Musikformulare und Presets

Prozesse des Musizierens und der Musikproduktion sind durchdrungen von formalen Vorgaben und Vor-Einstellungen (Pre-sets), die in Köpfen und Technologien gerastert und geregelt werden. Musikalische Ereignisse sind geradezu umzingelt und werden hervorgebracht durch zugrunde gelegte Formulare: Notations-, Speicher-, Wiedergabesysteme und -formate wirken als gelernte und/oder apparative Verfahren stark bestimmend. Obwohl formale Vorgaben und technologische Voreinstellungen fundamentale Wissensorganisatoren sind, verschwinden sie – manchmal buchstäblich als Masken bezeichnet – hinter irgendetwas, das nur noch als bedeutende Musiken erscheint. Dieser Sammelband vereint kulturwissenschaftlich informierte, musikwissenschaftliche Beiträge über Musiknotation, Eurorack-Synthesizer, Musiksoftware, Blueprints für Musikgeschichte, Bedienungsanleitungen, Grooveboxen, Drum Machines, MIDI Controller, Tonträger, Band Set-ups ..

Neue musikalische Wirklichkeiten - Funktionalisierung von Musik in der Erlebnisgesellschaft

Zwei Begriffe kennzeichnen die sozio-kulturelle Situation westlicher Industriestaaten am Ende des 20. Jahrhunderts vor allem: Erlebnisorientierung und Vernetzung fast aller Lebensbereiche. Beinahe jedes Ereignis kann für beliebige Gruppierungen jenseits der konventionellen sozialen Schichtenmodelle als Erlebnis inszeniert werden - das klassische Open-Air-Konzert als Mega-Event für ein Massenpublikum, die "Titanic" mit Kinofilm, Musik und Merchandising als umfassendes Gesamtkunstwerk und Reisen in Erlebnistempel inklusive Musical-Besuch, Shopping und Gastronomie als eine Event-Kultur für breite Interessentenkreise. Scheinbar Alltägliches bekommt den Nimbus ästhetischer Prägung - Autos und andere Produkte werden in Werbespots mit kunstvollen Bild-Kompositionen und klassischen Klängen präsentiert (Ästhetisierung des Alltäglichen). Personen oder Gegenstände avancieren in kurzer Zeit und für kurze Zeit zu Kultobjekten mit einer fast religiösen Funktion - Prinzessin Diana, Verona Feldbusch, ein "Maschendrahtzaun" oder Zlatko. Scheinbar jedes Element ist mit jedem anderen kombinierbar - "Klassik trifft Pop", "Jazz trifft Gregorianik", Information und Unterhaltung werden zum Infotainment und Kaffee-Shops verkaufen Computer (Cross-over in allen Bereichen). Diese Entwicklungen werden ergänzt respektive ermöglicht durch die weitreichenden technischen Möglichkeiten der sogenannten "Neuen Medien" und vor allem der weltweiten Vernetzung. Auf feuilletonistischer Ebene wurden hierfür Schlagwörter wie "multimediale Informations-" oder "Freizeitgesellschaft" geprägt. In der künstlerischen Auseinandersetzung stand nicht länger der kritische Ansatz der Moderne im Mittelpunkt, sondern ein postmoderner Weg, der Bilder ohne Abbildfunktion schuf. In der soziologischen Diskussion schließlich etablierte sich der Begriff der "Erlebnisgesellschaft". Nur die Musikwissenschaft hielt sich bislang mit Beschreibungen bzw. Analysen der gegenwärtigen Situation weitgehend zurück, obwohl gerade innerhalb der Erlebnisgesellschaft mit Recht von einem Wandel zur allumfassenden Funktionalisierung von Musik gesprochen werden kann. Anders als bei vielen historischen Beispielen funktioniert heute jede beliebige Musik in fast jedem beliebigen Umfeld und in beinahe jedem denkbaren Sinnzusammenhang. Musik ist zu einem zentralen Parameter der Lebensstil-Definitionen geworden. Sie ist das prägende Mittel der Emotionalisierung, Ästhetisierung, Sakralisierung, Alltags- und Event-Gestaltung. Die Studie "Neue musikalische Wirklichkeiten - Funktionalisierungen von Musik in der ‚Erlebnisgesellschaft‘" untersucht genau diese Einbindung von Musik in das sozio-kulturelle Umfeld der postmodernen Erlebnisgesellschaft. Die Analysen eines vielfältigen Quellenmaterials zur Präsentation von Musik in Hörfunk, Fernsehen, Neuen Medien, Live-Events und Alltagssituationen bieten dabei eine breite und unvoreingenommene Bestandsaufnahme der engen Verknüpfungen musikalischer Phänomene unserer Zeit mit gegenwärtigen gesellschaftlichen Tendenzen. Diese wird ergänzt durch Einblicke in soziologische, philosophische und medientheoretische Ansätze und durch zahlreiche Experten-Interviews des Verfassers mit Verantwortlichen aus den Bereichen der Medien und der Werbung. Als Ergebnis soll eine vielschichtige Sicht auf die neuen musikalischen Wirklichkeiten innerhalb der postmodernen Erlebnisgesellschaft geboten werden. Eine multimediale Version dieser Dissertation (incl. ca. 120 Min. Audio- und Videomaterial) erscheint 2004 im Steiner Verlag Stuttgart als CD-ROM-Edition (= Monolithographien III / quake edition)

Experimentieren – improvisieren – zuhören

Die Arbeit beschäftigt sich mit zeitgenössischer experimenteller Musik mit elektronischem Charakter. Ziel war es, zu verstehen, warum sich diese Musik so entwickelt hat und welches die Beweggründe der Musikschaffenden selbst sind. Aufgrund dieser Informationen wurden Hypothesen aufgestellt, wie ihr der Hörer im Sinne eines Musikverständnisses am besten begegnen sollte. Um der Zielsetzung näher zu kommen, wird das Thema aus der Sicht unterschiedlicher musikwissenschaftlicher Bereiche umkreist. Daher bewegt sich die Arbeit im Grenzgebiet zwischen historischer und vergleichend-systematischer Musikwissenschaft. Auf der einen Seite werden die historischen Entwicklungen und Zusammenhänge analysiert sowie einige philosophische Aspekte beleuchtet. Auf der anderen Seite werden psychologische und technische Implikationen eingebunden. Interviews, die mit in Wien tätigen Musikschaffenden geführt wurden, vervollständigen die Arbeit. Im Laufe der Arbeit zeigt sich, dass die zeitgenössische experimentelle elektronische Musik das Resultat komplexer Wechselwirkungen unterschiedlicher Musikrichtungen ist. Im Zeitalter der Globalisierung hat sie auch keine eindeutige kulturelle Identität. Auch hat die zunehmende Erschwinglichkeit des Computers die Musikwelt sehr verändert. Dies hat sich offensichtlich auch auf die elektronische Musik ausgewirkt. Im Bereich der zeitgenössischen experimentellen Musik spielt die freie Improvisation eine große Rolle. Ähnlich wie in der Musiktherapie bezieht sie auch unterbewusste Prozesse mit ein. Sowohl die technische Entwicklung als auch die freie Improvisation bewirken die Notwendigkeit eines „neuen“ Hörens zugunsten des Sounds und eines erweiterten, bewussten Zuhörens. Tonales Hören im traditionell westlichen Sinne scheint dem Musikverständnis weniger förderlich zu sein. Dank der Interviews zeigt sich ebenfalls, dass der Wunsch vorhanden ist, mit der Musik über emotionale Inhalte einen Denkprozess im Musiker und im Hörer auszulösen. Inwiefern dieses Ideal auf der Seite des Hörers erreicht wird, muss in Zukunft noch eruiert werden. Allerdings können anhand vorhandener Emotionsstudien Vermutungen angestellt werden, dass dies zumindest ansatzweise möglich ist.This research examines contemporary experimental music of an electronic character, with view to understanding the reason this music developed in the way it did together with the motivation of the respective musicians. This information then provides a basis to hypothesise how the listener could regard this music in order to understand it. For this reason the topic is addressed from the point of view of different musicological fields. On the one hand the historic developments and its connections as well as some philosophical aspects are analysed. On the other hand psychological and technical aspects are integrated. Some interviews, which were held with musicians operating in Vienna, complete the work. In the course of this dissertation it is shown that the contemporary experimental electronic music is the result of complex mutual reactions of different musical genres. In the age of globalisation it even has no real cultural identity. Furthermore, the growing affordability of computers has changed the musical world. This also has an effect on electronic music. As far as contemporary experimental music is concerned, free improvisation is very important. As in musical therapy, it also involves subconscious processes. Both the technical development, and the free improvisation require a “new” hearing in favour of sound and an extended, conscious listening. Tonal hearing of our traditional western world doesn’t seem to enhance the understanding of this music. The interviews reveal there is a wish to induce a thinking process in the musician and in the listener through emotional content. To what extent this ideal is reached on the listeners’ side still has to be investigated. Previous emotion studies allow the assumption that the musicians succeed at it, if only rudimentarily

Spielformen im Spielfilm : zur Medienmorphologie des Kinos nach der Postmoderne

Die aktuelle Konjunktur exzentrischen Erzählens im gegenwärtigen Kino ist längst nicht mehr bloß die Illustration einer condition postmoderne, sie verweist vielmehr auf die Hybridisierung von Erzählung und Spiel im digitalen Medienumbruch. Insbesondere im massenattraktiven Spielfilm stehen nicht mehr die selten gewordenen Identifikationsofferten im Zentrum des Interesses und die Zuschauer sorgen sich auch nicht um Interpretationshypothesen, sondern sie finden Vergnügen an Erzählrätseln und verfolgen neugierig das Spiel mit unterschiedlichen Plotvarianten oder paradoxalen Welten. In den Beiträgen dieses Bandes werden Formen dieser Hybridisierung exemplarisch aufgeschlüsselt und genealogisch nachvollzogen

Lehr- und Lernforschung in der Musikpädagogik

Das Thema der Tagung >Lehr- und Lernforschung in der Musikpädagogik< in Lingen im Herbst 2005 greift Forschungsbereiche auf, die fu&#776;r die Musikpädagogik vor dem Hintergrund der PISA-Studien im Allgemeinen und der gegenwärtig stattfindenden Entwicklung von Bildungsstandards fu&#776;r den Musikunterricht im Besonderen von zunehmender Bedeutung sind und angesichts der aktuellen Diskussion zur Einrichtung von Ganztagsschulen und deren absehbaren Konsequenzen fu&#776;r den herkömmlichen Musikunterricht der Notwendigkeit Rechnung tragen, die Fragestellungen der Unterrichtsforschung mehr als bisher auch auf Lehr- und Lernprozesse in den außerschulischen Bereichen zu erweitern mit dem Ziel einer Vernetzung der musikpädagogischen Forschung mit Ansätzen und Ergebnissen der Jugendsoziologie einerseits und andererseits der Erforschung des Musiklernens bei Erwachsenen und Senioren in der Lebensspanne. (DIPF/Orig.

Musikgeschmack in der Popularkultur

Der zunehmende Bedeutungsverlust traditioneller sozialästhetischer Hierarchien stellt eine zentrale Herausforderung für die Kultursoziologie dar: Resultiert daraus die Erosion sozialer und kultureller Überlegenheitsansprüche oder entstehen stattdessen neue Formen soziokultureller Distinktion? Während die Brüchigkeit der Dichotomie von Hoch- und Popularkultur Gegenstand zahlreicher Untersuchungen ist, blieben ähnliche Entwicklungen innerhalb der Popularkultur bislang weitgehend unberücksichtigt. Vor diesem Hintergrund stehen die sozialen und ästhetischen Transformationen im Feld der populären Musik im Mittelpunkt dieser Dissertation. Ausgehend von Pierre Bourdieus Konzeption von Musikgeschmack als Mittel sozialer Exklusion, den Repräsentationstheorien der Cultural Studies sowie Ansätzen in der Tradition des Symbolischen Interaktionismus wird untersucht, inwiefern Musikgeschmack in Zeiten zunehmender Brüchigkeit symbolischer Grenzziehungen als Mittel soziokultureller (Selbst)Verortung sowie als Ressource im Streben nach gesellschaftlicher Superiorität genutzt wird. Als ergiebiges Datenmaterial für die Erforschung von Musikgeschmack in der Popularkultur erwiesen sich Diskussionen über musikalische Vorlieben und Aversionen in Online-Foren. Insgesamt wurden 30 Diskussionen mit über 3000 Einträgen untersucht. Die Dateninterpretation erfolgte sowohl mittels kategorienbasierter qualitativer Inhaltsanalyse als auch mit Methoden rekonstruktiver Sozialforschung. In methodologischer Hinsicht orientierte sich die Auswertung an der wissenssoziologischen Deutungsmusteranalyse. Die empirischen Ergebnisse zeigen, wie MusikrezipientInnen ihren Geschmack zum Ausdruck bringen, symbolische Grenzen ziehen und soziale sowie kulturelle Positionierungen vornehmen. Hinsichtlich der Demonstration moralischer Überlegenheit lassen sich zwei Deutungsmuster explizieren, die als Grundlage für die Definition des „guten Geschmacks“ in der Popularkultur dienen: Die Zuschreibung von Authentizität bewirkt eine Grenzziehung zwischen „kommerzieller“ und „künstlerisch wertvoller“ Musik. Als „authentisch“ gilt jene Musik, von der angenommen wird, dass sie um der Musik willen und weitgehend jenseits ökonomischer Aspirationen produziert wird. Die Vorliebe für „authentische“ Musik ist die Basis eines Geschmacks, durch den Superiorität zum Ausdruck gebracht werden kann: Demonstriert wird moralische Überlegenheit durch die Aufwertung des eigenen Geschmacks vor dem Hintergrund der Diskreditierung jener Musik, der das Attribut „kommerziell“ verliehen wird. Allerdings zeigt sich, dass Authentizität als Qualitätsauszeichnung populärer Musik zunehmend in Frage gestellt wird. Die empirischen Befunde legen nahe, dass die Authentizitätsrhetorik mit einem neuen Deutungsmuster in Konkurrenz tritt. „Toleranz“ avanciert zu einem Schlüsselkonzept musikalischen Geschmacks in der Popularkultur: Der darauf beruhende „Querbeet-Geschmack“ zeichnet sich nicht nur durch die demonstrative Überschreitung der Grenze zwischen „authentischer“ und „kommerzieller“ Musik aus, sondern auch durch eine Offenheit gegenüber verschiedenen musikalischen Welten. Abgrenzung findet gegenüber dem „festgefahrenen“ Geschmack jener MusikkonsumentInnen statt, die lediglich an einem Genre Gefallen finden. Nicht was gehört oder nicht gehört wird, sondern die Art und Weise, wie MusikrezipientInnen mit der Vielfalt unterschiedlicher Musiken umgehen, wird zum zentralen Kriterium symbolischer – und womöglich auch sozialer – Distinktion in der Popularkultur.The declining importance of social and aesthetic hierarchies is a great challenge for cultural sociology. It is unclear whether this tendency indicates an erosion of claims for social and cultural superiority or whether new ways of expressing distinction are emerging. While the fragility of boundaries between high and low culture has been subject of extensive research, similar changes within popular culture have been largely neglected so far. Against this background the dissertation focuses on the social and aesthetic transformations in the field of popular music. Drawing on Pierre Bourdieu’s conception of musical taste as a means of social exclusion, theories of representation within Cultural Studies, and perspectives in the tradition of Symbolic Interactionism, the study examines to what extent tastes in music are used as a resource for social and cultural (self)positioning and for the pursuit of social superiority. Discussions on musical tastes in online-fora have proved to be useful data. A total of 30 discussions with more than 3000 postings have been analysed. Data interpretation has been carried out by using qualitative content analysis as well as methods of hermeneutic social research. The findings show how users express their tastes, draw symbolic boundaries and position themselves and others socially as well as culturally. Concerning the demonstration of moral superiority, two patterns of interpretation can be explicated: “Authenticity” and “tolerance” serve as the base for defining “good taste” in popular culture. Ascribing “authenticity” is used to draw boundaries between “commercial” and “artistically valuable” music. Hence music is considered “authentic” if it is solely produced for the sake of the music itself, beyond any economic aspirations. The preference for “authentic” music serves as the foundation of a taste demonstrating superiority. Users express the worth of their musical taste by defining preferences for “non-authentic” music as “inferior”. However, there is clear evidence that the parameter of “authenticity” as a quality criterion in popular music is increasingly put into question. Empirical findings suggest that rhetorics of authenticity conflict with a new pattern of interpretation: “Tolerance” is promoted as a key concept of musical taste in popular culture – and it is the basic principle of a taste called “Querbeet”. This concept is not only characterized by crossing boundaries between “authentic” and “commercial” ostentatiously, but also by being open towards a broad range of different musical worlds. Consequently, a clear separation from consumers of music with a rather limited taste is called for. Not what is liked or disliked, but how consumers deal with the diversity of musical genres has become the criterion for symbolic and possibly also social distinction within popular culture

Dreaming Data. Aspekte der Ästhetik, Originalität und Autorschaft in der künstlichen Kreativität

Die Maschinen, die sich der Mensch einst erträumte, scheinen heute selbst zu träumen. Dank immer ausgefeilteren Algorithmen rechnen Rechner heute nicht mehr nur, sondern schreiben Drehbücher, malen Bilder oder komponieren Musik. Die Frage, ob Computer kreativ sein können, ist hinfällig geworden. Interessanter ist die Frage, wie sie es sind. Was den Bereich der logischen Operationen anbelangt, bezweifelt niemand mehr, dass Computer den Menschen längst übertroffen haben. Grösser sind die Vorbehalte bei der Kunst: Ein Computer, so der Vorwurf, könne niemals wirklich kreativ sein, zumindest nie so kreativ wie der Mensch. Was bei der normativ gefärbten Debatte um die Möglichkeiten simulierter Kreativität zu kurz kommt, ist die unvoreingenommene Beschäftigung mit dem konkreten Kunstwerk. Um dem entgegenzuwirken, beleuchtet der Autor ausgewählte Beispiele künstlicher Kreativität – von Film über Malerei bis hin zu Musik – hinsichtlich ihrer Ästhetik, Originalität und Konzeption von Autorschaft. Die Befunde bringt er in Zusammenhang mit dem dominanten Deutungsrahmen einer Kulturkritik, die sich auf der Grundlage einer überkommenen Genieästhetik zwischen Technologiefeindlichkeit einerseits und euphorischer Affirmation einer vermeintlich autonomen Artificial Creativity andererseits aufhält, während der Autor selbst einen innovativeren Weg beschreitet

Worte und Vinyl

In Deutschland gehört die Rapmusik zu den beliebtesten Genres von Jugendlichen, und stellt ihren Anhängern, neben der musikalischen Zerstreuung, eine enorme Plattform zur persönlichen Entfaltung, zur künstlerischen Aktivität und theatralen Inszenierung bereit – vor dem Hintergrund eines traditionellen Wertesystems, dem es trotz glokaler Neukontextualisierungen und dem Einfluss der Kulturindustrie weitestgehend gelingt über seine diversen kommunikativen Prozesse authentisch oder 'real' zu bleiben. Die vorliegende Arbeit lässt sowohl die bekanntesten deutschsprachigen Rapper als auch eine Vielzahl von Rap-Rezipienten zur Wort kommen, um die kommunikativen Aspekte dieser musikzentrierten Jugendkultur zu beleuchten