigne et dirige le McGill Tabla Ensemble.Le disque offre trois concertos pour tabla et quatuor de percussions (no 1,2002 ; no 2, 2003 ; no 3, 2004) et trois courtes pièces pour tabla solo. C’est dans le Concerto no 3 que le compositeur réussit le mieux à s’affranchir du poids culturel de son instrument soliste, même si la partie n’est pas gagnée pour l’auditeur, le tabla ayant un son si distinctif, si fortement connoté, que la fusion culturelle est difﬁ cile à opérer, d’autant plus que le compositeur respecte « pour l’essentiel la forme d’un solo de tabla classique du style de Bénarès » (extrait du livret d’accompagnement). Reste un répertoire qui met de l’avant le grand talent d’un soliste exceptionnel et une musique qui cher-che à établir un pont ; l’ouvrage est encore fragile, mais il sera un jour très fréquenté, et on sera alors reconnaissant à ceux qui en ont jeté les bases.

Nouveautés en bref

Érudit est un consortium interuniversitaire sans but lucratif composé de l'Université de Montréal, l'Université Laval et l'Université du Québec àMontréal. Il a pour mission la promotion et la valorisation de la recherche. Érudit offre des services d'édition numérique de documentsscientifiques depuis 1998.Pour communiquer avec les responsables d'Érudit : info@erudit.org Compte rendu « Nouveautés en bref » Réjean BeaucageCircuit : musiques contemporaines, vol. 18, n° 1, 2008, p. 121-124.   Pour citer ce compte rendu, utiliser l'adresse suivante : URI: http://id.erudit.org/iderudit/017913arDOI: 10.7202/017913arNote : les règles d'écriture des références bibliographiques peuvent varier selon les différents domaines du savoir.Ce document est protégé par la loi sur le droit d'auteur. L'utilisation des services d'Érudit (y compris la reproduction) est assujettie à sa politiqued'utilisation que vous pouvez consulter à l'URI https://apropos.erudit.org/fr/usagers/politique-dutilisation/Document téléchargé le 10 février 2017 03:27121actualitésactualitésNouveautés en brefR é j e a n  B e a u c a ge60 x 60: A Circle of Sound (2004)-A Slice of the Scene (2005) Vox Novus, 2007, VN-001L’art de la miniature musicale n’est plus très en vogue chez les compositeurs contemporains, et les exemples récents dans ce domaine nous viennent surtout des électroacousticiens de tou-tes tendances. On pense par exemple à l’album britannique « Three Minute Symphony - An International Compilation » (Xtract Records, 1984) où, au Québec, au « Ding Dong de luxe » regroupant des pièces de moins d’une minute (OHM / Avatar, 1995) et, bien sûr, aux « Électro clips » d’Empreintes DIGITales, en 1996 (d’ailleurs cités ici par David Jaggard dans sa Vocalizacion Cristalina qui déconstruit le Mambo à la Braque de Javier Álvarez publié sur l’enregistrement d’Empreintes DIGITales – ce n’est pas le seul plunderphonic que l’on trouve ici).Les deux disques regroupés sous le titre « 60 x 60 » reprennent en quel-que sorte le concept du « Commercial Album » que faisait paraître en 1980 l’énigmatique quatuor californien The Residents. Leur disque comportait sur chacune de ses faces 20 pièces d’une minutes (leur propre Top 40), le but avoué des musiciens, qui n’ont jamais recherché, ou connu, de vérita-ble succès, étant de condenser l’effi cacité des courtes rengaines qui passent à la radio et l’inventivité des messages publicitaires (l’album en entier fut d’ailleurs diffusé sur les ondes d’une station de radio de San Francisco durant les pauses publicitaires, le quatuor ayant acheté 40 blocs d’une minute !). L’album « 60 x 60 » présente donc, sur chacun des deux disques, 60 pièces d’une minute (ou moins) par autant de compositeurs. Le projet a été mis sur montage_18-1-4.indd   121 1/16/08   4:14:16 PM122circuit volume 18 numéro 1pied par le compositeur new-yorkais Robert Voisey dans un effort d’offrir un accès original aux musiques d’aujourd’hui. Le directeur artistique du projet propose les deux disques compatcs autant pour la diffusion en concert que pour l’écoute solitaire.Il n’est évidemment pas possible de faire ici le tour des 120 œuvres propo-sées, ou même d’en nommer les compositeurs ; il serait par ailleurs pour le moins présomptueux de juger de leur talent d’après un clip d’une minute... Cependant, le tout étant plus grand que la somme de ses parties, c’est vrai-ment le concept global qui retient l’attention. La diversité des techniques employées par les compositeurs pourrait avoir privé l’ensemble de l‘homo-généité qui fait que ces parties mises bout à bout forment en effet un tout, mais c’est précisément l’hétérogénéité des 60 « mouvements » de chacune des deux « œuvres » qui leur insuffl e ce caractère onirique si particulier. On peut d’ailleurs fort bien écouter chacun des disques en mode random sans altérer cette qualité le moins du monde. S’il n’est pas possible de juger de la pertinence d’un compositeur sur une seule œuvre d’une minute (ou même deux œuvres dans certains cas), ces deux disques pourront tout de même servir aussi de catalogue et piquer la curiosité d’auditeurs qui voudront en savoir davantage sur certains des créateurs regroupés ici.Arturo Parra : VozAtma classique, 2007, ACD2 2575Le nom du guitariste colombien Arturo Parra est associé à l’univers de la musique mixte depuis son installation au Québec en 1989 (le disque « Parr(A)cousmatique », paru chez Empreintes DIGITale en 2002 contient cinq pièces com-posées en collaboration avec des électroacoustiens, dont plusieurs peuvent aussi être trouvées sur diverses compilations). Sur « Voz », c’est bien la guitare acoustique qui est au premier plan, mais comme l’indique le titre du disque, le compositeur-interprète utilise aussi sa voix, et le résultat est souvent très pro-che, dans son esprit autant que dans son résultat sonore, de ce que peut offrir la musique électroacoustique. Certaines des techniques de jeu développées par le guitariste donnent vraiment l’impression d’entendre des manipulations électroniques (la fi n de la pièce Vers la lumière [L’hirondelle] est à cet égard étonnante). L’utilisation de la voix ajoute aussi à cette impression, l’instru-mentiste colorant son jeu de chuintements, claquements et de toutes sortes montage_18-1-4.indd   122 1/16/08   4:14:16 PM123actualitésd’autres façons, sans jamais prononcer un mot. Parra indique par ailleurs dans le livret deux moments, dans l’enregistrement, où, « alors que l’instrumentiste n’a pas fait vibrer ses cordes vocales, on croit entendre sa voix. » Il impute cette illusion acoustique à une variété d’algohallucinose, ce phénomène par lequel le corps croit ressentir la présence d’un membre amputé.Le disque se compose de quatre pièces en trois mouvements, le total des-quelles forme un vaste « poème sonore » de 63 minutes dont le livret expose le « chemin » narratif. Arturo Parra y note aussi son intention de fabriquer un « cinéma pour l’oreille », une expression qu’il emprunte aussi au monde de la musique électroacoustique, mais qui s’applique en effet parfaitement à son style. La prise de son et le mixage fi nal de la guitare et des expressions voca-les du compositeur ont été réalisés avec soin (par Chris Leon) et le résultat ouvre de nouvelles voies d’exploration en musique pour la guitare.Pacôme Thiellement : Économie Eskimo – le rêve de Zappa. Éditions MF, collection Répercussions, 2006, 265 pagesL’œuvre multiforme du compositeur américain Frank Zappa (1940-1993) commence à faire l’ob-jet d’un nombre grandissant d’études de toutes sortes, et sa richesse intrinsèque appelle la mul-tiplicité des approches. Zappa a été, entre autres choses, un réalisateur de cinéma (pionnier de l’utilisation de la vidéo), un compositeur qui a exploré pratiquement tous les styles musicaux encore pratiqués, et un observa-teur sagace de la société qui l’entourait. Le compositeur avait relié toutes les parties apparemment indépendantes de son œuvre par une continuité concep-tuelle répondant à sa logique propre, et c’est en quelque sorte la recherche de la source de cette logique autonome qui est à la base du projet de Pacôme Thiellement. L’auteur a déjà démontré une grande originalité dans le traite-ment des sujets qu’il aborde (dans son précédant essai Poppermost [Éditions MF, collection Essais, 2002, 171 pages] par exemple, où il explorait la musique pop en tant que phénomène sacré, à partir du mythe de la mort du Beatle Paul McCartney !) et il le fait encore une fois en proposant un texte au moins aussi éclaté que l’œuvre qu’il se donne pour mission de décortiquer. Bourré de références à Dada, au surréalisme et à ses inspirateurs (Lautréamont, Lewis montage_18-1-4.indd   123 1/16/08   4:14:16 PM124circuit volume 18 numéro 1Carroll, Jarry, etc.), mais aussi au Kubrick de Lolita, à Héraclite, à Nietzsche et à Spinoza, le texte de Thiellement entraîne le lecteur dans une suite d’ob-servations qui semble suivre la logique du rêve, les liens entre certaines obser-vations étant quelques fois pour le moins ténus, mais s’avérant néanmoins utiles et éclairants.L’économie « Eskimo » du titre, c’est l’autarcie créatrice, celle qui parvient à l’autosuffi sance totale sans jamais devoir recourir au compromis. C’est aussi celle de l’ensemble californien The Residents (auteur d’un disque intitulé « Eskimo » [1979]), dont le travail fournit également de nombreuses référen-ces à l’auteur (« Frank Zappa et les Residents, [...] les seuls eskimocrates de la pop music [...] »). C’est encore, enfi n, celle de Nanook, personnage central du fi lm de Robert J. Flaherty Nanook of the North (1922), devenu un person-nage de Zappa dans la suite Don’t Eat the Yellow Snow (1974), qui raconte le rêve auquel renvoie le sous-titre du livre.On pourra reprocher à l’auteur de ne pas donner les références exacts des citations qu’il attribue à Zappa (celle-ci, par exemple, magnifique : « Les caniches servent ma continuité, dira Zappa, c’est comme le brun chez Rembrandt. »), la bibliographie étant plutôt intuitive, mais il est clair que l’on a affaire à quelqu’un qui a une grande connaissance de l’énorme corpus de Zappa, et les liens qu’il établi entre celui-ci et les contributions des autres créateurs et penseurs qu’il convoque sont d’une grande originalité et ouvrent de nouvelles avenues pour une meilleure compréhension de l’important tra-vail de l’artiste américain.montage_18-1-4.indd   124 1/16/08   4:14:16 PM

Réjean Beaucage

Crossref

Circuit Musiques contemporaines

Érudit est un consortium interuniversitaire sans but lucratif composé de l'Université de Montréal, l'Université Laval et l'Université du Québec àMontréal. Il a pour mission la promotion et la valorisation de la recherche. Érudit offre des services d'édition numérique de documentsscientifiques depuis 1998.Pour communiquer avec les responsables d'Érudit : info@erudit.org Compte rendu « Nouveautés en bref » Réjean BeaucageCircuit : musiques contemporaines, vol. 17, n° 2, 2007, p. 129-133.   Pour citer ce compte rendu, utiliser l'adresse suivante : URI: http://id.erudit.org/iderudit/016846arDOI: 10.7202/016846arNote : les règles d'écriture des références bibliographiques peuvent varier selon les différents domaines du savoir.Ce document est protégé par la loi sur le droit d'auteur. L'utilisation des services d'Érudit (y compris la reproduction) est assujettie à sa politiqued'utilisation que vous pouvez consulter à l'URI https://apropos.erudit.org/fr/usagers/politique-dutilisation/Document téléchargé le 9 février 2017 11:07Jean-François Laporte : Soundmatters,23five — 23five 009 — (64’3”)Le travail du compositeur québécois Jean-François Laporte a connu, depuis son émergenceà la fin des années 1990, un succès important etqui étonne lorsque l’on considère le type derecherches sonores qu’il privilégie, où bruitisme etinstruments inventés occupent pratiquementtoute la place. Laporte était couronné «Découverte de l’année» et «Composi-teur de l’année» lors de la remise des prix Opus du Conseil québécois de lamusique pour la saison 2001-2002, alors que son œuvre Tribal, pour orchestred’instruments inventés, était nommée «Création de l’année», un honneur querecevait aussi pour la saison 2004-2005 une autre de ses créations : La plénitudedu vide. Le compositeur était aussi invité pour des concerts monographiqueslors des deux dernières éditions du Festival Montréal/Nouvelles Musiques et ilest sans doute actuellement l’un des compositeurs québécois les plus sollicités surla scène internationale. À titre d’exemple, on pouvait entendre sa musique lorsde trois concerts différents durant les Nordic Music Days d’octobre 2006, enIslande, et ce troisième disque consacré à sa musique nous vient d’une étiquettebasée sur la côte ouest américaine (le deuxième avait été publié en France sousétiquette Metamkine, alors que le premier était une autoproduction).Le disque s’ouvre sur Électro-Prana (1998), qui fait entendre la bande quijouait simultanément à un ensemble instrumental (l’Ensemble contemporainde Montréal à la création) dans la version originale de l’œuvre, intitulée Prana(premier prix, catégorie musique mixte, 23e Concours international de musiqueélectroacoustique Luigi Russolo). Électro-Prana est dédiée à Marcelle 129actualitésNouveautés en brefRé jean  BeaucageCircuit_v17n2  20/08/07  6:50  Page 129Deschênes, mais c’est surtout la manière très personnelle d’un Gilles Gobeilqu’elle évoque, des enregistrements de vent étant empilés en un crescendoqui est rompu très abruptement, puis repris. Boule qui roule (1997, primée auConcours Socan la même année) est construite à partir d’enregistrements suc-cessifs d’un «bruit de machine» transformé par des filtres contrôlés par le com-positeur. Le résultat est essentiellement un drone dont les couches multiples,ascendantes et descendantes, s’entrecroisent. C’est là, dans les variations decouleurs que produisent ces enchevêtrements, que se trouve une qualité sonorehybride, mi-acoustique/mi-électronique, qui fascine le compositeur et dontchacune des pièces enregistrées ici illustre la recherche. Dans le ventre du dra-gon (1997, premier prix au Quinto Concorso Internationale di MusicaContemporanea 2004 Città di Udine) place différents instruments de Laporte(trompe-sax, Tu-Yo, etc.) dans un immense silo à grains du Vieux-Port deMontréal, dont les parois de ciment provoquent un temps de réverbération de15 secondes. L’enregistrement du résultat de cette performance essentielle-ment acoustique, sans modification aucune, évoque pourtant l’univers élec-tronique. C’est aussi le cas pour Mantra (1997), la source enregistrée étant uncompresseur de refroidissement sur lequel le compositeur effectue des mani-pulations durant l’enregistrement, mais aucun traitement par la suite. Durant26 minutes, les sons de l’appareil et de son environnement, qui produisent undrone (ou mantra) très complexe, subissent d’incessantes modifications, lamatière sonore étant remuée dans tous les sens. Le procédé est repris dans Laplénitude du vide (2005), mais avec des musiciens cette fois-ci, et les instru-ments du compositeur (les membres du quatuor de saxophones Quasar jouantseulement avec leurs embouchures). L’œuvre est une expérience temporelle,mais on ne regrette pas que le compositeur ait choisi de ramener sa longueurà 17 minutes (la version originale faisait plus d’une heure !) Jean-FrançoisLaporte explore avec brio la frontière qui sépare les timbres acoustique et élec-tronique et certaines de ses propositions ouvrent un monde de possibilités auxmusiciens attirés par ce type d’exploration.130circuitvolume 17 numéro 2Circuit_v17n2  8/23/07  2:36 PM  Page 130Marcelle Deschênes : Petits Big Bangs,Empreintes Digitales — IMED 0681 —(78"21') DVD-AudioEn tant qu’enseignante au Studio de musiqueélectroacoustique de l’Université Laval (1972-1977) ou à l’Université de Montréal (1980-1997),Marcelle Deschênes a certainement exercé unegrande influence sur de nombreux compositeursquébécois. Elle ne se gêne pas, en revanche, poureffectuer de son côté quelques emprunts à des collègues, créant une sorte deremix qui offre un tel écheveau de styles et de sens que même en version «audioseulement», ses œuvres ont un caractère multimédia. On trouve sur ce dvd-Audio (stéréo seulement) des œuvres anciennes etplus récentes, qu’il était grand temps de recueillir sur ce qui n’est rien de moinsque la première monographie consacrée à la compositrice. On peut enfinentendre Moll, opéra lilliput pour six roches molles (1976), pour deux clarinettes,trois trombones, trois groupes de percussions, jouets d’enfant et bande (premierprix, catégorie mixte, 1978 et Euphonie d’Or 1992 au Concours international demusique électroacoustique de Bourges). L’enregistrement reproduit ici, qui datede 1978, est époustouflant tant l’intégration des instruments et de la bande y estparfaite. L’œuvre regroupe 17 miniatures inspirées par des rêves, et qui sontautant d’univers différents ; elle a été créée en 1976 à la Société de musiquecontemporaine du Québec, et un 18e rêve pourrait être de vouloir réentendre çaen concert un de ces jours ! Lux (1985) a déjà été publié dans une version un peuplus courte sous le titre Lux æterna (disque «Halogènes», étiquette ummus —umm 101- 1989). Il s’agit d’une musique électroacoustique composée pour unspectacle multimédia de Renée Bourassa et on peut y entendre de longsemprunts à Alain Thibault (Quark’s Muzik, de 1983 et OUT, de 1985). Le style deDeschênes ne ressemble à aucun autre et s’accomode très bien de l’incorpora-tion d’éléments comme ceux-là, eux-mêmes pourtant très personnels ; ils y sontparfaitement appropriés. Les œuvres plus récentes, deux extraits de Griffes (2000,en cours), sont dérivés de la musique composée pour Musique défilé (2000 —une collaboration avec Linda Bouchard qui impliquait les musiciens du NouvelEnsemble Moderne et... un défilé de mode !). Le premier extrait (Indigo), incor-pore des extraits empruntés à Bernard Fort, Gilles Gobeil et Jean-FrançoisLaporte, tandis que le second (Le bruit des ailes) est truffé d’autocitations deprovenances diverses. On sent bien peu le passage du temps entre ces diffé-rentes œuvres, qu’elles datent d’il y a 30 ans ou de moins de 10, et c’est là quele style apparemment baroque de Deschênes prouve son unité. 131actualitésCircuit_v17n2  20/08/07  6:50  Page 131Quant aux petits Big Bangs du titre, ils sont bien là, en ouverture (Big BangII, 1987-1995) et en clôture (Big Bang III, 1992). De courtes pièces électroa-coustiques prévues pour accompagner des installations de George Dyens, ellesévoquent davantage le Big Bang de la fin du monde que celui du début destemps. Mais pour un grand nombre d’auditeurs, il s’agit surtout encore d’un ter-ritoire à découvrir.Tessier... l’Itinéraire du timbre, SophieStévance, Préface de Pierre AlbertCastanet, Millénaire III Éditions, coll.« Musique de notre temps », 2006, 236 p.On ne saurait taxer Roger Tessier de composi-teur paresseux (son catalogue compte tout demême à ce jour 83 opus), mais on peut certai-nement lui reprocher un trop grand talent pourla discrétion... C’est peut-être ce qui expliquerait«une bibliographie et une discographie presquemanquantes, sinon difficiles à obtenir», commele souligne l’auteure ; ça pourrait aussi expliquerque l’ensemble l’Itinéraire, qu’il fondait en 1973 à Paris avec Tristan Murail, aitoublié de programmer sa musique lors des concerts célébrant son 10e anniver-saire... C’est que, sans doute, l’homme avait autre chose à faire que de l’auto-promotion. Ce qu’il voulait surtout faire avancer, bien avant quelque formede carrière, c’était la cause de la musique contemporaine. Il a mené cette tâchede l’intérieur, en développant la musique spectrale avec le collectif de com-positeurs et d’instrumentistes l’Itinéraire, mais aussi par de nombreuses occu-pations périphériques : organisateur de concerts, secrétaire général de la sectionfrançaise de la Société internationale de musique contemporaine, directeurdu Festival des musiques du xxe siècle d’Angers, directeur du Conservatoired’Angers, puis de celui du xive arrondissement de Paris, etc.Sophie Stévance rappelle bien sûr le parcours biographique de l’homme,mais c’est surtout sur sa production musicale qu’elle se penche dans la majeurepartie de ce livre, à travers une étude poussée de son esthétique, depuis sa per-ception «astro-scientiste» de la musique, jusqu’à son exploration «topologique»de l’espace acoustique, en passant par ses développements du «parasitisme tim-brique» («la parasitose sonore [si chère à notre cœur]», qu’évoque Pierre AlbertCastanet en préface). Elle puise ce faisant de nombreux exemples dans le cata-logue du compositeur, et analyse plus particulièrement Urjammer (1990), Clair-Obscur (1979) et Omaggio a Carpaccio (1986). Le compositeur a très132circuitvolume 17 numéro 2Circuit_v17n2  20/08/07  6:50  Page 132fréquemment eu recours aux ressources de l’électroacoustique et l’auteureconclue en évoquant les préoccupations du compositeur quant à l’avenir desœuvres qui doivent leur existence à des avancées technologiques passées endésuétude.De brèves réflexions du compositeur «à propos des fonctions de l’œuvreaujourd’hui» et un entretien de janvier 2006 entre Stévance et Tessier « [à]propos de la jeune générations de compositeurs» complètent le tout. Le cata-logue de Tessier est détaillé en annexe, et le livre comprend, malgré tout, unebibliographie bien garnie et une discographie. On pourra regretter, précisé-ment, que le livre ne soit pas accompagné d’un enregistrement... Peut-être ceregain d’intérêt parfaitement justifié pour l’œuvre de Roger Tessier inspirera-t-il à court terme de nouvelles éditions de ses œuvres.133actualitésCircuit_v17n2  20/08/07  6:50  Page 133

Érudit est un consortium interuniversitaire sans but lucratif composé de l'Université de Montréal, l'Université Laval et l'Université du Québec àMontréal. Il a pour mission la promotion et la valorisation de la recherche. Érudit offre des services d'édition numérique de documentsscientifiques depuis 1998.Pour communiquer avec les responsables d'Érudit : info@erudit.org Compte rendu « Nouveautés en bref » Réjean BeaucageCircuit : musiques contemporaines, vol. 19, n° 3, 2009, p. 119-123.   Pour citer ce compte rendu, utiliser l'adresse suivante : URI: http://id.erudit.org/iderudit/038265arDOI: 10.7202/038265arNote : les règles d'écriture des références bibliographiques peuvent varier selon les différents domaines du savoir.Ce document est protégé par la loi sur le droit d'auteur. L'utilisation des services d'Érudit (y compris la reproduction) est assujettie à sa politiqued'utilisation que vous pouvez consulter à l'URI https://apropos.erudit.org/fr/usagers/politique-dutilisation/Document téléchargé le 12 février 2017 06:151 19réjean beaucageNouveautés en brefR é j e a n  B e a u c a ge Réal La Rochelle Le patrimoine sonore du Québec –  La Phonothèque québécoise  Avec un disque de Jean-Sébastien Durocher Montréal, Éditions Triptyque, 2009, 182 p. Réal La Rochelle fut parmi les fondateurs, en 1989, de la Phonothèque québécoise/Musée du son, un organisme dont il fut le président jusqu’en 2001 (disons-le tout de suite, le signataire de ces lignes fut aussi impliqué auprès de l’organisme au début de ce siècle). L’histoire de l’enregistrement sonore est encore relative-ment jeune (même si elle vient de vieillir de 17 ans avec la découverte des « phonautographes » du Français Édouard-Léon Scott de Martinville, « enre-gistrés » sur papier [!] en 1860 – voir à ce sujet le site <www.firstsounds.org>), mais lorsque l’on considère la masse de documents susceptibles d’intéresser le collectionneur ou le muséologue, sans même parler du matériel technique nécessaire à l’écoute de ceux-ci, on comprend aisément qu’il n’est guère venu le jour où l’on pourra les consulter tous dans un même lieu, fût-il virtuel.À défaut de réunir dans un même lieu toutes les constituantes du patri-moine sonore, même à une échelle locale, on peut quand même tenter de dresser une « cartographie sonore », c’est-à-dire centraliser l’information sur l’état de la conservation des documents sonores. Ce n’est pas une mince tâche, et c’est à celle-là que se sont attelés, à Montréal, les fondateurs de la Phonothèque québécoise. C’est leur histoire que raconte La Rochelle et, ce faisant, il offre aussi au lecteur intéressé par le sujet un grand nombre de pistes de réflexion et de références à explorer. Dorénavant, on saura par où commencer.Le livre est accompagné, naturellement, d’un disque. On y trouve une toute petite œuvre (d’à peine 15 minutes) de l’électroacousticien Jean-Circuit 19-3.indd   119 28/09/09   09:42:50120circuit volume 19 numéro 3Sébastien Durocher, qui y a mêlé un peu paresseusement des extraits sono-res de provenances diverses. Après l’extraordinaire richesse du patrimoine évoqué par La Rochelle dans son essai, le moins que l’on puisse dire, c’est que « c’est un peu court, jeune homme ! » Cathy Beauvallet, Nathalie Cloutier  et Lorraine VaillancourtUn parcours contemporain – NEM 1989-2009 Montréal, indépendant, 2009, sans pagination. Voici un livre qui salue le 20e anniversaire du Nouvel Ensemble Moderne sans en raconter simplement l’histoire, les faits étant surtout rapportés de manière télégraphique, mais en proposant plutôt un recueil d’instantanés impression-nistes, d’esquisses poétiques et de citations glanées ici et là auprès de ceux et celles qui le font vivre chaque jour. Véritable livre d’art, l’œuvre est le fruit d’une étroite collaboration entre Cathy Beauvallet (illustrations), Nathalie Cloutier (photographies, peintures, textes) et la fondatrice du NEM, qui en est aussi la directrice artistique, Lorraine Vaillancourt (textes).L’ardeur presque militante qui sous-tend chacune des actions du NEM depuis sa fondation (en parallèle avec cette revue) est distillée ici à travers les propos des musiciens de l’ensemble, de brefs commentaires qui sont sou-vent des évidences, mais qui n’ont rien de trivial. Ces petites phrases et les esquisses (très réussies) reproduisant les musiciens croqués dans l’action ali-mentent la réflexion du lecteur sur la nécessité de poursuivre l’éternelle mise au monde du patrimoine musical vivant, mais aussi sur le degré de foi néces-saire pour mener à bien un tel projet et sur la chance qu’ont les amateurs de pouvoir compter sur de tels musiciens.Ce regard particulier, fait de portraits approximatifs, de fragments et d’éphémérides nous conduit à des considérations plus générales, et au-delà du chemin qu’a suivi le NEM ces vingt dernières années, le parcours que l’on emprunte est surtout celui de cette drôle d’invention qu’est l’ensemble de musique contemporaine. Circuit 19-3.indd   120 28/09/09   09:42:50121réjean beaucagePaul SteenhuisenSonic Mosaic – Conversations with Composers Edmonton, University of Alberta Press, 314 p.Si le marché de l’édition, aux États-Unis, peut supporter la publication d’un livre tout entier consacré à un com-positeur de musique contemporaine, ce n’est pas souvent que les maisons d’édition canadiennes produisent de tels ouvrages, fussent-ils en langue anglaise. Le livre de Steenhuisen ne décortique pas l’œuvre d’un seul compositeur, mais présente plutôt, à partir d’entrevues basées sur un ancrage dans l’actualité du moment, le travail de 32 compositeurs, dont la majorité (26) sont canadiens. Les choix de l’auteur ayant été déterminés, pour la plupart, par l’interprétation d’une de leurs œuvres dans un concert donné à Toronto (les entrevues étaient préparées pour publication dans le mensuel torontois Wholenote), la liste des compositeurs inclus ici ne représente pas un best of de la musique canadienne (ou contemporaine !), mais elle offre néanmoins un échantillon passablement représentatif des forces en présence en ce début de xxie siècle (compositeurs émergeants et confirmés, canadiens et étrangers, québécois et canadians, et, à travers une palette stylistique qui s’étend de la musique de chambre instrumentale à l’acousmatique, et jusqu’à l’installation).La liste des compositeurs avec qui l’auteur s’est entretenu est fort promet-teuse, comme on le voit : Martin Arnold, Howard Bashaw, John Beckwith, Pierre Boulez, Christopher Butterfield, Marc Couroux, Barbara Croall, George Crumb, Omar Daniel, Francis Dhomont, Michael Finnissy, Keith Hamel, James Harley, Chris Paul Harman, Peter Hatch, Mauricio Kagel, Udo Kasemets, Gary Kulesha, Helmut Lachennmann, Alexina Louie, Robert Normandeau, John Oswald, Juliet Palmer, Jean Piché, Yannick Plamondon, John Rea, James Rolfe, R. Murray Schafer, Linda Catlin Smith, John Weinzweig, Hildegard Westerkamp et Christian Wolff. Il y a là, ma parole, de quoi parler musique ! Évidemment, le ton de la conversation, destiné à rejoindre un public large et déterminé par la relative brièveté du format, ne s’attarde pas à décortiquer en détail les œuvres à la source de ces rencontres, mais le champ des réflexions possibles sur le phénomène musical est heu-reusement plus large que ça. La relation entre musique et politique, la per-tinence du multimédia ou le commentaire sur le travail des collègues sont abordés, entre des dizaines d’autres sujets. Le fait que ces sujets sont abordés rapidement leur évite justement d’être épuisés, et il reste alors au lecteur à poursuivre le travail.Circuit 19-3.indd   121 28/09/09   09:42:50122circuit volume 19 numéro 3Steenhuisen nous tend donc de multiples perches tout en prouvant l’ex-trême diversité des points de vue exprimés au sein de la cohorte des composi-teurs occidentaux vivants au début du xxie siècle. Ce sera un bon livre à lire dans 50 ou 100 ans. En fait, ça l’est déjà.John AdamsHalleluyah Junction –  Composing an American LifeNew York, Farrar, Straus and Giroux, 2008, 340 p.Il y avait déjà The John Adams Reader (Thomas May, Pompton Plains, Amadeus Press, 2006, 455 p.), une réfé-rence de premier ordre pour qui s’intéresse au travail du compositeur amé-ricain, recueillant des notes de présentation rédigées pour le concert ou le disque, des critiques, des entrevues et des analyses. Voici, complément parfait, le point de vue autobiographique. Adams y apparaît sans complaisance, rela-tant ses années de formation et celles de ses succès internationaux avec la même simplicité.De ces années 1960, durant lesquelles il lui arrivait de s’endormir sur le sol d’un appartement rempli de vapeurs illicites en écoutant Jefferson Airplane, The Doors ou Jimi Hendrix (« I made more progress in my command of har‑monic practice by reproducing these pop songs from memory at the piano than I ever did by my forced marches through the figured bass treatises » [p. 40]), Adams rend bien l’extrême bouillonnement, tant sur le plan social, dans un pays politiquement au bord du chaos, que sur le plan personnel, le com-positeur en devenir découvrant simultanément la pop music, la complexité du jazz… et celle des œuvres de Boulez (« Even in an English translation – titled Boulez on Music Today – the book was pretty much impenetrable. Couched in a dense thicket of procedural dicta, it was the work of a technocrat bristling with all the gleaming armaments of his specialized field » [p. 30]). En ajoutant à ce mélange un goût pour la poésie et une oreille ouverte aux expérimentations électroniques, on arrive à tracer le portrait d’un composi-teur d’opéras ultramodernes, et populaires, aux sujets plus qu’improbables (Nixon in China [1985-1987], The Death of Klinghoffer [1990-1991] ou Doctor Atomic [2004-2005], entre autres).Ce qui traverse tout le catalogue de John Adams, c’est son désir, bien souligné dans le titre de l’ouvrage, de composer de la musique américaine (d’autres préféreront étatsunienne). Depuis sa Short Ride in a Fast Machine Circuit 19-3.indd   122 28/09/09   09:42:51123réjean beaucage(1986), jusqu’au Dharma at Big Sur (2003), en passant par American Berserk (2001) et autres Road Movies (1995), le compositeur travaille consciemment, et consciencieusement, à s’inscrire dans le patrimoine culturel de son pays. Il tire d’ailleurs une certaine fierté des critiques, même acerbes, qui l’épinglent précisément sur ce point :A publication from IRCAM, the organ of Pierre Boulez’s scholarly music research institute in Paris, cited the piece as a conspicuous example of American “consume-rism,” and the article’s author placed me in league with two other favorite icons of American culture: Disney and McDonald’s. Grand Pianola Music proved that I was, in the Parnassian judgment of IRCAM, the fast-food king of classical music.How could I say to the disapproving critics of the piece that in the end I loved Grand Pianola Music and am proud of its originality and inspiration? […] There is an openness about it that, for all its satire and nose-thumbing, makes me feel that it rests comfortably in the American vein. (p. 118)Le lecteur sera peut-être surpris de lire le récit de la relation amour/haine qu’a entretenue le compositeur avec la musique et la pensée de Boulez, cher-chant à se persuader que Le marteau sans maître constituait le modèle pour la musique du nouveau millénaire : “I began to carry his scores with me every‑where, hoping that somehow, perhaps by osmosis, they would reveal themselves to me and make me love them as I loved Mozart and Miles Davis’s Kind of Blue” (p. 30). Le compositeur, qui fut aussi à une époque un grand admirateur du travail de « guérilla électronique », auquel se livraient John Cage, Alvin Lucier et David Tudor, finira par être connu et reconnu pour un style pouvant s’ap-parenter au courant minimaliste et qui, certes, n’hésite pas à user des règles traditionnelles de l’harmonie (« I needn’t have worried, as the huge success of popular music and our growing awareness of other non‑Western traditions were already making it clear that tonal harmony was in no danger of demise » [p. 129]).L’auteur décrit son parcours avec un certain talent littéraire, mais l’auto-biographie devient presque un journal à mesure que l’on approche de l’épo-que actuelle, et Adams y commente avec force détails les collaborations et les inspirations ayant mené à ses derniers opéras, ce qui pourra lasser le lec-teur ; cependant, l’ensemble s’avère d’un grand intérêt et permet d’observer l’œuvre du compositeur avec une nouvelle perspective. Outre la fin un peu longuette, le livre se lit presque comme un roman, et il a peut-être même le potentiel pour devenir un best-seller, ce qui serait fantastique, s’agissant de l’autobiographie d’un compositeur vivant, mais il est probable qu’il y aurait des observateurs pour trouver cela de très mauvais goût…Circuit 19-3.indd   123 28/09/09   09:42:51

http://www.erudit.org/revue/circuit/2008/v18/n1/017913ar.pdf

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