Saint-Pierre, Amalà

Revistes Catalanes amb Accés Obert

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Radicals o los nuevos   
límites de la representación
Una mirada reflexiva
Amalà Saint-Pierre
Por segundo año consecutivo, del 10 de 
abril al 7 de mayo, el Teatre Lliure abrió su 
espacio a los artistas europeos más radicales 
de su momento. Con doce espectáculos en su 
programación, el ciclo Radicals Lliure presen-
tó durante cuatro semanas a esta nueva gene-
ración de artistas, en la frontera entre teatro 
y arte interdisciplinario. Jóvenes creadores y 
figuras destacadas como Maria Stamenkovic 
y Guillaume Marie, Roger Bernat, Marta Ga-
lán, Angélica Liddell, Rodrigo García, María 
Jerez, Xavier Bobés, Sergi Fäustino, Rimini 
Protokoll o Joan Baixas y Agustí Fernández, 
formaron parte de este ciclo de artes escéni-
cas llamado —de justa manera— Radicals.    
Las propuestas, entre teatro, poesía, danza, 
música, cine y documental, abarcaron una 
temática común: jugar con los nuevos límites 
de la representación. El arte del siglo xxi ha 
salido de sus fronteras y ha abierto paso a una 
nueva forma de representar, de recibir y de 
expresarse. A través de temas como la ines-
tabilidad emocional, el horror de la violencia 
banalizada por los medios de comunicación 
o las luchas por el dinero y el poder, esta 
generación dirty e intranquila representa 
las nuevas vanguardias de este siglo nuevo. 
Afortunadamente estos jóvenes no se detie-
nen en la diatriba o en la crítica superficial: 
formados también desde una mirada teóri-
ca, o provenientes de otros horizontes, lo-
gran ser extremadamente críticos hacia esas 
temáticas inherentes a una generación des-
orientada ante el fenómeno de la globaliza-
ción, creando así un lenguaje escénico que se 
busca entre violencia, excesos, excrementos, 
ruidos y gestos, reinventándose en los límites 
del teatro, entre cine y documental, entre su-
dor y poesía.  
¿Pero qué es ser radical? «Absoluto», «fun-
damental», «perteneciente o relativo a la raíz», 
«drástico». Incluso la propia etimología de la 
palabra sugiere paradojas entre lo anclado en 
su esencia misma y la voluntad de romper sus 
propias barreras. Y es así como podemos de-
finir a esta generación, retoño del teatro de la 
crueldad propio de Artaud.
El ciclo Radicals Lliure fue el escenario de 
un teatro no complaciente —en el buen sen-
tido de la palabra—, un teatro como reflejo 
de nuestra realidad, de un mundo de difícil 
acceso, que se muestra en la actitud del ex-
ceso, de la provocación, de un teatro sagrado 
y sacrificado. Pero esta experimentación va 
más allá de lo escénico ya que invita al espec-
tador a ser parte de este arte total. Se han 
movido las fronteras de la representación 
así como las del receptor. Este teatro ya no 
se inscribe en su propia raíz —theãtrum, ‘el 
lugar de donde se ve’— sino que crea nue-
vos paradigmas, desde una redefinición del 
rol del espectador, pasando por la creación 
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de nuevos espacios escénicos, hasta el cues-
tionamiento del actor. En ese sentido, los 
radicales se inscriben en la materia de sus 
propios cuerpos. El actor radical vuelve a su 
esencia misma: «el que obra», «el que comete 
la acción». Terminados los principios aristo-
télicos, los radicales, en perpetuo equilibrio 
entre lo drástico y lo esencial, sobrepasan 
sus propios límites, desde la dramaturgia a 
lo escénico y lo corporal. Se crean así nuevos 
paisajes sensoriales. 
El «caso» del espectador
El caso del espectador. Creación e interpretación: María Jerez. Ayudantes técnicos: Gonzalo 
Montón y Cuqui Jerez. Realización de vestuario: Hanna Sjödin. Producción: MUGATXOAN 
2004-Arteleku Gipuzkoako Forum Aldundia, Fundaçao Serralves y la colaboración de In-Pre-
sentable 2004 y del Aula de Danza Estrella Casero de la Universidad de Alcalá de Henares. 
Teatre Lliure, 3 de mayo de 2008.1
Cargo Sofia-Barcelona del colectivo Rimini Protokoll. Creación: Stefan Kaegi. Dirección artísti-
ca: Jörg Karrenbauer. Vídeo: Anja Mayer. Sonido: Florian Fischer. Producción: Goethe-Institut 
Sofia y Hebbel am Ufer Berlin en coproducción con el Theater Basel, PACT Zollverein Essen, 
Le-Maillon Strasbourg y THEOREM. Producción en gira: Anne Schulz. Intérpretes: Ventzislav 
Borissov, Nedyalko Nedyalkov y Tal Ben-Ari. Salida en camión del Teatre Lliure y recorrido por 
diferentes lugares de Barcelona, 3 de mayo de 2008.2
Una de las particularidades de este ciclo de 
teatro radical fue la función y la recepción del 
espectador. ¿Cómo no sentirse sacudido al 
presenciar la fatiga extrema en el cuerpo de 
los actores, tales como María Stamenkovic o 
Angélica Liddell? ¿Cómo no sentirnos confu-
sos al ver a la intérprete de la obra de Rodrigo 
García revolviendo su cuerpo empapado de 
miel en un montón de pelos humanos, como 
una imagen latente de millones de cabezas 
rapadas durante los estragos de alguna guer-
ra mundial? 
Pero quisiéramos hablar en este apartado de 
dos espectáculos en particular que sentaron 
su dramaturgia en base al espectador, cuestio-
nando así su posición de simple observador. 
La primera, de María Jerez, abre su pro-
puesta a partir del título mismo de su monta-
je: El caso del espectador. Con esta obra que se 
mueve entre técnicas teatrales y cinematográ-
ficas, la artista madrileña pone a prueba el rol 
del espectador a través de un dispositivo que 
permite crear un mundo paralelo a la situa-
ción escénica, mezclando así dos ficciones, 
la que presenciamos en el escenario y la que 
el personaje crea en directo con la ayuda de 
muñecas, objetos, libros y una cámara digital. 
Tomando como punto de referencia la litera-
tura de suspense y las películas al puro estilo 
hitchcockiano, Jerez abre una reflexión sobre 
el voyeurismo cuestionando de esta manera 
la función primera del espectador: ser testi-
go ocular sin implicarse en la acción. Tal una 
película de David Lynch y cómodamente sen-
tada en un sillón, María Jerez juega a ser apa-
rentemente simple espectadora de un film. 
Poco a poco —inspirándose en títulos nove-
lescos como El caso de la rubia, El caso de la 
foto trucada3 o bien Testigo de cargo4— la pe-
lícula que se está presenciando en televisión 
termina tomando posesión de la vida misma 
del personaje en escena, como si ésta hubiese 
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ESCENARIS / I. Catalunya
salido de su pantalla para invadir el espacio 
escénico. La inteligencia de la propuesta de 
Jerez reside en que es ella misma —la actriz 
y el personaje— la creadora y manipuladora 
de esta ficción en la ficción. De seguir así en 
esta espiral del observador observado, del es-
pectador mirando a una espectadora miran-
do una película, terminaríamos seguramente 
siendo parte de este film de suspense, como 
en un infatigable juego de muñecas rusas. A 
pesar de la pertinencia de los planteamientos 
conceptuales, María Jerez no logra del todo 
crear este caso del espectador. Hubiésemos 
querido ir más allá en su reflexión porque 
merece toda nuestra atención.
¿Qué pasa cuando, al contrario, el propio 
espectáculo extrae al espectador de su cómo-
da butaca? ¿Cuando el escenario se lleva al 
público fuera, lejos, lejos, muy lejos de nues-
tras fronteras teatrales? ¿Cuando repentina-
mente somos testigo, no de una ficción o de 
una realidad llevada a la ficción, sino de una 
realidad que se vuelca y penetra en el espacio 
de la representación? Tal es la propuesta ab-
solutamente original y vanguardista del gru-
po alemán Rimini Protokoll, compuesto por 
Helgard Haug, Stefan Kaegi y Daniel Wetzel. 
Con este colectivo de artistas vuelve con fuerza 
el teatro-documental, pero embarcando esta 
vez al público en una travesía real al corazón 
mismo de la temática. La obra aquí presenta-
da, llamada Cargo Sofia-Barcelona, habla de 
la dura vida de los camioneros búlgaros en 
sus interminables viajes por las carreteras de 
Europa y del Medio Oriente. En vez de llevar 
la historia real al escenario (como ya lo he-
mos visto tantas veces, creando así una nueva 
ficción), somos nosotros mismos los que su-
bimos en un camión de carga y nos dejamos 
llevar, sin conocer nuestro destino, por las 
calles, los puertos y las carreteras de nuestra 
ciudad. Este curioso objeto artístico, Cargo 
Sofia-Barcelona, va mezclando partes de do-
cumental (proyección dentro del camión), 
vida cotidiana (relatos de los camioneros), 
música (una cantante búlgara en medio de 
una carretera), momentos de visión real del 
afuera (el camión está compuesto por gran-
des vidrios-espejos en donde podemos ver el 
exterior sin ser descubiertos), el todo coro-
nado por actores amateur que se interpretan 
a sí mismos. 
Este proyecto nacido en 2006 se amolda al 
lugar que lo acoge (ya ha estado en Marse-
lla, Burdeos o Tallin), y por ende adapta su 
trayectoria y dramaturgia al público y a las 
diferentes ciudades que atraviesa. De esta 
manera, cada Cargo Sofia se transforma en 
una muestra única e irrepetible, como una 
performance sobre ruedas. 
El teatro de Rimini Protokoll no establece 
una oposición entre el escenario (el vídeo 
proyectado, el camión o la calle) y la audien-
cia, sino que integra ambas esferas en una 
modificación experimental del montaje. Al 
igual que unos viajeros absolutamente vír-
genes a este lugar, el objetivo es interrogar 
y abrir los sentidos a nuestro propio paisa-
je urbano, sensorial, al confrontarnos a las 
múltiples facetas y realidades que componen 
nuestra cotidianidad, la de nuestro vecino, o 
la de los camioneros de Bulgaria.   
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ESCENARIS / I. Catalunya
El teatro sacrificial 
El año de Ricardo, de Angélica Liddell. Creación, dirección, espacio y vestuario: Angélica 
Liddell. Iluminación: Carlos Marqueríe. Banda sonora: José Carreiro. Intérpretes: Angélica Lid-
dell y Gumersindo Puche (Atra Bilis Teatro). Producción: Atra Bilis Teatro, Iaquinandi S.L. Teatre 
Lliure, 2 de mayo de 2008. 5
Arrojad mis cenizas sobre Mickey. Creación y dirección: Rodrigo García. Iluminación: Carlos 
Marqueríe. Vídeo: Ramón Diago. Ayudante de dirección y producción en gira: John Romao. Jefe 
técnico: Fernando Esparza y Roberto Cafaggini. Especialista en fuego: Jean Pierre. Intérpretes: 
Jorge Horno, Juan Loriente y Núria Lloansi. Producción: Rodrigo García, Théâtre National de 
Bretagne/Rennes y Bonlieu Scène Nationale d’Annecy. Teatre Lliure, 4 de mayo de 2008. 6
n Jorge Horno en l’obra Arrojad mis cenizas sobre Mickey, de Rodrigo García. Direcció: Rodrigo 
García. 
   (Christian Berthelot)
Resulta poco fácil contar la trama de cada 
una de estas obras, en el sentido en que no se 
apoyan en una fábula definida ni en un sólo 
lenguaje escénico, sino que exploran una mul-
tiplicidad de lenguajes a partir de los sentidos 
animales enraizados en lo más profundo del 
ser. Mezclando con talento imaginación plás-
tica y reflexión poética, estos dos espectácu-
los nos convidan a una profunda meditación 
—no ausente de humor— sobre la condición 
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humana de este siglo entrante. Si debiésemos 
contar de qué hablan sus textos, diríamos que 
El año de Ricardo —recordándonos al Ricar-
do III de Shakespeare— intenta profundizar 
en las relaciones entre cuerpo y poder, entre 
lo privado y lo público, en una cínica alianza 
con la injusticia. Algo similar evoca Rodrigo 
García, con la diferencia que en Arrojad mis 
cenizas sobre Mickey no hay personaje sino 
voces unidas por el profundo deseo de expre-
sarse en la diferencia: «Me niego a ser la ima-
gen proyectada de los otros», podemos leer 
en Arrojad mis cenizas sobre Mickey. 
Si debiésemos definir con una palabra a 
esta generación radical, diríamos que echan 
sus raíces en un teatro sacrificial en el sentido 
más amplio de su palabra: desde la entrega 
total a algo magno hasta el desapego, el des-
prendimiento de uno mismo. Una vez más 
jugamos con los diferentes sentidos de una 
palabra, en donde la entrega es abnegación. 
El radical —en perpetua contradicción entre 
lo arraigado y lo quebrantado— no puede 
sino ser sacrificial. Esta estética se cristaliza 
tanto en el trabajo del argentino-madrileño 
Rodrigo García y su compañía La Carnice-
ría Teatro, como en el de la catalana Angéli-
ca Liddell con su Atra Bilis Teatro: un teatro 
que se apodera de lo monstruoso, lo sucio y 
lo incorrecto para alzarlo al nivel de lo subli-
me. Sus dramaturgias se inspiran en temáti-
cas comunes como la sociedad de consumo, 
la corrupción, los excesos de nuestro siglo, 
las guerras, la monstruosidad o los grandes 
clásicos. Mezclando a su vez las artes inter-
disciplinarias, nuestros radicales aportan una 
mirada poética a estos diferentes conceptos 
y lenguajes, creando así un ritual cargado 
de violencia. Violentos en el sentido en que 
exponen la carne, tanto la propia como la de 
consumo. Y la carne es violencia porque es 
sudor, sexo y muerte. La representación de la 
carne es entonces violenta al igual que la re-
presentación de la violencia ha de ser carnal: 
un bello exceso lleno de paradojas. «La vio-
lencia se cuela por todas partes», dice uno de 
los actores en Arrojad mis cenizas sobre Mic-
key. En esta frase se concretiza la esencia del 
teatro radical. Todo en ello deviene material 
y materia a esculpir, a escupir: desde el texto 
que construyen y destruyen a ultranza, pa-
sando por los objetos y gestos de lo cotidiano, 
como comerse una hamburguesa o tirarse un 
pedo, hasta sus propios cuerpos que agotan, 
golpean o ensucian en impulsos rabiosos y 
tan poéticos a la vez. 
Como subraya Angélica Liddell, su dra-
maturgia proviene del «asco» del teatro y 
de la sociedad. Podríamos decir lo mismo 
respecto a Rodrigo García... En efecto, ¿qué 
es el teatro sino reflejo de nuestro mundo? 
El teatro de estos radicales (aunque Liddell 
afirma no hacer teatro) vomita en reacción 
inmediata a nuestro entorno. No por nada 
se bautizaron Carnicería Teatro o Atra Bilis 
Teatro: las imágenes de la carne y de nuestros 
flujos internos está constantemente presente 
en estas dramaturgias del exceso, un exceso 
liberador y trasgresor. Podríamos decir que 
en la poesía de este teatro sacrificial, libera-
ción y trasgresión son ideas afines. No hacen 
teatro para ellos mismos, sino para sacudir 
al espectador que accede a la representación 
teatral desde su postura de la decencia. Como 
bien dice Angélica Liddell, hay que situar al 
público frente a su «gemelo» pobre, criminal, 
enfermo, indecente… Finalmente, hay que 
situarlo frente a lo más horrible que pueda 
haber: nosotros mismos, ellos mismos, usted 
mismo..., como un reflejo cóncavo, al más 
puro estilo barroco. 
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NOTES
1. El caso del espectador. Estrenado en junio de 2004 en el Festival In-Presentable 04 en La Casa 
Encendida (Madrid) y en Arteleku (San Sebastián) como parte del programa MUGATXOAN 
2004.
2. Estrenado en Basel (Suiza), el 31 de mayo de 2006.
3. G. D. H. y Margaret Cole. El caso de la foto trucada, 1ª edición febrero de 1946.
4. ChrisTie, Agatha. Testigo de cargo (Witness for the Prosecution and Other Stories), 1948.
5. liddell, Angélica. El año de Ricardo. Bilbao: Ed Artezblai. Colección Textos Teatrales, n. 28, 
2007. El año de Ricardo se estrenó en el Teatro de los Manantiales de Valencia el 15 de diciembre 
de 2005.
6. gArCíA, Rodrigo. Et balancez mes cendres sur Mickey (Arrojad mis cenizas sobre Mickey), tra-
ducido al francés por Christilla Vasserot. Besançon: Editions Les Solitaires Intempestifs, 2007. 
Arrojad mis cenizas sobre Mickey se estrenó en el marco del X Festival Mettre en Scène/Théâtre 
National de Bretagne (Rennes, Francia), noviembre de 2007.
La Fur(i)a del terrorismo
Amalà Saint-Pierre
Boris Godunov, de La Fura dels Baus. Idea original y dirección artística: Àlex Ollé. Dirección 
escénica y dramaturgia: Àlex Ollé y David Plana. Texto original: David Plana. Dirección musical: 
Josep Sanou. Creación vídeo: Frank Aleu Urano. Vídeo: Joan Rodon. Escenografía y atrezzo: 
Alberto Pastor. Vestuario: Catou Verdier. Iluminación: Pere Capell y Àlex Ollé. Ayudanta de 
dirección: Anna Rodríguez. Intérpretes: Pedro Gutiérrez, Sara Rosa Losilla, Pep Miràs, Juan 
Olivares, Francesca Piñón, Albert Prat, Òscar Rabadan, Fina Rius y Manel Sans. Dirección de 
producción: Carles Manrique. Producción ejecutiva: Susanna Jove. Teatre Nacional de Cata-
lunya, 7 de mayo de 2008.
Boris Godunov, de Àlex Ollé y David Plana, 
pone en escena la toma del teatro Dubrovka 
de Moscú en 2002 por parte de unos terro-
ristas chechenos, mientras se representa en el 
escenario el texto Boris Godunov, de Alexan-
der Puixkin. Con esta obra, La Fura dels Baus 
—tan conocido por su teatro participativo— 
nos lleva a experimentar la frontera incierta 


Radicals o los nuevos límites de la representación. Una mirada reflexiva

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