Expérimenter en langues, 2. L’intraduction : défiguration et valeur politique du langage

Je propose dans cet article une approche historiquement située du problème de l’intraduisible poétique et je me concentre sur des écritures et des traductions « défigurantes », à travers les textes d’Ernst Jandl, d’Oskar Pastior et d’Edward E. Cummings. Je montre que le concept d’intraduction cristallise une conception politique de la littérature, qui engage le risque de l’illisibilité. En refondant la langue, l’intraduction reconfigure l’espace de sens que celle-ci dessine pour nous ; elle élabore un nouveau partage du sensible, prélude à un rapport renouvelé au commun. La question de l’intraduisible est ainsi profondément liée à l’aventure des avant-gardes poétiques.In this paper I suggest an historical approach of the poetical untranslatable. I am focusing on disfigurating poetics and translations as offered in the works of Ernst Jandl, Oskar Pastior and Edward E. Cummings. I suggest that “untranslating” bears a political conception of writing and literature, based on the risk of being illegible. By inventing tongues anew, untranslating is remaking the space and the borders of meaning and signification that tongues are setting for us. Untranslating suggests a new distribution of the sensible which prelude to a renewed relationship with the commons. Untranslatable as a matter of poetics is thus deeply bound to the avant-garde’s poetical adventure

Le regard impossible

Cet article aborde la question de l’illusion photoréaliste et de la production idéologique des films sous l’angle à la fois concret et circonscrit des images de synthèse des blockbusters américains. En problématisant la question du discours des films dans une perspective marxiste, j’interroge d’abord les présupposés historiques, théoriques et techniques du photoréalisme. J’examine ensuite la manière dont les images de synthèse font usage de ce dernier pour façonner, dans les films, un discours invisible, qui est généralement celui de l’American way of life, et garantir l’adhésion des spectateurs à ce dernier. Je montre que les mécanismes de la production idéologique en jeu dans les digital effects forment un système qui vise tout d’abord à dissimuler leur nature discursive, puis à oblitérer les antagonismes du réel et à assigner aux spectateurs une position de regard précise dans un ordre concret, symbolique et politique donné.This paper discusses the issues of photorealistic illusion and ideological production in American blockbusters through an analysis of their digital effects and computer generated images (CGI). I adopt a Marxist perspective to question their discourse. Attention is first paid to the historical, theoretical and technical conditions of the photorealism of digital effects and CGI. I then examine how films use photorealism to ensure the audience’s adherence to the ideology of the American way of life. I show that the mechanisms of ideological production at play in digital effects and CGI form a system that aims first and foremost to conceal their discursive nature, then obliterate the contradictions of reality in order to assign a specific viewing position for the audience within the symbolic and political order

L’usure iconique. Circulation et valeur des images dans le cinéma américain contemporain

Postmodern Hollywood cinema has been characterized as a highly reflexive art, in which images refer to other images or to themselves—not to the world. As a result, theorists often come to the conclusion that Hollywood cinema no longer speaks about the real. This article counters this assumption by examining the various ways in which images do act upon the real. Relying on Jonathan Beller’s “attention theory of value” and Peter Szendy’s concept of “iconomy,” this article proposes that reflexivity does impact the real, particularly through what we call iconomic energy. Iconomic energy circulates images with usury and thereby increases their ideological value. Once reflexivity has been recognized as a multiple and indirect way of impacting the real, Hollywood cinema emerges as an ideological instrument as much as a tool for emancipation

DECOUPAGES NARRATIFS : LA PRODUCTION DU SAVOIR ET SA DECONSTRUCTION DANS LE FILM NOIR HOLLYWOODIEN CLASSIQUE DE CATEGORIE B

International audienceLes théories du cinéma classique hollywoodien pensent le montage en termes de raccords et de continuité. Elles masquent un parti pris idéologique fort que la recherche américaine a étudié en profondeur depuis les années 1960, fondé sur la transparence formelle et l’adhésion du spectateur à un discours indiscernable. Mais ces théories dissimulent aussi un déni : celui du montage comme puissance de discontinuité, de disruption et de soustraction. A la place du montage pensé comme raccord et suture, le monteur Walter Murch a proposé une conception fondée sur la mécanique de l’œil humain. Il faut, dit-il, que dans un film les coupes soient aussi naturelles qu’un œil qui se ferme et s’ouvre et qu’elles coïncident avec le battement de la paupière. Le montage assigne donc au spectateur une position fixe : on fait correspondre de force son regard à celui du film par le battement artificiel de la coupe. En mettant en ordre la continuité filmique, le découpage fabrique un discours qui est implicitement un discours de vérité en vertu de la position assignée au spectateur.La théorie de Murch suggère la possibilité d’un découpage qui mettrait en crise la production de la vérité dès lors qu’on supprimerait la correspondance entre les battements de la coupe et de la paupière humaine. De tels découpages ont vu le jour dans les films B à Hollywood. Leur montage heurté produit un décalage entre le découpage et le battement de la paupière, et en fait des objets narratifs à double tranchant, qui participent de la production d’un savoir de vérité mais le mettent en crise dans le même temps.Nous esquissons, autour des concepts de rythme, de découpage et de syncope, une théorie des modes de subversion du discours de vérité que déploie cette production. A partir des pratiques de découpage d’Anthony Mann, Alfred Werker et Joseph H. Lewis, nous proposerons de comprendre la manière dont la production B travaille et subvertit, de l’intérieur, la production d’un savoir et d’un discours de vérité

La haine du renouvellement théorique : enquête sur la querelle théorique de la critique cinéphile et de l’Université française

This paper examines the ideological and theoretical roots of a long-term quarrel between the intellectual criticism and the French University. The inquiry starts with recent statements and papers from French critics, such as the issue 698 of the Cahiers du cinéma. This paper aims to understand why the French critics disallow so violently every other approaches of the cinema than the aesthetics and speak in favor of a pluralistic idea of the research in cinema

Le cinéma hollywoodien de série B au prisme de l’histoire de l’art et des arts plastiques

L’article examine comment les études cinématographiques empruntent leurs concepts à l’histoire de l’art. Après avoir expliqué pourquoi le cinéma a si peu droit de cité dans l’histoire de l’art, il s’agit de montrer que les visual studies ont contribué à desserrer ce partage disciplinaire strict et ont attiré l’attention des chercheurs sur des objets plastiques auparavant impensables en termes d’histoire et de théorie du cinéma. L’article interroge les conditions de possibilité de l’importation des concepts et plaide pour une collaboration réfléchie des disciplines en vue de leur évolution.This article examines how film studies borrow their concepts to art history. After having explained why film was given very little consideration within art history, one aims at showing that visual studies are blurring disciplinary boundaries and, thus, attracting the interest of researchers to previously unthought visual phenomena within film history and theory; thus considering what makes transfers of concepts possible and argue for a properly thought-out collaboration between art history and film studies

Cinema et arts plastiques

L’histoire de l’art récente a vu nombre d’œuvres cinématographiques gagnées par les arts plastiques et l’art contemporain inspirer les cinéastes. Marges étudie ici la question du décloisonnement de pratiques artistiques. Les relations entre cinéma et arts plastiques, aussi anciennes que le cinéma, ont longtemps été ambivalentes. La création cinématographique des premiers temps a beaucoup emprunté aux traditions picturales avant de chercher une spécificité en tant qu’art du mouvement et de la durée. Ces dernières années ont pourtant vu un rapprochement entre ces pratiques ; les artistes contemporains s’inspirant de plus en plus du monde du cinéma, produisant à l’occasion des films et les cinéastes exposant leur pratique dans les lieux généralement dédiés aux arts plastiques

Littératures expérimentales

Comment penser la création littéraire aujourd’hui sans prendre en considération ses formes les plus expérimentales ? Sous quelles formes s’actualise le fait littéraire, depuis que W.J.T. Mitchell a proclamé un nouveau paradigme, le pictorial turn, auquel la littérature n’échappe pas ? Dans le prolongement de la réflexion sur la possibilité d’une néo-littérature qui investirait l’image, le spectaculaire et les écrans, le volume interroge les expérimentations contemporaines d’une écriture qui traverse les supports et les disciplines : livre d’artiste, dialogue théorique, transfert, appropriation, montage, performances musicales, poétiques ou numériques sont autant d’entrées dans la fabrique contemporaine de l’écriture. Ces modalités multiples d’apparition du fait littéraire, le rôle du lecteur-auditeur-spectateur ou la présence de l’auteur rendent caduque la fixation d’un texte canonique : elles déplacent l’horizon critique du côté de la perception sensible et d’une expérience cognitive qui ouvre l’espace littéraire et relance les spéculations théoriques. What is literary creation without experimentation? How can we consider the literary regime since W.J.T. Mitchell has proclaimed, alongside the rise of new media, the pictorial turn as the contemporary ruling paradigm? Exploring further the idea of a neo-literature that would incorporate its visual feature, including screens and spectacular events, this volume scrutinizes contemporary experimentations through medias and disciplines: artist books, theoretical dialogues, transmedia, appropriation, musical, poetical or digital performances, various contemporary types of writing questioning the borders of what is—or is not—literature. These manifestations of literary facts, the role of the reader-viewer or the presence of the author invalidate the central position of canonical text and its fixation in a book: these manifestations of the literary push forward the critical horizon into the realm of sensorial perceptions and cognitive experience, which widens the literary space and triggers new theoretical speculations

Les cultures du chapitre

Que devient l’acte de diviser lorsqu’on le rapporte à la diversité de ses pratiques ? Unité en apparence homogène, le chapitre est interrogé dans ce numéro à travers la variété de ses réalisations : chapitrage du roman, d’un DVD, d’une série télévisée, d’une bande dessinée, mais aussi découpage d’une pièce de théâtre ou d’un recueil de nouvelles, et quelques autres encore. Ces opérations de division peuvent-elles se réduire à un seul et même modèle de découpage ? Chacun des articles réunis tente, pour les domaines mentionnés, de faire émerger une culture de la division, que ce soit à travers des études de cas ou des études transversales. Are narratives divided in the same way across different media? Dividing a story into chapters can be a widely differentiated practice: novels are structured in chapters, but chapters are also found in DVDs, series, comics, collections of stories, and so forth. Do all these ways of dividing the story pertain to the same model? The papers that are gathered here attempt, each on its own domain, to put forward a culture of narrative division, whether through case studies or cross-sectional studies