Nonverbale Synchronie und Musik-Erleben im klassischen Konzert

Die Praxis der Musikrezeption im Rahmen klassischer Konzerte ist von restriktiven Verhaltenskonventionen geprägt. Aktuelle kognitionswissenschaftliche und philosophische Ansätze, welche Musik-Erleben als verkörpert oder als über mehrere Individuen verteilt konzeptualisieren, scheinen daher für die Erklärung des Musik-Erlebens in klassischen Konzerten weniger geeignet. Vor diesem Hintergrund untersuchte die vorliegende explorative Studie das Auftreten koordinierter Körperbewegungen als nonverbale Synchronie im Rahmen eines klassischen Konzertes und den Zusammenhang zwischen den Synchronien innerhalb des Publikums und Aspekten des subjektiven Musik-Erlebens. Im Rahmen eines Forschungskonzerts wurden 22 Teilnehmern verschiedene Kammermusikwerke präsentiert, sowie dabei Selbstauskünfte zu Aspekten des Musik-Erlebens erhoben und Körperbewegungen mit drei stationären Kameras erfasst. Nonverbale Synchronie, als Indikator für koordinierte Körperbewegungen, wurde über die Korrelation von Bewegungsenergie-Zeitreihen ermittelt. Die Bewegungsenergie wurde als Anzahl der sich ändernden Pixel aufeinanderfolgender Frames operationalisiert. Es zeigte sich stark ausgeprägte Synchronie zwischen den Musikern sowie eine Synchronie kleiner bis mittlerer Effektstärke innerhalb des Publikums. Zwischen den Musikern und dem Publikum konnte hingegen keine Synchronie festgestellt werden. In Bezug auf das Verhältnis von Synchronie innerhalb des Publikums und dem subjektiven Musik-Erleben zeigten sich signifikante negative Zusammenhänge zwischen dem Gefühl der Verbundenheit mit den Musikern, dem Grad der Absorption und der Synchronisierung innerhalb des Publikums. Dies lässt sich dahingehend interpretieren, dass bei einem stärkeren Fokus der Aufmerksamkeit und des Erlebens auf das Bühnengeschehen die Synchronisierung mit den anderen Mitgliedern des Publikums abnimmt. Die Ergebnisse dieser Studie stehen im Einklang mit Theorien zum verkörperten Musik-Erleben, sie stützen jedoch Ansätze nicht, die darunter die Nachahmung der klangproduzierenden Bewegungen der Musiker verstehen. Ebenso stehen die Befunde nicht in Einklang mit Ansätzen zum verteilten Musik-Erleben. Abschließend werden die Ergebnisse hinsichtlich ihrer musikpraktischen Relevanz bezüglich einer Diversifizierung klassischer Konzerte diskutiert

A Trans-Disciplinary Tool for Collaborative, Choreographed, and Embodied Audio-Visual Live Coding

Seeking balanced and mutual interaction, the authors designed and implemented tools to connect a live coding system for audio built in Haskell with Javascript tools for live coding browser-based visuals to enable a collaborative audio-visual performance. Each system generates and emits OSC messages through functions developed by the authors and triggered by preexisting functions in those systems. The systems also gained subsystems for receiving incoming messages and modifying system state according to those messages. Means for displaying transmitted data were also implemented, allowing audiences greater insight into performer interactions. The system was designed to enhance the possibility of equal dialogue between the performers and avoid disastrous changes to a partner’s system state. It was developed following an on-going research and recollection of musical and choreographic scores that reference principles of non-linear composition, non-hegemonic time and space constructs, and techno-feminist perspectives

Composer-composer collaboration and the difficulty of intradisciplinarity

Research and practice involving parties from different disciplines is of increasing importance in many fields. In the arts, this has manifested itself in both increasing attention on established collaborative partnerships – composers, for example, collaborating with writers, choreographers and directors – and a move towards more overtly cross-, multi-, inter- and/or trans-disciplinary forms of working – a composer working with a physicist, philosopher or psychologist. Composer-composer partnerships are far less common, meaning intradisciplinary collaboration is little explored in relation to practice research in music. This article takes the collaborative music theatre composition I only know I am (2019) created by the authors – Litha Eftythmiou and Martin Scheuregger – as a case study, outlining the issues and opportunities that arise through combining two compositional practices in an effort to create a single artistic output. Ways in which the composers managed this process are detailed in the context of communication, technology, and the issue of tacit knowledge (of both individual compositional process and the working of intradisciplinary collaboration). In particular, reflections on their experience during a week-long residency, in which they collaborated on a single musical work, is discussed in order to understand to what extent two aesthetic approaches can be reconciled to create work satisfactory to both parties. Notions of composition as an inherently collaborative process are used to contextualise the means by which composer-composer collaborations might be understood. The authors reflect on an understanding of intradisciplinarity in the context of their practice as composers in order to draw conclusions that will allow them, and others, to approach composer-composer collaboration in an informed manner

Performances audio-visuales en entornos de programación : El código fuente como instrumento musical

El presente trabajo consta de la performance de live coding ‘Nuevas Canciones de Bandidxs’ y del análisis de las prácticas artísticas englobadas bajo este término, enfocando en la relación intrínseca del live coding con la composición algorítmica en tiempo real. Para esto se aborda la comprensión de la lógica algorítmica como objeto digital artístico basado en los conceptos que presenta Carlos Gutiérrez López en su trabajo. A su vez se estudia al live coding musical enmarcado en una algorave como ámbito de difusión de estas obras. Se presenta el análisis de cinco elementos sintácticos de Tidal Cycles presentes en la performance antedicha.Facultad de Arte

fh-presse Oktober 2017

Ausgabe 5/2017 der fh-press