Ruggeri Marchetti, Magda

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ESCENARIS
II. Espanya i arreu
Ópera en el 
Teatro Real de Madrid
Magda Ruggeri Marchetti
Faust-bal, de Lleonard Balada. Director musical: Jesús López Cobos. Director de escena: 
Joan Font. Escenógrafo y figurinista: Joan Guillén. Coreógrafo: Xevi Dorea. Iluminador: 
Albert Faura. Director del coro: Peter Burian. Director del coro de niños: Félix Redondo. 
Intérpretes: Ana Ibarra, Gerard Siegel, Tómas Tómasson, Cecilia Díaz, Stefano Palatchi, 
Fernando Latorre. Coro de Niños de la Comunidad de Madrid. Coro y Orquesta Titular del 
Teatro Real. Madrid, 13 de febrero de 2009.
Tannhäuser, de Richard Wagner. Dirección musical: Jesús López Cobos. Dirección de es-
cena: Jan Judge. Escenógrafo y figurinista: Gottfried Pilz. Iluminador: Mark Doubleday. 
Director del coro: Peter Burian. Intérpretes: Peter Seiffert, Christian Gerhaher, Petra María 
Schnitzer, Lioba Braun, Günther Groissböck, entre otros. Coro y Orquesta Titular del Teatro 
Real. Madrid, 13 de marzo de 2009.
Il ritorno di Ulisse in patria, de Claudio Monteverdi. Director musical: William Christie. Di-
rector de escena, escenógrafo y figurinista: Pier Luigi Pizzi. Iluminador: Sergio Rossi. In-
térpretes: Kobie van Rensburg, Christine Rice, Cyril Auvity, Joseph Cornwell, Umberto 
Chiummo, Luigi de Donato, Marina Rodríguez Cusí, Juan Sancho, Claire Debono, Hanna 
Bayodi-Hirt, Robert Burt, entre otros. Teatro Real, Madrid, 17-30 de abril de 2009.
El bien contra el mal
El Teatro Real ha encargado Faust-bal 
a cuatro grandes talentos y a su estreno 
mundial ha acudido también numerosa 
prensa internacional. El libreto es de Fer-
nando Arrabal, conocido dramaturgo, 
escritor provocador, nombrado Trascen-
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ESCENARIS / II. Espanya i arreu
n Faust-bal, de Lleonard Balada. Director musical: Jesús López Cobos. Director de escena: 
Joan Font. Coro y Orquesta Titular del Teatro Real. Madrid, 13 de febrero de 2009..
 (Javier del Real.)
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dente Sátrapa en el Colegio de Patafísica, 
ciencia de lo excepcional, de las solucio-
nes imaginarias y de los excesos. Muchos 
son los ingredientes, tratados con ironía 
y absurdidad en un lenguaje barroco: 
amor, pasión, celos, eutanasia, clonación 
humana, machismo, homosexualidad, 
todo ello situado en un tiempo y en un 
espacio indeterminados. 
El tema fundamental, sin embargo, es 
una lucha entre el bien y el mal, encar-
nados por Faust-bal, mujer bellísima, 
valiente, tierna y generosa y Margarito, 
egoísta, torpe, violento y machista, apo-
yados la primera en un dios distante e 
indiferente, el segundo en un Mefistófe-
les atractivo y elegante, pero sin mucha 
fuerza. Con estos componentes el bri-
llante director Joan Font ha realizado un 
gran espectáculo, valorizando cada deta-
lle y mejorando sensiblemente el texto. 
Por ejemplo se ha resuelto la violación 
y muerte de Faust-bal por medio de un 
gracioso torneo medieval donde los con-
tendientes cabalgan unas estructuras me-
tálicas móviles, la mujer con alas de ángel 
y un escudo por toda defensa y el hom-
bre, subido a lo que un recubrimiento de 
corazas convertirá en toro esquemático, 
enarbolando una enorme asta, claro sím-
bolo fálico. Se han omitido muy acerta-
damente los trece minutos de silencio 
que pide el libreto después de la muerte 
de la heroína. Señalamos en especial el 
aspecto de Margarito, que recuerda tanto 
las posturas de Mussolini como la robus-
ta complexión del general Schwarzkopf 
de la primera guerra del Golfo. Todo el 
montaje ofrece una visión simbólica y su-
rreal. Muy acertado, también, el vestua-
rio: blanco para los personajes positivos, 
Dios y Faust-bal, rojo para los negativos, 
Margarito y Mefisto. Perfectas las ama-
zonas en su doble vertiente guerrera y 
femenina, nunca agresivas, sólo prontas a 
defenderse. Muy original también el as-
pecto de los soldados de Margarito y su 
movimiento. 
Lleonard Balada, autor de la música, 
que es el núcleo de la ópera, nació en Sant 
Just Desvern en 1933 pero está afincado 
en los Estados Unidos desde 1956, don-
de se naturalizó en 1981 y donde ejerce 
como profesor de composición desde 
1970 en la Carnegie Mellon University, 
en Pittsburgh, Pennsilvània. En los años 
ochenta empezó a dedicarse al género 
operístico y ha estrenado cinco obras. La 
partitura que nos ocupa es ecléctica, po-
liédrica, llena de contrastes, como los dos 
protagonistas. Acompañan a Margarito 
sonidos de metales, llenos de connotacio-
nes bélicas que a veces se convierten en 
bombardeo. 
El mismo compositor escribe que al 
concebir la primera escena de la segunda 
parte, que de la juerga pasa a la histeria 
evolucionando hacia una breve marcha 
militar, ha pensado en las arengas de 
Adolf Hitler. 
La música que acompaña a Faust-bal, 
en especial en la escena de amor con la 
amazona o mientras da a luz a la niña clo-
nada, es íntima, casi mística y de índole 
lírica. El compositor logra conciliar rit-
mos guerreros y delicado lirismo, dulces 
emociones e irónicas provocaciones. En-
contramos en la partitura aires de danzas 
y altos fragores y, como único elemento 
folclórico, «El cant des ocells».
El cuarto talento aquí reunido, Jesús 
López Cobos, supo resaltar los efectos es-
peciales de la partitura con gran meticu-
losidad y la orquesta le siguió con entrega 
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demostrando toda su maestría. Los can-
tantes en general con buenas voces, aun-
que sin la posibilidad de lucir el bel canto 
al estar al servicio de este tipo de música. 
Ana Ibarra encarnó una dulce Faust-bal, 
perfectamente secundada por la Amazo-
na (Cecilia Díaz), Gerard Siegel un Mar-
garito muy convincente en sus actitudes 
de dictador. Tómas Tómasson (Mefistó-
feles) y Stefano Palatchi (Dios) dibujaron 
bien sus personajes. Un elogio especial al 
Coro. En conjunto un espléndido espec-
táculo, pero una desconcertante noche de 
teatro lírico. 
Pasión carnal y espíritu
Ópera romántica sobre libreto del mismo 
Wagner, Tannhäuser se estrenó en el Tea-
tro Real de la Corte de Sajonia de Dresde 
el 19 de octubre de 1845. Entre las óperas 
juveniles es sin duda la más profunda y 
rica en novedades musicales. Se encuen-
tra, como en el precedente Der fliegende 
Holländer, el tema de la redención a tra-
vés de la muerte y se añade el del conflicto 
entre alma y cuerpo, entre la sensualidad 
y la espiritualidad. Tannhäuser es un per-
sonaje histórico de Minnesänger, prota-
n Tannhäuser, de Richard Wagner. Dirección musical: Jesús López Cobos. Dirección de esce-
na: Jan Judge. Coro y Orquesta Titular del Teatro Real. Madrid, 13 de marzo de 2009.
 (Arxiu AIET.)
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ESCENARIS / II. Espanya i arreu
gonista de muchas leyendas medievales 
nórdicas que Wagner ha fundido con la 
del torneo de canto en el castillo de Wart-
burg, inspirándose, para el personaje de 
Elisabeth, en la reina de Hungría, cantada 
por los poemas de la Alta Edad Media. 
En esta composición dos mujeres son 
las protagonistas principales: Venus que 
representa el amor carnal y Elisabeth el 
celestial, que triunfará sobre el primero, 
consiguiendo con su muerte obtener la 
salvación del alma de Tannhäuser. Wag-
ner estuvo siempre insatisfecho de esta 
composición y siguió revisándola duran-
te treinta años, llegando a escribir cuatro 
versiones.
El montaje del Teatro Real, producción 
de la Ópera de Los Ángeles, nos ofre-
ce en el primer acto la versión de París, 
mientras que en el segundo y tercero la 
de Dresde. Jan Judge nos propone una 
rotunda puesta en escena, sirviéndose 
también de todas las posibilidades que 
brinda el escenario del Real, con una elec-
ción de colores sugestiva y simbólica: el 
rojo para el desenfreno de la pasión en el 
primer acto, el blanco para la sublime pu-
reza de Elisabeth y la religiosidad de los 
peregrinos y el verde en el tercero como 
la esperanza de la salvación. Muy elegante 
también la fiesta en el castillo de Wart-
burg. Único momento francamente de-
plorable, por su innecesaria vulgaridad, 
la escena de la bacanal, que sólo la belleza 
de la música ha conseguido mitigar. En 
efecto Jesús López Cobos consigue, como 
siempre, que la Orquesta dé gran muestra 
de su habilidad en una partitura nada fá-
cil. Todas las dificultades están resueltas 
con atención y sapiencia por la muy apa-
sionada batuta del director, que entra en 
la esencia de cada personaje y nos la trans-
mite con naturalidad. Le sigue un foso 
ampliado a 85 elementos en lugar de los 
64 habituales, con una magnífica sonori-
dad llena de armonías. Es emocionante 
escuchar esta orquesta, en especial en las 
grandes piezas sinfónicas: la obertura y la 
bacanal del primer acto y el preludio del 
tercero. A ello hay que añadirle una cali-
dad de prestaciones vocales extraordina-
rias. El tenor Peter Seiffert (Tannhäuser) 
entusiasma por su intensa labor dramáti-
ca y su fuerza vocal. El barítono Christian 
Gerhaher compone un Wolfram humano 
y maduro, noble como persona, con un 
espesor de timbre y envergadura vocal 
encomiables. Señalamos en particular la 
Canción de la estrella del tercer acto. La 
soprano Petra Maria Schnitzer con un 
timbre delicioso compone una Elisabeth 
intensa, imagen del dolor postrado pero 
digno. Lioba Braun, una Venus seduc-
tora y apasionada luce una buena voz y 
Günther Groissböck representa con au-
toridad a Landgrave Hermann. El coro es 
excelente y en conjunción con la orquesta 
resulta a veces estremecedor y entusiasma 
a los espectadores. 
Vuelve Ulisses
Es altamente encomiable que el Teatro 
Real dedique tres temporadas a la trilogía 
de Monteverdi, universalmente conside-
rada el acta de nacimiento de este géne-
ro. Concretamente esta segunda entrega 
representa el pasaje desde el espectácu-
lo de corte, como el Orfeo que vimos el 
año pasado, al teatro comercial, porque 
el primer estreno de Il ritorno di Ulisse in 
patria tuvo lugar con un público de pago 
en el Teatro dei Santi Giovanni e Paolo 
de Venecia en febrero de 1640. Presenta 
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una estructura adecuada para su reposi-
ción en múltiples ocasiones, bien distinta 
de la del Orfeo, con sus escenas bucóli-
cas y danzas madrigalescas, pensado para 
acontecimientos únicos. En efecto, Il ri-
torno di Ulisse se representó diez veces en 
Venecia y en ese mismo año fue puesto en 
escena también en Bolonia. 
Monteverdi es plenamente consciente 
de esta evolución, su estilo va simplifi-
cándose y sus dos obras Il ritorno di Ulisse 
y L’incoronazione di Poppea servirán en 
adelante como modelo para la ópera. La 
partitura está llena de contrastes, abrién-
dose con el maravilloso lamento de Pené-
lope al que sigue el apasionado encuen-
tro de Melanto y Eurímaco que exaltan 
los placeres del amor sensual. Además 
el divino Claudio emplea módulos muy 
distintos para cada personaje. Una músi-
ca triste acompaña siempre a la austera y 
dolorida presencia de la reina y de su no-
driza, mientras ritmos de danza presen-
tan a Iro. El libreto de Giacomo Badoaro 
está basado en los cantos de La Odisea y 
presenta una mezcla de personajes huma-
nos y divinos.
El Teatro Real en coproducción con la 
Fenice de Venecia ha reunido para este es-
pectáculo a dos grandes talentos: William 
Christie y Pier Luigi Pizzi, que ya se ha-
bían encargado también de dirigir Orfeo. 
El director musical, un conocido especia-
lista en Monteverdi, a la cabeza de la ex-
traordinaria orquesta Les Arts Florissants, 
toca el clave y dirige con entusiasmo a los 
dieciséis expertos instrumentistas, resal-
tando detalles tímbricos, expresando con 
sabiduría las arias llenas de coloraturas del 
mundo de los dioses y las más fastuosas 
de los pretendientes. Fundó en 1979 esta 
orquesta, una de las más estimadas en la 
interpretación de música antigua con ins-
trumentos originales.
Por su parte el gran Pier Luigi Pizzi ha 
contribuido al renacimiento de varias 
piezas barrocas, atraído también por este 
género, aunque ha dirigido con éxito di-
ferentes óperas de todas las épocas. No 
es casualidad que se le haya galardona-
do con numerosos premios. Profundo 
humanista, ha sabido asimilar todas las 
influencias de la época y, como siempre, 
nos ha brindado un espectáculo extraor-
dinario tanto desde el punto de vista es-
cenográfico como del vestuario y de la 
interpretación, siempre contenido en los 
pasajes trágicos y en los cómicos. Pero no 
faltan momentos espectaculares: la llega-
da del barco de los Feacios, el dios Neptu-
no surgiendo del mar, el vuelo del águila 
que precede a la imponente aparición de 
Júpiter, entre otros. Al mismo tiempo el 
espacio escénico es muy sencillo: en la I 
parte sólo hay un árbol rodeado de rocas, 
pero con la discreta presencia del telar de 
Penélope en la izquierda. En la segunda, 
unas torres transparentes definen el espa-
cio del palacio de Ulises. 
El vestuario intemporal combina di-
ferentes estilos: Penélope y la nodriza 
siempre con la misma túnica, la primera 
de color morado y la segunda de negro, 
como requiere su estado de ánimo que 
contrasta con el rojo del traje de Melanto, 
símbolo de su sensualidad. Los dioses con 
sus atuendos clásicos: fastuosos Júpiter y 
Juno, azul como su reino, incluso el ros-
tro, Neptuno. Más sencilla Minerva, que 
muy a menudo se mezcla con los morta-
les, pero siempre tocada de estilizado yel-
mo blanco. Muy acertado el vestuario de 
los Procios, que recuerda a los caballeros 
del siglo xviii.
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Desde el punto de vista canoro el am-
plio reparto es en verdad de buen nivel. 
Habría que mencionarlos a todos pero 
seguramente destacan Christine Rice, 
una triste Penélope que nos transmite 
sus emociones, en especial en el famoso 
lamento del I acto y en el aria del final, 
llena de florituras («Illustratevi o Cieli»); 
el fuerte Ulises de Kobie van Rensburg, 
que hemos admirado en el conmovedor 
encuentro con Telémaco (Cyril Auvity) 
en el que sus magníficas voces se alter-
nan de manera apasionada. Señalamos 
también a la soprano Claire Debono en 
el papel de Minerva, Marina Rodríguez 
Cusí (Ericlea) y Hanna Bayodi-Hirt (Me-
lanto). Robert Burt (Iro) lució además de 
su buena voz, grandes dotes como actor. 
¡Un gran espectáculo! 
Luis Olmos y Bernardo Sánchez han 
preparado un texto para insertar dentro 
de un marco argumental partes significa-
tivas de las más populares zarzuelas: en 
1941, Apolonia, viuda de un empresario, 
es la dueña de un famoso teatro del gé-
nero pero está a punto de perderlo por 
la crisis de la posguerra. Para salvar la si-
tuación reúne en su local a los antiguos 
miembros de la compañía y les asegura 
que existen unos socios interesados en 
producir una reposición de la famosa an-
tología lírica que les dio tanta fama en los 
años anteriores al conflicto. A las típicas 
referencias a la actividad escénica se aña-
de la alusión a la difícil situación de Espa-
ña bajo la dictadura con la introducción 
de un joven, perseguido por sus ideas po-
líticas, que Apolonia esconde en su teatro 
y que es causa de repetidas irrupciones de 
la policía en el escenario.
Este esbozo de enredo se alterna con 
los ensayos de la compañía, ofreciendo al 
público diferentes escenas que le dan la 
oportunidad de disfrutar de fragmentos 
populares de varias zarzuelas: El barberi-
llo de Lavapiés, Doña Francisquita, La del 
manojo de rosas y muchas otras. Los es-
pectadores las reconocen, algunos las ta-
rarean en voz baja y, todos emocionados, 
aplauden con entusiasmo. El decorado es 
sencillo, porque todo se desarrolla en un 
escenario vacío donde sólo hay un piano 
y unas sillas, pero a medida que cambian 
los ensayos unos paneles descienden for-
mando cuadros a veces verdaderamente 
graciosos.
Desde el punto de vista musical el 
maestro Enrique Diemecke consigue que 
la orquesta le siga con pasión así como el 
coro que canta con fuerza y que hemos 
admirado en especial en la «Canción del 
sembrador» donde también el barítono 
Juan Jesús Rodríguez lució su voz fuerte 
y plena. En efecto, desde el punto de vis-
ta vocal todo el reparto es de buen nivel 
y sin duda destacan Ana Ibarra, Susana 
Cordón, Julio Morales y Alex Vicens. En 
la interpretación hay que señalar la gran 
actuación de Esperanza Roy, siempre 
presente en el escenario en un papel nada 
fácil. Especialmente conseguida la segun-
da parte donde el ritmo se hace más in-
tenso. Muy logrado el vestuario brillante 
y rico en colores, sobre todo en los bailes 
y en especial en la magnífica «Jota de La 
Dolores» que nos entusiasmó a todos.


Ópera en el Teatro Real de Madrid

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