Hybridité, animalité et métissage : la littérature francophone contemporaine entre parasitisme et devenir-autre

Postcolonial Francophone literature, as it has evolved since the independence movements in the French colonies (mainly in Africa and in the Caribbean islands), has known two major moments in the 20th century, where it distanced itself from metropolitan French Literature: in the forties, fifties and sixties, with the movement of the « négritude » and more recently, in the nineties, with the rise of "créolité"- which will lead to the actual current of "Littérature-monde" (2005), and corresponds to the era that will be investigated here. It would be naïve to think that this desire for literary independence could have been fulfilled entirely, while expressed in the language of the "oppressor". In spite of its claims to the contrary, this postcolonial francophone literature remains to this day haunted by its French model. To a certain degree, it is still very much dependent as can be seen from its fixation with Paris as the only "centre" of culture and the frequency of themes such as social parasitism and hospitality. But of course, Francophone literature cannot be reduced to such a simplistic model. Its relationship to French Literature can't be reduced to a purely mimetic one. In spite of (or maybe thanks to) its heavy borrowing from the French canon, it has succeeded in creating a new space of reciprocal exchanges and constant metamorphosis. It is this space that H. Bhabha called "third space", defined by hybridity and "métissage" - a paradoxical way of coping with the double inheritance of the same and the other. In opposition to the static behaviour in which the parasite engages when imitating, one has to conceive, according to G. Deleuze and F. Guattari, a heterogeneous relationship characterized by movement and fluctuation: a "becoming" rather than a "being". It is this notion of constantly changing identities that we will analyze in reaction to parasitism, which remains based on imitation: a need for metamorphosis best expressed in "animalisation" and the loss of identity it produces. In order to test this hypothesis, we will analyze a series of works of fiction where this theme of animalisation is most visible (produced over the past 15 years in Postcolonial Francophone literature). Some of the novels in our corpus are the following: Mémoires d'un porc-épic, by Mabanckou (from Congo); Moi, l'interdite, by Ananda Devi (from Mauritius), Temps de chien by P. Nganang (from Cameroun) and Un Chien mort après lui by Jean Rolin (France). We hope that the relative homogeneity of our findings will allow us to formulate new insights in the way Francophone literature deals with those ever returning questions of identity and otherness

« Un pied dans le devoir, un pied dans le désir » : les didascalies de Jean Anouilh

Les indications scéniques d’Anouilh sont moins précises que ce à quoi on pourrait s’attendre de la part d’un auteur passé à la mise en scène, amoureux des planches et héritier du Cartel. Seule exception : les indications concernant le jeu des comédiens, largement et finement défini. Anouilh, fidèle à certains principes dramaturgiques ainsi qu’à une pose qu’il affectionne, n’est pas un didascale technique ni minutieux. En revanche, il propose des indications qui échappent au canon, offrant au lecteur tantôt un peu de poésie de théâtre, tantôt un peu de liant quasi narratif, tantôt un peu de lest pédagogique. En fin de compte, la didascalie boite « un pied dans le devoir, un pied dans le désir », soit un pied dans le réel (la vocation scénique) et un pied dans le rêve (l’horizon littéraire).With one exception, Anouilh’s instructions in his plays are not as precise as one would expect from an heir to the Cartel and an author both well versed in staging and a lover of acting. The exception is Anouilh’s instructions to actors, which are broad and clear. While attached to certain principles and effects, Anouilh as a playwright is neither technical nor exacting in his instructions. However, he innovates in some respects: a little theatrical poetry here, some quasi-narrative continuity there, or a touch of pedagogical lest elsewhere. In the end, his instructions hop from the well-trodden to simply hopes, from the reality of staging instructions to the dream of literature

La représentation de l’homosexuel(le) dans le cinéma français. Quelques pistes de réflexion

Malgré une plus grande visibilité des homosexuel-le-s, à la télévision comme au cinéma, notamment depuis l’adoption du PACS (1999), les gays et les lesbiennes sont aujourd’hui encore très souvent stigmatisés comme en témoignent les nombreux actes homophobes, parfois violents, dont ils sont régulièrement victimes. L’homosexuel-le est cet Autre dont l’étrangeté peut susciter l’angoisse de la différence comme l’ont montré les auteurs de La ..

La Belle et la Bête en famille. Cousinages historiques et poétiques

Dans cet article, Jean-Paul Sermain soulève la question de l’anachronisme dans l’interprétation des textes littéraires et du conte de fées en particulier. « Peut-on », demande-t-il, « lire un texte à partir de son futur ? » Il répond ici à cette question par une analyse des cousinages historiques et poétiques d’un conte de fées emblématique dont la famille, nombreuse, est présente sur tous les continents, « La Belle et la Bête ».In this article Jean-Paul Sermain raises the question of possible anachronisms in the interpretation of literary texts, and especially of the fairy tale. Can we, he asks, read a text from its literary descent? He answers this question by analyzing the historical and poetic versions of a particular fairy tale whose family has conquered all languages and continents : “The Beauty and the Beast”

Quand le théâtre s’inspire du cinéma : Jean Cocteau, Sergueï Eisenstein et Tennessee Williams

La fascination de Tennessee Williams pour le cinéma a laissé des traces dans son théâtre. Les projections sur écran envisagées dans les indications scéniques de The Glass Menagerie ou l’importance accordée à la musique dans nombre de ses pièces n’en sont que quelques illustrations. Or, au delà du simple apport technique, les avancées de l’art cinématographique de la première moitié du XXe siècle invitent à repenser le rapport entre le réel et sa représentation, rapport que Williams n’a cessé d’explorer tout au long de sa carrière. Ses écrits autobiographiques sont parsemés de références à des films et à des réalisateurs qui ont joué un rôle essentiel dans l’élaboration de son « nouveau théâtre plastique ». L’analyse de sa pièce la plus connue, A Streetcar Named Desire, à la lumière de ces écrits révèle des influences diverses. Cocteau et Eisenstein affleurent ainsi à la surface de l’écriture dans une pièce où les univers des deux réalisateurs se rencontrent, ouvrant de nouvelles perspectives d’interprétation sur une œuvre dont il reste encore beaucoup à découvrir.Tennessee Williams’s lifelong fascination with cinema left marks on his theatre. The use of projections in The Glass Menagerie and the role played by music in many of his plays are cases in point. Yet, the influence of cinema on Williams’s writing goes far beyond the mere transposition of new technological devices onto the stage. For cinema brought about new ways of representing the world, thus providing the playwright with the means of escaping from the realist tradition and creating the “new, plastic theatre” he advocated as early as 1944. His autobiographical essays are peppered with references to famous filmmakers who helped him shape his language for the stage. The examination of his most famous play – A Streetcar Named Desire – reveals the influence of Cocteau and Eisenstein’s films and theories, giving us a new insight into Williams’s creative process

Le travail de la viande

Le présent article s’attarde au rôle significatif dévolu, durant le premier tiers du 20e siècle, à la représentation culturelle des abattoirs comme emblème de la modernité industrielle. Il met toutefois moins l’accent sur la performance sacrificielle, telle que la commente le projet contemporain de Georges Bataille, que sur la scénographie machinique qui organise en Amérique la rencontre du travailleur et de l’animal et qui semble avoir fasciné romanciers, dramaturges, cinéastes et dessinateurs de cette période. On s’emploiera à traquer deux topoï exemplaires : le premier a trait à l’animalisation du travailleur et le second à son effacement, à sa dévoration par la machine qui se nourrit de lui et le transforme en viande.This essay focuses on cultural representations of the slaughterhouse constructed, in the first third of the 20th century, as an emblem of industrial modernity. Rather than insisting on the sacrificial performance analysed by Georges Bataille’s contemporary project, we will study how, in novels, plays, films and cartoons of that period, the machine is shown as staging the encounter of worker and animal in two exemplary topoï : the first concerns the animalization of the worker through the double fragmentation of body and task and the second deals with the erasure and swallowing of the worker by the machine that feeds on him as it turns him into meat

L'actualisation de la pensée amoureuse platonicienne dans les films d'animation de Disney

Ce travail aborde les relations existant entre l’amour platonicien et l’amour présent dans les films d’animation de Walt Disney. Disney étant l’un des plus grands médias culturels occidentaux, si ce n’est mondiaux, retrouver Platon chez Disney, c’est voir l’influence de la philosophie grecque sur l’Occident actuel et son héritage. La comparaison sera déployée selon quatre grands thèmes : le rôle du beau dans l’amour, ἔρως comme intermédiaire, l’amour comme folie divine, l’amour comme méthode éducative. Nous commencerons par exposer les mœurs en Grèce antique, pour présenter adéquatement la position de Platon. Nous nous demanderons ensuite les causes pouvant expliquer l’apparition de la théorie platonicienne de l’amour chez Disney. Nous présenterons par la même occasion les contes qui ont inspiré Disney et qui peuvent parfois avoir des racines platoniciennes. Finalement, nous comparerons les films de Disney avec la pensée de Platon au sujet de l’amour.This paper presents the existing correlations between the concept of platonic love and the love displayed in Walt Disney's animated movies. Disney being one of the biggest media in Occident, if not in the world, finding Plato's theory in Disney movies means seeing the traces of Greek philosophy in today’s occidental world, and its heritage. We will ask ourselves why there is an existing relationship between Plato’s theory and Disney. The comparison will be made around four themes: the role of beauty in love, ἔρως as intermediary, love as divine foolishness, love as educational method. We will first expose the customs of ancient Greece in order to present adequately Plato’s position. We will present the fairy tales that inspired Disney, which sometimes find their origin in Platonism. Finally, we will compare Disney movies with Plato’s reflections about love