Manjón Rodríguez, Rafael

Aurora Papeles del Seminario Mar�a Zambrano

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Rafael Manjón Rodríguez 
El arte como 
''conocimiento y revelación" 
" 
"( ... ) el arte es un medio de conoci-
miento y revelación. Los grandes, los creadores ver-
daderos, no pueden ser sino aquellos que en cual-
quiera de las artes hayan logrado revelar algo".l 
n un artículo de María 
Zambrano publicado 
en 1933, y titulado 
Nostalgia de la Tierra2 , 
aparece la pnmera 
incursión de la autora 
en la reflexión sobre el 
arte y, en concreto, 
sobre las artes plásti-
cas. Encontramos en este texto una alusión y 
reflexión sobre tres corrientes pictóricas: 
Impresionismo, Cubismo y Expresionismo. 
Pero más que un acercamiento estrictamente 
artístico hemos de ver en él una reflexión filo-
sófica cuyo alcance intentaré desarrollar a lo 
largo de este artículo. 
Considera María Zambrano que estas 
tendencias plásticas, expresiones del arte 
moderno, han llegado a una encrucijada tal 
que han acabado reduciendo y simplificando 
la realidad, a través de su concreción pictórica, 
a puro fantasma o a pura racionalidad geomé-
tricamente diseñada. Es como si un empirismo 
radical (presente en el impresionismo) o un 
racionalismo con toda su carga de idealismo 
(presente en el cubismo) fueran las únicas refe-
rencias filosóficas y artísticas de estas primeras 
décadas del siglo XX. Un cierto kantismo 
parecía necesario. Y a esta aventura parece que 
se lanzó, desde el punto de vista pictórico, el 
expresionismo. Pero también él se olvido de la 
realidad, del mundo, de la tierra, del espacio. 
Fijó el grito y el desgrarro en una realidad 
Inconexa que parecía únicamente intentar 
provocarnos. 
Pero quizá lo más importante es la afir-
mación de que esta forma de entender y expre-
sar el arte forma parte de lo que María Zam-
brano denomina una estética experimental, un 
juego del arte consigo mismo. Un abuso de y 
por la técnica al que denomina también como 
arte deshumanizado. Es precisamente este cali-
ficativo el que nos pone tras la pista de una 
obra, publicada en 1925, de Ortega titulada 
La deshumanización del arte.3 
y es esta misma apreciación la que nos 
lleva a preguntarnos si en este tema hay una 
posible, o no, afinidad interpretativa entre la 
obra de María Zambrano y aquél al que siem-
pre había considerado como su maestro. 
1. El arte deshumanizado de Ortega 
Con este ensayo creo que Ortega pre-
tendía estar a la vanguardia de la crítica artís-
tica del momento. Ser la conciencia genera-
1 Zambrano, M., "Francisco de Zurbarán", Educación (San Juan de Puerto Rico), 1965; en Algunos lugares de la pintura, Espasa-
Calpe, Madrid, 1991, pp. 138-139. 
2Zambrano, M., "Nostalgia de la Tierra", Los Cuatro Vientos (Madrid), 1933, nO 2, abril, pp. 108-113; en Algunos lugares de la 
pintura, pp. 15-22. 
30rtega y Gasset, J., La deshumanización del arte e Ideas sobre la novela; en Obras Completas, T. III (1917-1928), Revista de 
Occidente, Madrid, 1947, pp. 353-420. 
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Papeles del «Seminario María Zambrano» 
Marisa Ordóñez, Nacer, 2000 
ional de unos nuevos tiempos, de una euro-
peización española, que él consideraba que 
había introducido en el aspecro filosófico y a 
la que añade, ahora, esta contribución críti-
co-artística a la que él había sido tan ajeno y 
tan poco propicio a considerarla una aCtIVl-
dad de hondura vital. 
Nos dice Ortega que toda nueva expresión 
aró rica, precisamente por presentarse como tal, 
es impopular. En todas las épocas, yen todos los 
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momentos, toda expreslOn artística que haya 
intentado innovar es, por definición y por esen-
cia, impopular y antipopular. Abre una brecha 
que acaba teniendo un efecto sociológico: una 
minoría favorable frente a una mayoría hostil. 
Pero esta división social y artística no se 
apoya en ningún criterio estético individual, 
en poder, o no, gustarnos una obra. Un crite-
rio más profundo, más orteguiano, acaba 
amparando esta escisión: 
Aurora 
"No se trata de que a la mayoría de! 
público no le guste la obra joven y a la minoría sí: 
lo que sucede es que la mayoría, la masa, no la 
entiende ( ... ) 
A mi juicio, lo característico de! 
arte nuevo, "desde e! punto de vista sociológico", 
es que divide al público en esta dos clases de 
hombres: los que lo entienden y los que no lo 
entienden ( ... ) El arte nuevo, por lo visto, no es 
para todo e! mundo, como e! romántico, sino 
que va desde luego dirigido a una minoría espe-
cialmente dotada. De aquí la irritación que des-
pierta en la masa ( ... ) Habituados a predominar 
en todo, la masa se siente ofendida en sus "dere-
chos de! hombre" por e! arte nuevo, que es un 
arte de privilegio, de nobleza de nervios, de aris-
tocracia instintiva. Donde quiera que las jóvenes 
musas se presentan, la masa cocea ( ... ) 
La masa cocea y no entiende. 
Intentemos nosostros hacer lo inverso" 4 
El arte del siglo XIX, piensa Ortega, es un 
arte popular, hecho para la masa. El Romanticis-
mo yel naturalismo son vistos, desde esos nuevos 
tiempos que él representa y preconiza, como 
expresiones de un realismo que encuentra la 
medida del goce estético en el reflejo de lo coti-
diano: lo bello acaba definiéndose como aquello 
que me conmueve porque refleja mi vida, mis 
penas y mis alegrías, mis sueños y mis frustracio-
nes. El arte es la representación o el reflejo, más o 
menos técnicamente conseguido, de la vida. 
Lejos de este extraño goce estético, de 
este arte que no es arte en tanto que es un 
mero extracto y representación de la vida, arte 
realista y, como tal, hecho para la mayoría, el 
nuevo arte europeo (simbolismo, cubismo, 
futurismo, surrealismo) es definido por Ortega 
como un arte artístico: un arte "de casta", un 
arte "para artistas". Un arte, en definitiva, don-
de los elementos demasiados humanos no tie-
nen cabida. Un arte no figurativo hecho para 
40rtega y Gasset, J. op. cit., pp. 355-356. 
una nueva generación que encuentra y entien-
de una nueva sensibilidad: el gusto del arte por 
el arte (su deshumanización), la eliminación 
de toda forma viva, la supresión de toda tras-
cendencia en la obra artística; el arte, en suma, 
como algo jovial (tan del gusto de Ortega), iró-
nico y técnicamente depurado; el arte y la vida 
tienen sus fronteras bien delimitadas: 
"Si al comparar un cuadro a la 
manera nueva con otro de 1860 seguimos e! 
orden más sencillo, empezaremos por confrontar 
los objetos que en uno y otro están representa-
dos, tal vez un hombre, una casa, una montaña. 
Pronto se advierte que e! artista de 1860 se ha 
propuesto ante todo que los objetos en su cua-
dro tengan e! mismo aire y aspecto que tienen 
fuera de él, cuando forman parte de la realidad 
vivida o humana. ( ... ) Por e! contrario, en e! cua-
dro reciente nos cuesta trabajo reconocerlo. El 
espectador piensa que tal vez e! pintor no ha 
sabido conseguir e! parecido ( ... ) 
Lejos de ir el pintor más o menos torpe-
mente hacia la realidad, se ve que ha ido contra 
ella. Se ha propuesto denodadamente defor-
marla, romper su aspecto humano, deshumani-
zarla (. .. ). Esta nueva vida, esta vida inventada 
previa anulación de la espontánea, es precisa-
mente la comprensión y el goce artísticos ( ... ). 
Son sentimientos específicamente estéticos". 5 
2. La deshumanización del arte según 
María Zambrano 
Cuando en 1945 aparece publicado el 
ensayo de María Zambrano titulado La des-
trucción de las formas 6 nos encontramos, una 
vez más dentro de su obra, la admiración y 
deuda intelectual hacia Ortega. Se nos 
recuerda aquí la lucidez del texto orteguiano 
en su reflexión sobre el arte. Pero, a partir de 
aquí, toda coincidencia entre ambos textos es 
50rtega y Gasset, op. cit., pp. 364-365 ' 
6Zambrano, M., "La destrucción de las formas", El Hijo Pródigo (México), 1944, vol. 4, n014, mayo, pp. 75-81; en Algunos 
lugares de la pintura, pp. 23-4l. 
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Papeles del «Seminario María Zambrano» 
meramente imposible. María Zambrano ha 
iniciado ya lo que ella ha denominado el 
andar propio del pensamiento, la pérdida de 
la tutela intelectual y la deuda hacia los maes-
tros. 
La destrucción de las formas, junto con 
otros textos de reflexión sobre el arte que abar-
can hasta los primeros años de la década de los 
60, marca el viraje interpretativo de la obra 
zambraniana. 
Considera María Zambrano que la apa-
rición de las nuevas corrientes artísticas, de esta 
"época de los ismos" tal y como la define, es 
fruto del carácter problemático que envuelve a 
la realidad y al hombre. Una Europa invadida 
por la guerra ha marcado en las nuevas genera-
ciones una nueva conciencia histórica que 
intenta ahora plasmarse en todas las manifesta-
ciones culturales. La cultura, en su sentido más 
amplio, intenta apresar y expresar el lugar des-
de donde nace, la vida: el binomio arte-vida se 
impone a cualquier criterio estético. 
Pero esta nueva conciencia histórico-artís-
tica ha sucumbido también a sus excesos. Su crí-
tica excesiva al arte clásico (a su carácter figurati-
vo y representativo), su defensa del arte por el 
arte (que hacen de la obra algo meramente expe-
rimental y especulativo), convierten esta nueva 
conciencia en un credo dogmático en el que el 
mundo y la mirada sobre el mismo se acaban des-
humanizando. 
Cuando las nuevas vanguardias olvidan 
que la raíz del arte es la vida, que el arte es 
compañero y aliado de la vida, se adentran en 
una simplicidad interpretativa que hay que 
reconducir. 
Toda creación artística es, o ha de ser, un 
acercamiento a la vida. Una invitación a des-
cubrirla a través de la mirada. Nos ha de ense-
ñar a mirar y a descubrir, a través de esta mira-
da, la forma en que se plasma la vida por parte 
de su autor. Por ello, toda obra de arte, del arte 
en su sentido verdadero, ha de revelar lo que 
María Zambrano llama el "encantamiento 
humano": el esfuerzo, el trabajo de su autor ha 
de ser capaz de mostrar un mundo exterior que 
corre en armonía y en paralelo con las luces y 
sombras del mundo interior: 
"Si detuviésemos, pues, ese instante en 
que la presencia de algo, de una obra de arte, se 
nos da y lográramos extraer del todo lo que con-
tiene, en lugar de precipitarnos ávidamente 
sobre la obra, mirándola como cosa a poseer, 
aun con la mirada, o como objeto a penetrar, se 
nos iría dando con simplicidad la revelación que 
todo lo que se manifiesta contiene ( ... ), la más 
pura especie de arte es la que manifiesta y revela 
( ... ). Hoy en día se confunde la percepción de 
una obra de arte. Este es utilizado como un ins-
trumento: sirve para darnos una descarga eléctri-
ca, nos invita al grito, a la conmoción, a la pro-
blematicidad. 
El arte no es un instrumento, sino un 
medio de aparición. La misión del arte es que 
alguien se quede, simplemente, ante él".7 
De entre todas las artes plásticas es la 
pintura la que mejor expresa la condición 
humana: sus luces y sus sombras son el refle-
jo de esos claroscuros que se han ido for-
mando a lo largo de la vida humana. Sus for-
mas y figuras (sean o no figurativas, sean o 
no representativas) son la representación 
espacial de todo aquello que ha sido vivido y 
ocultado por el tiempo que es, así, recupera-
do, iluminado. 
Muestra la pintura una relación evidente 
con el espacio, pero es, ante todo, un trato con 
el tiempo: expresa, insinúa, revela los miedos y 
temores del hombre, sus luces y tinieblas, lo 
sepultado y detenido por el tiempo, que 
encuentra en su representación pictórica su 
expresión ordenada, confortante; según "la ley 
de la presencia y la figura". Un cuadro nos ha de 
enseñar a mirar, a ver. 
7"La pintura de Ramón Gaya", /mula (Madrid), 1960, año XV; nO 160, marzo, pp. 3 y 7; en Algunos lugares de la pintura; op. cit., 
pp. 209-211. . 
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Aurora 
Pero ello no basta. En la obra pictórica 
ha de haber un conocimiento sobre el alma 
humana, sobre los miedos y temores del hom-
bre, sobre los monstruos personales, que son 
exorcizados cuando son presentados. Trae la 
pintura al tiempo presente lo ocultado a lo lar-
go del tiempo de la vida. Nos muestra el senti-
do de la vida a modo de propuesta para aque-
llos que quieren también desvelar su secreto: 
nos ha de enseñar a sentir lo que en ella hay. El 
entusiasmo que podamos sentir ante una obra 
se debe a que ha sido capaz de mostrar algo 
idéntico o parecido a lo que sucede en nuestro 
interior: ser vistos. 
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Hay un arte hecho para ver. Pero hay un 
arte, el arte verdadero, que es el que se hace 
ver. En esto consiste la función catártica y 
moral del arte. De un arte que expresa y ense-
ña el tránsito humano por los tiempos de la 
vida. Arte que ha sabido expresar un conoci-
miento sobre el alma humana, revelarnos sus 
sueños y angustias a lo largo del tiempo de la 
vida de su autor y del que lo contempla. Arte 
que nos invita, en definitiva, a hacer nuestro 
también la multiplicidad de tiempos vitales: 
"Un cuadro muestra un suceso 
que le ha sucedio a alguien y que le sucede a 
quien lo mira" 


El arte como "conocimiento y revelación"

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