Martínez Díez, Noemi

Portal de Revistas Científicas Complutenses

309Arteterapia - Papeles de arteterapia y educación artística para la inclusión social
Vol. 2 (2007): 309-312
Noemí Martínez Díez Exposiciones de arte marginal y Art Brut
Exposiciones de arte marginal o art brut 
en Madrid 
Noemí Martínez Diez
Son muy pocas las exposiciones que se han realizado en Madrid de arte marginal, salvo la que 
se hizo hace más de diez años en el año 1993 “Visiones paralelas. Artistas modernos y arte 
marginal” en el Centro de Arte Reina Sofía; razón de alegrarnos por las que se han celebrado 
desde hace dos años en nuestra ciudad.
El concepto de arte marginal abarca todas las formas de expresión creativa que existen fueras 
de las normas culturales institucionalizadas, la tradición artística o las bellas artes. Dentro 
de este concepto general suelen encontrarse diferentes posturas, así como nomenclaturas que 
atañen a la modalidad en que el artista y su obra se sitúan fuera de los medios profesionales 
y de los circuitos institucionales del arte. En Francia se tiene la costumbre de hacer una 
distinción bastante estricta entre arte naïf, art brut y arte popular; mientras que en los países 
anglosajones no existe la noción de arte bruto. En los EEUU se emplea el término folk art 
a las obras que en Europa se denominan como arte naïf o arte popular. Por este motivo se 
propuso un equivalente con la denominación de  outsider que lo lanzó el historiador inglés 
Roger Cardinal. Laurent Danchin señala que en general, el arte bruto y el arte marginal son 
más autistas, auto-referenciales e introvertidos, mientras que las obras del folk art y el arte 
naïf son más extravertidos y narrativos. 
Desgraciadamente en España no tenemos ningún museo de arte marginal o arte bruto, no así 
como en la mayoría de los países europeos y en varios de América, y estas exposiciones están 
haciendo conocer estas manifestaciones artísticas, así como el reconocimiento que mucho de 
los artistas del siglo XX han hecho de estas obras, no así los historiadores del arte que estu-
dian el arte moderno y el posmoderno.
La primera exposición ha sido “Mundos al descubierto” que la Fundación “La Caixa” reali-
zó en Madrid de enero a abril de 2006 junto a la Whitechapel Gallery de Londres y el Irish 
Museum of Modern Art de Dublín. Esta muestra siguió en parte la directiva de la anterior 
“Visiones paralelas”, al ofrecer también una confrontación entre las obras de los artistas 
marginales y las de artistas profesionales. Para ello se dividió en varios apartados: “Paisajes 
imaginarios y ciudades fantásticas”, donde se podían ver los intrincados paisajes a pluma de 
Louis Soutter y las delicadas imágenes de botánica de Anna Zemánková; en “Sueños fan-
tásticos y cuentos obsesionantes” desde el pequeño pañuelo donde Louise Bourgeois grabó 
con punta seca una mujer araña, el San Sebastián acribillado su cuerpo de ﬂechas de Oswald 
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Noemí MARTÍNEZ DÍEZ
Tschirtner o las esculturas imaginativas de Dusan Kusmic; en el apartado “El cuerpo erótico” 
rivalizaban las obras exuberantes de color de Aloïse y Johann Hauser, con un sutil collage de 
Bellmer o con la sugerente caja de Lucas Samara; en “Rostros y máscaras” los oscuros re-
tratos de Paul Duhem frente a la explosión de alegría de Martha Grunenwaldt; en “La seduc-
ción del lenguaje” los trajes y banderas de Bispo do Rosario llenos de imágenes y palabras 
bordadas, y la exquisita “Nube suspendida”, juego entremezclado de ﬁbras, semillas, letras y 
sombras de Marie-Rose Lortet. 
Como apunta James Elkins en el catálogo, “Lo que hace falta es un enfoque no ingenuo del 
arte ingenuo (…) Cada vez que veo algo que se presenta como arte marginal –bajo cualquie-
ra de sus nombres-, yo me pregunto: ‘¿Qué manera de entender lo moderno ha podido llevar 
al autor, o al artista, a sugerir que esto esté al margen de nada’?”   
En febrero del mismo año se realizó en la Galería Americana de la Casa de América la mues-
tra “Nuevos horizontes en el arte outsider hispano”, obras creadas por personas a menudo 
internadas en instituciones psiquiátricas y generalmente autodidactas y sin ninguna instruc-
ción artística formal, cuya obra surge de una visión personal intensa e innata. Fue presentada 
por NAEMI (Nacional Art Exhibition by the Mentally Ill), organización que se dedica a 
descubrir, estudiar, promocionar, exhibir y preservar el arte de personas de todo el mundo que 
sufren enfermedades mentales. Mediante exhibiciones públicas, NAEMI pretende educar al 
público sobre este tipo de arte y ayudar a vencer y eliminar cualquier prejuicio negativo aso-
ciado con las circunstancias de su producción y aﬁrmar el poder positivo y la importancia de 
la creatividad de las personas con enfermedades o discapacidades mentales.
Se han presentado obras de México, Puerto Rico y los EEUU, donde se ha pretendido la 
asimilación del arte a la vida, con la característica primordial del ser humano, que es su ca-
pacidad creadora. Juan Martín, organizador de la muestra, presenta las obras como ventanas 
abiertas hacia el interior, fragmentos de sueños que todos soñamos y olvidamos, “la ventana 
cerrada nos muestra el revés del paisaje”, “la ventana se mueve, nos mueve, hace que que-
ramos ver la mirada que mira, que ahondemos nuestra mirada en la ausencia.”
En septiembre de 2005 en la sala de exposiciones de la Comunidad de Madrid del complejo 
“El Águila” se organizó una excelente exposición del fotógrafo austriaco Peter Granser sobre 
el tema del Alzheimer. El porcentaje de pacientes afectados por Alzheimer aumenta de forma 
progresiva en la población mayor de 60 años, cada cinco años el número de afectados se 
duplica, cerca del 30% de las personas mayores de 85 años sufren la enfermedad. Debemos 
recordar que en nuestro país, tan sólo el 4% de los hospitales, residencias y centros socio-
sanitarios implicados en el tratamiento del Alzheimer disponen de especialistas en geriatría, 
según ha revelado la Sociedad Española de Geriatría. 
Durante dos años Peter Granser hizo estas fotografías en el centro Gradmann Haus, Stuttgart, 
inaugurado en 2001 y el primero de Alemania dedicado a acoger enfermos con demencia 
senil en un espacio diseñado especíﬁcamente para atender sus necesidades. El objetivo de 
este centro es sustituir el viejo modelo de asistencia que ha dominado hasta la fecha, por otro 
nuevo al que llaman “vida comunitaria asistida”’ en el que la rutina diaria y el entorno tratan 
de recordar al máximo posible la forma de vida que los pacientes llevaban en sus casas. 
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Una exposición sobre el olvido, la otra cara de la memoria, fotografías que incitan a la emo-
ción, a las sensaciones, a la reﬂexión crítica sobre nuestra propia relación con el paso del 
tiempo y la enfermedad. El color tiene un gran papel en estas fotografías, colores claros que 
funcionan como un “velo protector” para los retratados, retratos que reﬂejan la ansiedad e 
incertidumbre y se han hecho con una gran dignidad. Dice Granser: “En un momento dado 
comprendí que aquellos ejemplos clásicos de fotografía en blanco y negro no me ayudarían 
para contar la historia que quería explicar.” Ha sido otra forma de ver la demencia, de pre-
sentarla con una forma nueva, ajena a la turbación o al pánico.
En esta misma sala “El Águila” se presentó una exposición “Art Against” Stigma en octubre 
del 2005. El proyecto “Art Against Stigm” es una iniciativa de la compañía farmacéutica 
danesa Lundbeck en colaboración con artistas y expertos de distintos países, y que tiene 
el apoyo de la Asociación Mundial de Psiquiatría y del Programa Institucional “La Esqui-
zofrenia abre las Puertas”  programa que a partir de 1996 lucha contra la discriminación a 
esos pacientes; sus objetivos son combatir el estigma, la segregación y el rechazo debidos a 
la esquizofrenia. El estigma agregado a la enfermedad mental es el mayor obstáculo para el 
mejoramiento de las vidas de las personas con enfermedad mental y de sus familias. 
Las pinturas, fotografías, textos y dibujos de esta muestra fueron seleccionados entre más 
de veinte países, obras que se han realizado con la contribución de artistas de esos países. 
Podíamos leer en una obra realizada en ordenador por una paciente de un psiquiátrico suizo, 
Terese Breitenbach: “La depresión en palabras desanimada rápida desesperada en huida 
ilimitada ávida de dormir (…)  separada en ruptura inexorable monótona humillada prisio-
nera abandonada estando en ninguna parte.” Las personas que sufren distintos desórdenes 
psiquiátricos y que están internas se encuentran dentro de una gran soledad, los talleres de 
arte les ofrecen un espacio en que de forma racional y emocional puedan encontrarse mejor, 
poder sacar a la luz sus sentimientos, su incomunicación y su dolor. 
En el verano del 2006 se celebró en el Círculo de Bellas Artes de Madrid la exposición Genio 
y delirio.  Por primera vez se ha visto en nuestro país una selección de obras procedentes de 
la Collection de l’Art Brut de Lausanne iniciada por Jean Dubuffet. Este artista comenzó 
a interesarse por este tipo de arte en los años cuarenta del siglo pasado, obras de enfermos 
mentales, de seres marginales, de niños, dibujos, pinturas, bordados, esculturas, objetos de 
los que llega a tener más de 4.000 que donó a la ciudad de Lausanne en 1970.  Dubuffet equi-
paraba el art brut con la contracultura y el contrapoder, y quienes lo hacían se distinguían 
de los artistas consagrados, se les nombra como “autores” o “personas” y sus creaciones se 
caliﬁcan como “trabajos” o “labores”.
Se presentaron obras de doce autores, la mitad muy reconocidos como Wölﬁ y otros más re-
cientes como Kinozo Matsumoto. La muestra presenta grandes tallas en madera de Eugenio 
Santoro y piezas en hierro, cemento y trozos de cerámica de Nek Chand; ensamblajes reali-
zados con conchas y caracolas de Paul Amar; los desnudos masculinos vistos por Josef Hofer, 
los fuertes retratos de Curzio di Giovanni  y los intrincados dibujos en tinta china con mujeres 
entremezcladas de Magde Hill; los ideogramas de Kinozo Matsumoto quien fascinado por la 
caligrafía copia de forma obsesiva ideogramas que transforma o inventa sobre hojas impresas 
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de calendario, los manuscritos del Quijote de Reinhold Metz escritos e ilustrados como en la 
Edad Media y las obras de Wölﬂi llenas de escritos, anotaciones musicales, ﬁguras y formas 
decorativas; las pinturas obsesivas de Laure Pigeon en tinta azul o negra a las que atribuía un 
carácter de médium, Carlo Zinelli con sus ﬁlas de personas y si horror al vacío y las pinturas 
llenas de color y erotismo de Aloïse,
De marzo a mayo del 2007  se pudo ver en la Sala Minerva del Círculo de Bellas Artes la obra 
de Raphaël Lonné, liderado por Dubuffet como uno de los principales artistas del art brut. 
Lonné, cartero al igual que otro artista marginal de arquitecturas visionarias Fernand Cheval, 
comenzó interesándose por la música y la poesía, tocaba en una jazz band y componía piezas 
en alejandrinos para amenizar bodas y banquetes. Comenzó a dibujar después de asistir a 
sesiones espiritistas y lo siguió haciendo hasta su muerte. Son dibujos automáticos, llena la 
página con sus arabescos entre los que va descubriendo pequeñas cabezas de mujer y otras 
imágenes fantásticas, utiliza lápices de colores, rotuladores, bolígrafos; también se pudieron 
ver algunas pinturas de gouache sobre papel en donde Lonné utiliza una técnica muy suge-
rente y completamente distinta a la de sus dibujos.
En abril se celebró en la sala Latinarte otra exposición de la fundación N.A.E.M.I., con obras 
de personas con problemas de discapacidad psíquica de España, Cuba, México, EEUU e In-
glaterra, artistas muchos de ellos autodidactas y que nos enseñan su visión intensa y personal 
del arte. Paralelamente se presentó el libro “Outsider, un arte interno”, publicación bilingüe 
en inglés y español, que incluye poemas de Leopoldo María Panero, y textos de Ramón Al-
mela, Lyle Rexer, Thomas Röske, Andy Antippas, Luisa Espino y Ricardo Viera.
La exposición presentó obras de una gran calidad artística, como los dibujos e historias  de 
Ramón Losa, el patetismo de las pinturas de Mario Mesa frente al lirismo de las de Lisa 
Chuan Lee, los vigorosos retratos de Roger Sadler, las pinturas oníricas y las esculturas en 
metal de Lucía Ballester, las arquitecturas geométricas de Jesse Banda o lo collage y dibujos 
llenos de vida de Mery Eis, entre otros participantes.
En el año 1922 Hans Prinzhorn escribía de cómo en esa época se denominaban a las obras 
producidas por enfermos mentales como “arte patológico“, “arte de los enfermos mentales“, 
“arte y locura“ o “arte demente“, y decía que “el término ‘arte’ incluye un juicio de valor en-
tre sus connotaciones emocionales ﬁjas y establece una distinción entre una clase de objetos 
creados y otra clase muy similar, caliﬁcada y proscrita como ‘no arte’.“ ¿Pero quién hacía 
en ese entonces ese juicio? En estos últimos años también se sigue dando distintos nombres 
a las obras de aquellos artistas no profesionales o no reconocidos como tales por una serie de 
críticos, escritores y curators. Y me sigo preguntando ¿quién les da la palabra para que ellos 
enjuicien al arte? No será al ﬁn de todo únicamente “arte” el arte de los artistas consagrados 
consagrados, el arte marginal, el art brut, el arte lauga, el arte autodidacta, el folk art, el arte 
popular, el arte psicótico, el arte naïf, el arte popular contemporáneo, el arte autodidacta, ..., no 
serán sólo “arte“ (¿pero qué es arte?) todas las expresiones creadoras de las mujeres y los hom-
bres de todos los tiempos en sus distintas maneras de querer comprender la vida .


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