Ruggeri Marchetti, Magda

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MUESTRA DE TEATRO DE LAS AUTONOMíAS 
Magda Ruggeri Marchetti 
De Jerusalén a Jericó, de Ignacio Amestoy 
Dirección: Ainhoa Amestoy D'Ors.lntérpretes: Garbiñe Insausti, Blanca Herrera, Fran Fernández 
Asensio, Nicoleta-Cristina Tomescu, Borja Cortés. Didascalia Teatro, Madrid. Colaboración de 
APANEFA (Asociación de Daño Cerebral Sobrevenido). Muestra de Teatro de las Autonomías. 
Teatro Fernando de Rojas, Círculo de Bellas Artes. 
Ignacio Amestoy, premio Nacional de Dramaturgia, ha dedicado siempre una gran atención 
al mundo femenino, que muy a menudo constituye el núcleo central de sus dramas, y en parti-
cular a la mujer vasca. En sus últimas obras, una tetralogía (Cierro bien lo puerto, Rondó poro dos 
mujeres y dos hombres, Chocolate poro desayunar; De Jerusalén o Jericó), ha abandonado el tema 
de su región para dedicarse enteramente a los problemas de la mujer contemporánea tratando 
aspectos de la cotidianeidad que conoce bien como periodista, otra faceta profesional suya. 
En particular. en la obra que nos ocupa, Amestoy exalta el papel de una mujer moderna, 
Isabel, que, confiando en las últimas líneas educativas apoyadas también por la medicina, es la 
verdadera salvadora de su hermana menor, Paula, discapacitada mental tras un accidente sufrido 
a los trece años. 
En efecto, para que se realice como persona quiere sacar a la pequeña del colegio, donde la 
ha puesto la madre, ya muerta cuando empieza la función. Piensa que, aunque la hermana tenga 
sus problemas, tiene derecho a vivir su vida, a realizarse fuera de residencias especiales. Al prin-
cipio Paula se resiste, pero Isabel consigue convencerla y en este sentido es la samaritana de su 
hermana, como alude el título de la obra. En efecto, cuando la coloca como empaquetadora en 
una tienda de juguetes, la joven empieza a sentirse responsable, a conocer gente que ya trabaja 
y en particular a un chico también minusválido con el cual hace planes para el futuro. La estima 
que Amestoy tiene de la mujer se aprecia también en la descripción del personaje de la prosti-
tuta Lilí que, si en un primer momento se ha prestado al juego sucio de Mateo, el hermano de 
las chicas, cuando ve que pega a Paula, le abandona. 
El montaje de Ainhoa Amestoy D'Ors es muy respetuoso del texto, pero con detalles esen-
ciales que subrayan su personalidad. Ha tenido la gran idea de hacernos llegar a través de la voz 
en off de Charo Soriano las recomendaciones de la madre y los pasajes bíblicos que le enseñaba, 
así que de esta manera materializa a un personaje ausente de gran peso. En efecto, fue la madre 
quien, en nombre de una educación ultracatólica, había querido que se recluyera en un colegio 
tras haberse quedado embarazada por una violación y haber sido obligada a dar a luz. Lo mismo 
sucede en la segunda parte, donde a través de esta voz el espectador revive el maltrato que 
sufrió su madre antes de que su padre los abandonara para siempre. 
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La directora ha suavizado el personaje del hermano. Si en el texto es sólo un violento, ladrón, 
de talante delictivo, en la representación, aunque su comportamiento siga dejando mucho que 
desear, es más tierno y la directora resalta la influencia negativa de la brutalidad del padre.Tam-
poco su aspecto es duro. Se ha tenido acierto en escoger a un actor que a veces parece ejercer 
su maldad con ternura, aunque nunca decae la tensión frente a la violencia. 
Muy interesante también la representación de los instantes previos a la pelea. Paula se siente 
encerrada y tiene un momento de exaltación, mezclando los recuerdos del hospital con los de 
la paliza del padre e intenta escaparse. vaga por la habitación buscando la puerta y el espectador 
ve su imagen deformada detrás del cristal, una imagen slmbolo de la desesperación de su alma 
en aquel trance. 
Sabemos que la directora y todo el reparto han frecuentado durante largo tiempo la orga-
nización APANEFA para compartir la vida tanto de los jóvenes enfermos como de sus cuidado-
Espectacle De Jerusalén a Jericó, d'lgnacio Amestoy, 
a la Muestra de Teatro de las Autonomías 2004, Madrid. 
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res. Y esta frecuentación ha sido muy proficua, porque en el espectáculo está muy logrado el 
agudo contraste entre la realidad objetiva y la de la mente de Paula. A este fin juega un papel in-
discutible la música, compuesta especialmente para este montaje y totalmente al servicio del 
estado mental de la joven discapacitada. Si al principio es un motivo intranquilo o angustioso, 
cuando ella empieza a trabajar y la esperanza vuelve a brillar; la música se hace más suave y su-
braya que en su mente perviven sus ilusiones. 
La directora evita el riesgo del melodrama mezclando momentos dulces y cómicos que 
traen la sonrisa a pesar de la situación y lo consigue a través de detalles cotidianos como las 
bolsas de la compra, el grifo con el agua, etc., etc. 
La escena final libera a través del humor al espectador; que en la precedente ha temido que 
podía tener lugar un crimen. Y con una tierna sonrisa termina este bonito espectáculo donde 
todo el reparto alcanza un alto nivel. La interpretación de Garbiñe Insausti en el papel de Paula 
es extraordinaria. Sus movimientos inseguros, casi mecánicos, son exactamente los de este tipo 
de enfermos. Blanca Herrera es una Isabel tierna, pero al mismo tiempo severa, y siempre con 
delicadeza consigue convencer a la hermana de la importancia del trabajo. 
El espectáculo en su conjunto resulta de una enorme frescura y es un canto a la vida verda-
deramente consegu·ldo. El éxito ha sido tal que las representaciones han continuado en elTeatro 
Galileo de Madrid. 
Bodas de sangre, de Federico Gorda Larca. 
Dramaturgia: José Ramón Fernández. Dirección: Antonio Saura. Intérpretes: Ángeles Tendero, 
Alfredo Zamora, Susi Espín, Jacobo Espinosa, Lola Martínez, Julio Navarro Albero, Antonio M. M., 
Esperanza Ciares. Alquibla Teatro. Murcia. Muestra de Teatro de las AutonomíasTeatro Fernando 
de Rojas, Círculo de Bellas Artes. 
Tras una gira portoda España, llega a Madrid este interesante espectáculo que subyuga al es-
pectador desde el principio hasta la última escena. José Ramón Fernández,joven pero conocido 
autor; premio Lope de Vega por su última pieza, Nino, ha realzado aún más la gran obra de Lorca 
acortándola, reduciendo el número de personajes y practicando un juego de intertextualidad 
con la adición de textos propios junto con otros poemas del poeta granadino. En efecto, pervi-
ven la insistencia en las fuerzas ocultas de la naturaleza, no controlables y capaces de hacer enlo-
quecer y destruir; así como el cuchillo y la navaja, signos fascinantes y funestos omnipresentes en 
la obra, o el tema del caballo, símbolo de sexo y muerte. 
La acción es la materialización escénica del recuerdo obsesivo de la madre, que está presen-
te siempre y todo lo ve, y se organiza en un entrecruzamiento de espacios con un tiempo cíclico. 
En efecto, cuando empieza la función ella deja fiares- en una depresión cuadrada central que re-
presenta ahora la tumba de sus familiares, tumba de la que se alza el Novio, mientras todos los 
personajes están presentes y alguien pregunta si estuvieron en la boda. Al otro lado del escena-
rio la mujer de Leonardo acuna a un niño y la Madre vuelve a su casa, identificada por una me-
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cedora, y allí comienza a excavar en su recuerdo, momento en que José Ramón Fernández 
inserta versos de la Canción de lo Madre del Amorgo. La obra da comienzo con ese recorrido de 
la memoria, mientras labradores trabajan la tierra y un hombre y una mujer; que resumen a to-
dos los personajes menores (la criada, la vecina, las muchachas, la luna, la muerte, los leñadores 
y mozos), representan a ese pueblo que murmura y que, propagando habladurías, acaba por 
provocar la tragedia. 
En el texto de Larca la escena entre la Novia y Leonardo ocurre antes de la boda, tras la que 
tiene lugar la fiesta con muchos personajes. El adaptador convierte la ceremonia en un ~ash y 
reduce toda la acción al momento en que la fiesta está acabando y queda poca gente. Allí se 
hablan los dos enamorados y comienza la parte vertiginosa de la obra, subrayada por la repeti-
ción obsesiva de la frase «No la dejes sola» que refleja la fatal atracción sexual entre ellos, 
arrastrados por fuerzas telúricas imposibles de dominar. Comienza así la persecución de los 
amantes. El espectáculo adquiere un ritmo veloz y se utilizan fragmentos del Diálogo del Amorgo. 
La obra de Larca no muestra la lucha. En el espectáculo se simboliza a través de un abrazo 
mortal entre los dos rivales mientras la luna, fuerza natural y signo de fatalidad, exhibe los cu-
chillos y asiste al sacrificio como los dioses de Eurípides en Los bacantes, y un actor; ahora en-
carnación de la muerte, recita, sentado al borde del escenario, un poema desolador del poeta 
granadino: «Gacela de la muerte oscura». 
El último acto está reducido al mínimo, limitándose a cuatro monólogos y algunos versos de 
José Ramón Fernández para los que se ha utilizado la música de los auroras, cantos fúnebres 
murcianos. 
El montaje de Antonio Saura es muy moderno y la escenografía recrea en una única solu-
ción todos los espacios. El fondo de cortinas de esparto, una palangana donde se lava la novia y 
algunas sillas sencillas contribuyen a crear un ambiente rural. La modernidad del decorado alcan-
za todavía más vigor con la música creada expresamente por Salvador Martínez y la intensidad 
del texto lorquiano. 
Los actores alcanzan un alto nivel, sobresaliendo Ángeles Tendero en el papel de la Madre. 
El montaje en su conjunto es poético y al mismo tiempo de fuerte impacto y gran potencia 
expresiva y refleja un trabajo serio y minucioso. 
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