Dal Rinascimento in poi la scultura in terracotta, intesa come opera in sé compiuta e non come ausilio nella fase progettuale, prevedeva generalmente una finitura pittorica. Tale rivestimento nobilitava talora il colore della materia fittile, imitando quello del marmo, del bronzo o, più raramente, dell’oro, ma più spesso riproduceva i colori della realtà.Le policromie naturalistiche trovavano maggiore impiego nella scultura devozionale perché l’immagine, col suo realismo, poteva creare suggestioni emotive nei fedeli e quindi un maggiore coinvolgimento. Ma avevano un ruolo essenziale anche nella ritrattistica, che doveva fornire del soggetto una rappresentazione il più fedele possibile.Nelle terrecotte dipinte ‘al naturale’ si può riscontrare un’ampia varietà nella ricchezza dei colori, nella scelta di raffinati accordi cromatici, nell’imitazione di preziosi tessuti, che non si limita a riprodurre i motivi decorativi, ma finge anche la consistenza materica. Alcuni esempi tratti dalla scultura fiorentina ed emiliana (Michele da Firenza, Neri di Bicci, Antonio Begarelli) mostrano che spesso erano i committenti ad indicare con quali colori dovesse essere dipinta una scultura, ma il perfetto accordo tra forme e colori derivava dalle scelte dello scultore che si affidava spesso al pittore per ottenere con uso sapiente delle tecniche il maggior grado di naturalezza.À partir de la Renaissance, la sculpture de terre cuite, comprise comme une opération se suffisant à elle-même et non comme l’étape subsidiaire d’un projet donné, supposait généralement une finition picturale. Ce revêtement ennoblissait la couleur de la matière argileuse en imitant celle du marbre, du bronze, ou plus rarement de l’or, mais elle reproduisait le plus souvent les teintes de la réalité naturelle.Si les polychromies naturalistes trouvaient leur principal emploi dans la sculpture de dévotion, c’est que le réalisme de l’image pouvait susciter chez les fidèles des suggestions émotives et donc une participation plus intense. Mais elles avaient également un rôle essentiel dans l’art du portrait, qui devait fournir la plus fidèle représentation possible du sujet. Les terres cuites peintes « au naturel » présentent une ample variété dans la richesse des couleurs, le choix raffiné des accords chromatiques, l’imitation des textures précieuses. Elles ne se bornent pas à reproduire des motifs décoratifs mais vont jusqu’à simuler la consistance matérielle. Dans le contexte de la sculpture florentine et émilienne (Michele da Firenze, Neri di Bicci, Antonio Begarelli), c’était souvent aux commanditaires qu’il revenait d’indiquer les couleurs appropriées, mais le parfait accord de la forme et des couleurs résultait des choix du sculpteur qui s’en remettait d’ordinaire au peintre pour obtenir d’un emploi savant des techniques du métier le plus haut degré de « naturel ».From the Renaissance onwards, terracotta sculpture, regarded as a process in its own right and not as a subsidiary stage of a given project, was generally supposed to have a painted finish. This final coat thus ennobled the colour of the clay by imitating that of marble, bronze, or more rarely, gold, but most frequently sought to reproduce realistic natural tones. If naturalistic polychromy was primarily used in devotional sculpture, it was because realistic imagery could arouse emotions among the faithful and therefore encourage more intense worship. But it also played a fundamental role in the art of representation, which was meant to portray the most faithful likeness possible of the subject. Terracottas painted in “real life” colours attested to a wide and rich palette, a refined choice of tonal harmonies and textures imitating precious materials. They did not simply reproduce decorative motifs but went as far as simulating the material substance. In the context of Florentine and Emilia-Romagnan sculpture (Michele da Firenze, Neri di Bicci, Antonio Begarelli), the patrons often indicated the appropriate colours to be used, but the perfect sense of harmony between form and colours resulted from choices made by the sculptor, who generally left it up to the painter to obtain the finest “natural” effect through his skilful use of the techniques of his craft
