Re-reading Don Giovanni with Joseph Losey and Kasper Holten

UID/EAT/00693/2013 SFRH/BPD/79759/2011“Film opera” – whether defined as a sub-genre or simply as opera adapted to the screen – stands out as a multi-layered object of inquiry, in which the stakes of intermediality and intertextuality are inextricably bound up with each other. Indeed, the film adds another layer of complexity to the already dense web of “texts” that constitute all and every opera (from the immediate interaction between musical and textual notation to the mediation of all sorts of archi-, meta-, and para-textual elements). Drawing on Genette’s approach to transtextuality, I will bring the concept of hypertextuality to bear on film operas that reshape, in a more or less drastic way, a pre-existing opera. My aim is (1) to shed light on both the connection and distinction between intermediality and intertextuality, and (2) to discuss the extent to which the concept of hypertextuality (and the inquiry on intertextuality more generally) may broaden and enrich the debate on the encounter between opera and film. Against this background, I will focus on two film versions of Mozart’s Don Giovanni. Carefully pondered, Joseph Losey’s Don Giovanni (1979) and Kasper Holten’s Juan (2010) appear as re-readings of Mozart’s and Da Ponte’s masterpiece in which “class” and “gender” come to play a major role. This contrast – between the emphasis on “class” (Losey) and “gender” (Holten) – seems to tell us a big deal about the uses of opera in contemporaneity, as if these two historical moments (late 1970s and early 2010) were the erased text of a culturally and artistically saturated palimpsest. So seen, it is the present, rather than the past, that is hidden – but not as hidden as to become invisible – behind the cinematic re-writing of the opera. What can we learn about the very tension between these two “presents” by comparing them with their common “past”? And what does such deciphering tell us about the (changing) role of opera in late modernity? These are among the questions to be raised in the wake of a comparative analysis of Losey’s and Holten’s works that will nonetheless unfold with the above-mentioned questions in mind.authorsversionpublishe

Da verdade da aparência à do enigma:

Várias contradições pesam sobre a recepção da obra de Adorno; entre estas, o facto de tal recepção ter sido mediada por uma Escola de Frankfurt cada menos afim ao espírito da filosofia adorniana não será a menos importante. O campo da estética não constituiu excepção neste capítulo, uma vez que foram os trabalhos de autores como Bubner, Bohrer, Bürger, Wellmer e Menke que deram o tom a um debate ainda hoje em curso, à escala internacional. É-lhes comum – apesar de significativas diferenças – a ideia de que a dialéctica entre os conceitos de verdade e aparência constitui o centro nevrálgico da estética de Adorno. Neste artigo, defendo que uma tal centralidade pode e deve ser problematizada, pois não permite fazer inteiramente justiça nem à singularidade nem à actualidade da obra adorniana. Com efeito, resultará da crítica imanente de textos daqueles comentadores, bem como dos de Adorno, a hipótese de que a afinidade entre verdade e enigma – fazendo ressaltar a correlação entre a resistência à compreensão e o potencial de verdade de certas obras de arte – poderá fornecer uma pedra de toque conceptual mais adequada para reavaliar a pertinência da estética de Adorno no contexto dos debates estéticos contemporâneos

Momentos estéticos: Rancière e a política da arte

Resumo: Desde a transição para o século XXI, o pensamento de Jacques Rancière tem-se destacado como um dos que mais insistentemente tem interrogado o devir contemporâneo da arte no seio -- e em confronto -- com o nosso tempo. Neste artigo, procuraremos lançar luz sobre alguns dos principais momentos do seu pensamento estético: desde o nexo entre estética e política em relação com o conceito de “partilha do sensível” à crítica da “viragem ética”. Este itinerário implicará esclarecer em que medida só no quadro de um “regime estético da arte” (cujo sentido importará também explicitar) se torna possível pensar uma “política da arte” e questionar criticamente a valorização do conceito de sublime contra o pano de fundo de uma suposta ruptura pós-moderna. Palavras-chave: Rancière, estética, arte, sublime, pós-modernismoAbstract: Since the threshold of the 21th century Rancière's thought has emerged as one of the most significant attempts to reappraise the fate of art amidst -- and against -- the present times. In this article, my aim is to shed light on some of the main moments of his aesthetic thinking, ranging from the link between aesthetics and politics in relation to the concept of “distribution of the sensible” to the criticism raised against the “ethical turn”. Such an itinerary entails clarifying the extent to which only in the context of the “aesthetic regime of the art” (whose sense should be spelled out as well) a “politics of the art” becomes thinkable, and calling into question the praise of the concept of sublime against the background of an alleged post-modern break. Keywords: Rancière, aesthetics, art, sublime, post-modernis

Between the singular and the plural: notes on art, autonomy and politics

This article brings together a set of notes that seek to debate the relationship between art and politics taking the ambivalence of the notion of autonomy as a point of departure (I). This ambivalence is due the fact that autonomy refers to art either in the singular or in the plural. So these notes cover various issues including the difference and complementarity between aesthetic and art (II); the relationship between artistic practice, aesthetic experience and art criticism (III); the interaction of the arts in the light of the postmodern debate (IV); the diversity of interartistic practices (V). When all is said and done, the article suggests that the relationship between the arts is both a condition and a stimulus of the politics of the arts, the singularity of their common purpose notwithstanding (VI)

Entre o singular e o plural: notas sobre arte, autonomia e política

This article brings together a set of notes that seek to debate the relationship between art and politics taking the ambivalence of the notion of autonomy as a point of departure (I). This ambivalence is due the fact that autonomy refers to art either in the singular or in the plural. So these notes cover various issues including the difference and complementarity between aesthetic and art (II); the relationship between artistic practice, aesthetic experience and art criticism (III); the interaction of the arts in the light of the postmodern debate (IV); the diversity of interartistic practices (V). When all is said and done, the article suggests that the relationship between the arts is both a condition and a stimulus of the politics of the arts, the singularity of their common purpose notwithstanding (VI).Este artigo reúne um conjunto de notas cujo propósito é reflectir sobre a relação entre arte e política tomando como ponto de partida a ambivalência da noção de autonomia (I). Devendo-se esta ao facto de a autonomia se poder referir à arte tanto no singular quanto no plural, estas notas abordam questões diversas tais como a diferença e complementaridade entre estética e arte (II); a relação entre prática, experiência e crítica (III); a interacção entre as artes à luz do debate pós-moderno (IV); a diversidade das manifestações interartísticas (V). Por fim, estas notas saldam-se na ideia de que a política da arte tem na relação entre as diferentes artes uma condição e um incentivo, sem que por esse motivo se dissolva a singularidade do seu propósito comum (VI)

L'opéra et le cinéma selon Stanley Cavell

This article is part of a project that has received funding from the European Union's Horizon 2020 research and innovation programme under grant agreement No. 708601- PROPERA - The Profanation of Opera: Music and Drama on Filmauthorsversionpublishe

A aura da ópera na época da sua queda anunciada

info:eu-repo/grantAgreement/FCT/5876/147237/PT UID/EAT/00693/2019 DL 57/2016/CP1453/CT0059Este artigo debruça-se sobre três objectos operáticos recentes: os live films de Tosca, La Traviata e Rigoletto, produzidos por Andrea Andermann (lançados numa caixa de DVD/Blu-ray em 2016); o projecto “Maria by Callas” de Tom Volf (em curso desde 2017); e as transmissões em directo de teatros de ópera para salas de cinema, em particular as do Metropolitan Opera House e da Royal Opera House (desde 2006 e 2008, respectivamente). Com base no seu exame, discute-se o paradoxo da persistência da aura no contexto da crescente mediatização da paisagem cultural contemporânea. Este paradoxo traduz-se na coexistência entre o entusiasmo pela reprodução e pela remediação tecnológicas e o fascínio pelos valores da originalidade, da autenticidade e da presença. De que modo este paradoxo se desdobra no caso da ópera e até que ponto é possível ultrapassá-lo são as questões que norteiam este ensaio. This article focuses on three recent operatic objects: Andrea Andermann’s live films of Tosca, La Traviata, and Rigoletto (released in a DVD/Blu-ray box set in 2015); Tom Volf’s “Maria by Callas” project (on-going since 2017); and the live broadcasts from opera houses to movie theaters, particularly those from the Metropolitan Opera House and the Royal Opera House (since 2006 and 2008, respectively). Based on their examination, I discuss the paradox of the persistence of aura within today’s increasingly mediatized cultural landscape. This paradox takes on the form of the coexistence between an enthusiasm for technological reproduction and remediation, and a fascination with the values of originality, authenticity, and liveliness. How this paradox unfolds in the case of opera and to what extent it can be overcome are the questions orienting this essay.publishersversionpublishe

Conversation with Hauke Berheide and Amy Stebbins

Exchange of ideias and experiences on contemporary production of Opera.Diálogo a respeito de ideias e experiências em produção contemporá‚nea de Óperas

A Diva entre o Mito e a Verdade: Em torno de Maria by Callas de Tom Volf

Conceived and executed by Tom Volf, the Maria by Callas project includes an exhibition, a documentary, and three books. According to the author, they are united by the purpose of returning Maria Callas (1923-1977) the prerogative of “telling her own story in her own words”. In fact, one of the distinctive features of the project is the systematic use of the artist’s spoken, written, or sung words. But there is more: the project reveals a plethora of unpublished documents, including “private Super 8 films, unknown photographs, pirate recordings, intimate letters, and lost interviews.” The project’s novelty would then be attested not only by the authenticity of the testimony but also by the uniqueness of the materials. Despite the merits of the exhibition and the documentary, the project raises numerous questions, particularly regarding the claim of truth in the document and the testimony. Is not this claim of truth itself a myth? Furthermore, the project embodies a paradox that tells us a lot about the desires and fears of our era. On the one hand, copies, images, traces, and the diversification of strategies that make them visible and audible are valued; on the other hand, this valuation is based on the figures of the original: truthfulness, authenticity, transparency. This article is dedicated to the analysis of this paradox, as well as the critical assessment of this project in the context of a broader reflection on the survival and intensification of the myth of Callas in the 21st century.Concebido e concretizado por Tom Volf, o projecto Maria by Callas incluiu uma exposição, um documentário e três livros. Une-os, segundo o autor, o propósito de devolver a Maria Callas (1923-1977) a prerrogativa de “contar a sua própria estória nas suas próprias palavras”. De facto, uma das características distintivas do projecto consiste no recurso sistemático às palavras ditas, escritas ou cantadas pela artista. Mas há mais: o projecto dá a conhecer uma panóplia de documen- tos inéditos, incluindo “filmes privados em Super 8, fotografias desconhecidas, gravações pirata, cartas íntimas e entrevistas perdidas”. A novidade do projecto seria então atestada não apenas pela autenticidade do testemunho mas também pelo ineditismo dos materiais. Apesar dos méritos da exposição e do documentário, o projecto suscita inúmeras questões, nomeadamente em relação à pretensão de verdade do documento e do testemunho. Não é esta pretensão de verdade em si mesma um mito? Além disso, o projecto dá corpo a um paradoxo, que nos diz muito sobre os anseios e os receios da nossa era. Por um lado, valorizam-se as cópias, as imagens, os vestígios, bem como a diversificação das es- tratégias que os tornam visíveis e audíveis; por outro lado, tal valorização assenta nas figuras do original: a veracidade, a autenticidade, a transparência. É à análise deste paradoxo, bem como à apreciação crítica deste projecto no contexto de uma reflexão mais ampla sobre a sobrevivência e a intensificação do mito de Callas no século XXI, que se dedica este artigo

Agamben ou a profanação da ópera pelo cinema

SFRH/BPD/79759/2011No ensaio “In Praise of Profanation”, Agamben reelabora o conceito de profanação no contexto do que Benjamin chamou, num fragmento póstumo, a religião do capitalismo. Num mundo em que troca, o consumo e a exibição espectaculares parecem inviabilizar todo e qualquer uso, o gesto profanatório representaria a possibilidade, ainda que precária, de uma relação com objectos irredutível a fins pré-determinados. Nesta comunicação, adoptando como pano de fundo o modo como neste ensaio de Agamben se compreende o conceito de profanação, procurarei discutir até que ponto faz sentido caracterizar certas representações cinematográficas da ópera como profanações daquele género músico-teatral. Entre os vários motivos que parecem tornar esta hipótese pertinente para discutir em termos politicamente desafiantes o encontro entre aqueles dois géneros, conta-se o facto de Agamben nos convidar a conceber a profanação como uma tentativa de resgatar um objecto ou prática à tradição (seja ela efectivamente religiosa ou genericamente cultural) sem equiparar tal resgate a uma integração desse objecto ou prática na “lógica cultural do capitalismo tardio”. Profanar a ópera – e a questão é saber em que sentido o cinema o pode fazer – significaria então mais do que rejeitar o “valor de culto”; implicaria também não confundir o “valor de uso”, enquanto oposto quer ao “valor de culto” quer ao “valor de troca”, com os seus sucedâneos ou duplos: o consumo e a exibição espectaculares.publishersversionpublishe